From HERE to ETERNITY

Between Waves - David Fonseca

2009-11-09T14:18:00.006Z

Seis anos após o lançamento do seu primeiro álbum a solo, Sing Me Something New, David Fonseca regressa agora com Between Waves, lançado no passado dia 2 de Novembro, que está a fazer sensação entre o público português. Com Dreams in Colour, último álbum do cantor, de 2007, David Fonseca tinha já conseguido definir um estilo próprio, uma marca indelével que o identificava como único no panorama nacional e até mesmo internacional, atraindo inúmeros fãs para a sua mistura própria de pop, electrónico, acústico, indie, rock ‘n’ roll e alternativo. Dois anos depois, este Between Waves é a sua verdadeira consagração como um dos melhores cantores e compositores portugueses do momento.

O álbum abre com (Baby) All I Ever Wanted, uma boa música que enuncia desde logo a magnificência do resto do álbum, embora esconda ainda as surpresas que a segunda faixa, Walk Away When You’re Winning, nos oferece de mão beijada. Esta segunda música é de uma beleza incrível, não só pelo ritmo alternado, pela letra calma e confiante, mas também pela forma como fica na cabeça e nos parece acompanhar durante horas e horas.

A terceira música é a já famosa A Cry 4 Love, primeiro e único single do álbum, até ao momento, que já conquistou as rádios e os corações dos ouvintes. Apesar de, aparentemente, ser algo diferente do estilo de David Fonseca a que estamos habituados, depressa nos apercebemos na forma como toca, como agarra, como o refrão se adequa na perfeição a esta era de consagração do cantor, e igualmente ao álbum em questão.U Know Who I Am é a quarta faixa, apresentando-se mais calma, suave, quase uma canção verdadeiramente romântica, com um ritmo leve e uma melodia para ouvir vezes sem conta.

There’s Nothing Wrong With Us, a quinta música do álbum, assemelha-se a um hino ao ser humano, aos seus erros, às suas características, que são tudo menos perfeitas, mas são as correctas para a espécie. Com um ritmo mais definido, prevalecendo a percussão e as palmas que o próprio David Fonseca imprime na maioria das suas canções. Uma vez mais, como se observa durante todo o disco, a letra prima pela magnífica coordenação com os instrumentos e o ritmo, em perfeita harmonia.

A sexta faixa, a uma primeira audição, pode até parecer algo despropositada, sobretudo no meio do álbum, pelo seu ritmo demasiado acelerado. Mas tendo em conta o que conseguimos ver de David Fonseca em Owner Of Her Heart, essa opinião é imediatamente posta de lado. De novo, a percussão e o famoso “clapping”, o refrão que não conseguimos apagar da memória, o ritmo que o identifica e que imprime também uma identidade única à canção. E apercebemo-nos desde logo que David Fonseca, para além de um excelente compositor e músico a todos os níveis, é coerente na forma como junta todos esses elementos e os transforma numa composição sem rpecedentes.

It’s Just a Dream II prima pela letra, pelo ritmo de novo suave e sincero, pelo sonho de que o cantor tanto fala e quase consegue mostrar por imagens através da música. Little Things II, a oitava faixa, destaca-se pela facilidade com que nos toca, pelo refrão definido pela voz de David Fonseca, e não tanto pelo ritmo que caracteriza algumas das suas músicas. Realça-se ainda a letra e a predominância da simbologia do telefone, ao longo do álbum, através de chamadas telefónicas ou simplesmente da referência ao objecto de comunicação à distância.

A nona música, Stop 4 a Minute, é talvez a mais “estranha” de todo o álbum, diferente de todas as outras, no ritmo, da composição, até na própria letra. Podemos dizer que é mais pop, que é mais focada no cantor, através do coro que o próprio faz e da letra muito centralizada no homem. No entanto, não deixamos de ver nela a marca inconfundível de David Fonseca, das suas composições sempre geniais, e apesar de ser mais fácil de gostar e deixar levar pelo som, acabamos por nos habituar progressivamente e por gostar cada vez mais da melodia, que deixamos de estranhar após a primeira audição.

Morning Tide (I Just Can’t Remember) inclui talvez uma das melhores letras de todo o álbum, contando uma história, entrelaçada com a percussão e certos sons electrónicos que começamos a observar cada vez mais na obra de David Fonseca, e que ajudam à consagração do seu estilo próprio. O refrão da música é propositadamente focado nos instrumentos e no tom baixo em que o músico canta, embora por vezes a letra não seja tão perceptível como deveria ser, não deixando de ser uma grande canção.

A finalizar o álbum, uma das melhores músicas de Between Waves, com um ritmo maravilhoso, acústico, sentindo-se o som da guitarra, ouvindo-se por vezes o som da harmónica. This One’s So Different marca uma verdadeira apologia da canção, do género do cantor, que é no fundo não ter género nenhum, mas sim uma série de elementos de todos eles, juntos em composições que soam, aos nossos ouvidos, sempre melodiosas e características.

De referir que as imagens que fazem parte do design do álbum ajudam a caracterizar este maravilhoso mundo de David Fonseca em Between Waves, significando possivelmente os altos e baixos da sua história, memórias da sua longa caminhada de vida, estando sempre “entre as ondas”. É isto que o torna “grande”, peculiar, intemporal, e nos faz ficar tão agradados com a simplicidade, a beleza e a suavidade de toda a sua obra musical, que não cessamos de elogiar. Between Waves é um excelente álbum, que pode surpreender uns, mas dificilmente desiludirá outros.

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Diana Krall: Quiet nights in... Lisboa

2009-10-13T14:00:00.006+01:00

Nasceu canadiana, mas o seu coração reparte-se agora um pouco por todo o mundo. Diana Krall veio a Lisboa, no sábado passado, apresentar o seu mais recente álbum, Quiet Nights, numa noite mágica no Campo Pequeno. Acompanhada por três músicos fantásticos, cantou durante quase duas horas, sempre amável e comunicadora. E encantou o público lisboeta.

Diana Krall surge em palco elegante, graciosa, num vestido preto fechado, bonita e de sorriso fácil. Senta-se cautelosamente ao piano, os longos dedos sobre as teclas brancas. Começa a cantar e a tocar, a sua voz melodiosa contrastando com o instrumento, o contrabaixo e a bateria a marcarem o ritmo, a guitarra a completar o cenário. E, num momento de silêncio, respira fundo e murmura: “Olá”.

O público entusiasta aplaude, sorri, deixa cair a lagrimazinha ao canto do olho. Diana interrompe alguns momentos musicais para falar do marido que está longe, dos filhos gémeos que a acompanham nesta digressão e falam melhor português que ela, de como gosta de tocar àquela hora da noite e poder passar o dia “de robe e chinelos”. Diz-se feliz por estar na sua “beloved Lisbon”, que gostava de ter visitado há mais tempo, e vai animando a plateia, que retribui com risos sinceros e muitas palmas. Depois volta ao piano, aos seus ritmos de jazz, bossa nova e samba, encantando a sala de espectáculos com os longos instrumentais e a voz poderosa.

Alguém grita da plateia “You’re beautiful!” e, mais tarde, outro alguém faz-se ouvir com “We love you Diana!”. A cantora volta a sorrir e a engraçar com os comentários, mostrando a sua boa disposição, o seu bom humor e a sua simpatia. Prestes a recomeçar a cantar, Diana baixa então o olhar e a voz, murmurando baixinho “I love you too”. É esta graciosidade, esta magnificência, que a tornam uma deusa em palco, que a fazem ganhar a atenção e a admiração do público português.

Este décimo segundo álbum que, segundo a própria cantora, é um dos mais intimistas, reúne canções como Quiet Nights, Walk on By, I’ve Grown Accustomed to His Face, So Nice, Este Seu Olhar (única música interpretada em português) e The Boy From Ipanema (variante da música A Garota de Ipanema, de Tom Jobim), todas estas interpretadas no concerto em Lisboa. Diana mistura o jazz característico da sua voz com os ritmos brasileiros, e a sua maravilhosa banda contribui com os sons da guitarra, do contrabaixo e da bateria, para o cunho pessoal que dá à música. De realçar estes três homens, Anthony Wilson, Ben Wolfe e Karriem Riggins que, através dos solos e dos improvisos, provaram, em concerto, que Diana Krall não é apenas uma mulher, mas um quarteto, uma mulher e a sua banda, uma voz e um grande poder do instrumental na sua produção musical.

Para além das músicas deste novo álbum, Diana Krall encantou o público com a sua interpretação de Cheek To Cheek e Let's Face The Music And Dance, ambas de Irving Berlin, e Let’s Fall in Love. Apesar do seu estilo marcadamente sereno, Diana e os seus músicos animaram o público com ritmos mais mexidos, nomeadamente por parte do piano da cantora, e tiveram até de regressar ao palco uma vez, após uma ovação em pé, depois da qual Diana afirmou que, para a próxima, permaneceriam em Lisboa por “duas semanas”. O único aspecto negativo a referir, no concerto, foi a péssima acústica do espaço que, apesar de tudo, não afectou a excelência do concerto.

Diana Krall, quarenta e quatro anos, passou por Lisboa neste dia 10 de Outubro, e deu outro magnífico concerto no dia seguinte, no Palácio de Cristal, no Porto. Conquistou os portugueses com a sua simpatia e a voz que fazem delirar todo o mundo. Esperemos voltar a ser contemplados com a sua presença num futuro próximo. Vê-la ao vivo é algo que não devemos perder.

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'5 Para a Meia-Noite': Os Bastidores

2009-09-07T14:51:00.007+01:00

Estúdios Valentim de Carvalho. Paço d’Arcos. Estúdio 4. A porta envidraçada descobre a entrada do estúdio, as paredes cimentadas e as escadas que dão acesso ao interior. A ilustre D. Helena surge na sua vestimenta azul – pequena, sorridente, amorosa, pronta para tirar fotografias com as pessoas que vão chegando e sempre adivinhando no seu rosto a frase popularizada nas participações ocasionais no programa. Uma porta abre-se para o maravilhoso mundo da televisão, com cenários à direita, à esquerda e em frente. É Sexta-feira. Passa das onze horas da noite. Falta pouco mais de uma hora para o espectáculo começar.

O 5 Para a Meia-Noite é um programa de humor alternativo, inspirado nos late night shows americanos, ao estilo de Jay Leno ou Conan O’Brien, que teve início no mês de Junho e terminará no final de Setembro. Apresentado por cinco apresentadores diferentes, durante os cinco dias úteis da semana, o programa é transmitido por volta das cinco para a meia-noite, e conta diariamente com convidados, rubricas e diversos sketches humorísticos para animar as noites da RTP2. Cada semana tem um verbo como temática para o humor, e os apresentadores – são eles Filomena Cautela, Fernando Alvim, Nilton, Pedro Fernandes e Luís Filipe Borges, por ordem de dias –, aproveitam o tema como bem entendem, de forma sempre criativa e audaz, conseguindo uma intensa interacção com os espectadores, em estúdio e através da televisão.

Sexta-feira é o dia de Luís Filipe Borges, conhecido vulgarmente como Boinas, devido ao objecto que raramente retira da cabeça. O apresentador surge ainda de t-shirt, boné na cabeça e um estilo descontraído, conversando com as pessoas que já chegaram ao estúdio para assistir. Ricardo Jorge Tomé, da RTP2, faz a reportagem fotográfica da noite, enquanto se aguarda pela hora do programa. Invulgarmente, neste último dia da semana, o estúdio está cheio. Nunca esteve tão lotado, nunca se pensou que alguma vez viesse a estar. Mas está. São mais de cinquenta as pessoas que se começam a concentrar entre as paredes cimentadas do estúdio para entrar no cenário do 5 Para a Meia-Noite. E lá dentro existem apenas quinze lugares sentados.
O cenário, em si, é um choque à primeira vista. Pequeno, acolhedor, mas totalmente diferente do que se vê na televisão, parece ter encolhido uns bons metros desde que o vimos na noite anterior a partir da caixinha mágica que temos em casa. Colorido, vivo, hospitaleiro, faz adivinhar um ambiente de enorme descontracção e alegria entre a equipa do programa, o que se denota imediatamente na forma como o público é permitido de entrar e conhecer o espaço antes do início do espectáculo. Salta à vista o frigorífico esverdeado, com o verbo da semana, lucubrar, fixo por íman (dentro do frigorífico, podem encontrar-se canecas com o ícone do programa, das que se oferecem aos convidados, e inúmeras buzinas que o Nilton e o Boinas tanto gostam de usar), tal como o relógio que marca irremediavelmente a meia-noite menos cinco minutos e o aquário com os peixinhos de diversos tamanhos e feitios.

À esquerda, a parede com as imagens dos cinco apresentadores e uns quantos objectos conhecidos dos mais admiradores do 5 Para a Meia-Noite, como o pote da Mena e o Boininhas em versão portátil. À direita, o ecrã onde passam os sketches e o famoso cacto com fotografias nos espinhos. Em frente, a secretária do apresentador e o sofá esbranquiçado e confortável onde se sentam os convidados. As câmaras a postos, o teleponto a mostrar as primeiras frases, algumas pessoas já sentadas nas cadeiras disponíveis. A lotação mais do que esgotada obriga à alteração do cenário e ao acrescento de bancos para o público se sentar, bancos esses que são colocados numa posição estratégica abrangida pelas câmaras. O público mais jovem vai aparecer no directo.

Faltam cinco minutos, avisa o senhor brasileiro a quem chamam de Betão. Está tudo a postos. António Costa, o convidado da noite, sorri ao ver o cenário pronto e a tranquilidade com que se prepara o directo. Dois minutos. O público já está mais descontraído, após a gravação da promo do programa da Sexta-feira seguinte, onde já apareceu em frente às câmaras e leu em coro as palavras do teleponto. Cinquenta segundos. Silêncio no estúdio, Boinas maquilhado e preparado para entrar pela porta de fachada que cria o ambiente informal do programa. Passa o genérico, que já todos conhecem. Três, dois, um, zero. E inicia-se o directo.
Gargalhadas, gargalhadas e mais gargalhadas. O teleponto auxilia o apresentador a coordenar o programa, mas o auricular que tem ao ouvido é uma ajuda preciosa para o improviso. Do outro lado da linha, André Ferreira, o génio das piadas e produtor do 5 Para a Meia-Noite, vai criando algumas das frases que ouvimos da boca de Luís Filipe Borges, ele próprio rindo-se do que acaba de dizer. António Costa apresenta-se totalmente descontraído, abraçando a tarefa de ler a letra de Taras e Manias e sorrindo com algumas piadas e sketches que passam e com o humor do actor de serviço, conhecido como Raminhos.

Sempre que o directo faz uma pausa, para passar um sketch ou uma rubrica, a iluminação é reduzida, a maquilhagem concertada e a respiração regularizada. São cerca de dois, três minutos, nos quais o tempo pára, literalmente, até regressar em cheio com o reacender das luzes e o aviso do Betão, que logo pede entusiasticamente aos espectadores no estúdio para baterem palmas. Regressa o poder das câmaras, das piadas, dos célebres sons (que se ouvem baixo, em pequenas colunas espalhadas pelo estúdio) e da conversa com o convidado, na que é uma hora bem passada na companhia de toda uma equipa amável e descontraída.

Boinas prepara-se para dizer as últimas palavras, levanta-se, sorri, adora o facto de ter a “casa cheia” e o público sorridente com o que acaba de assistir. 3, 2, 1, corta. Foi o quinquagésimo quinto 5 Para a Meia-Noite. Subitamente, tudo acaba: as palmas extinguem-se, as pessoas começam a caminhar para a saída, o apresentador retira a maquilhagem da cara, as cadeiras são deixadas para trás, tal como os bancos onde o público estava sentado. O apresentador é rodeado pelos fãs, e grande parte deles permanece dentro da sala, aproveitando para tirar fotografias e observar melhor o cenário. É Sexta-feira, último programa da semana, o que significa uma mudança de letras magnéticas no frigorífico – realizando-se a transferência para o verbo vampirizar –, a cobertura do sofá com um pano vermelho, para o proteger, e a arrumação do estúdio e do que foi alterado para albergar o público excedente. Em poucos minutos, o silêncio e a escuridão regressam ao cenário.
O 5 Para a Meia-Noite tem sido um fenómeno de audiências desde a sua estreia, no início do Verão. Share sempre próximo dos 10 por cento – com picos superiores –, e um enorme apoio nas redes sociais e na Internet em geral (nomeadamente a partir do twitter, do live chat e da Webcam live), são apenas alguns exemplos desse sucesso que o programa late night tem tido entre miúdos e graúdos. É inconvencional, é original, é divertido. Depende sempre dos convidados e dos apresentadores, tal como do tema da semana, mas no geral é um programa acarinhado pelo público e encarado como uma modernização do segundo canal e da noite na televisão portuguesa. Com fim marcado para o final do mês, está na mira um possível regresso do formato para o ano de 2010, ainda sem data prevista.

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Maioria dos tweets são sobre 'nada'

2009-08-20T12:04:00.004+01:00

O Twitter e a sua utilização foram recentemente analisados num estudo da Pear Analytics, que mostrou alguns pormenores curiosos acerca desta rede social. O estudo examinou duas mil mensagens (tweets), escritas em inglês, divididas por seis categorias: ‘notícias’, ‘spam’, ‘auto-promoção’, ‘conversas’, ‘nada’ e ‘RTs’. Contrariamente ao que se previa, os tweets categorizados como ‘spam’ e ‘auto-promoção’ não foram os mais registados no período analisado. A principal conclusão retirada deste estudo foi o predomínio dos tweets sobre ‘nada’, mensagens sem conteúdo relevante, como por exemplo “estou a comer uma sandes”.

Cerca de 41% dos tweets são, portanto, sobre ‘nada’. Seguem-se os tweets categorizados como ‘conversas’, trocados entre utilizadores, com cerca de 38%, e os ‘RTs’, em terceiro lugar, com um valor percentual muito próximo de 9, ou seja, muito inferior aos dois primeiros. Os valores de ‘spam’ foram muito abaixo do esperado, e os valores de ‘conversas’ e ‘nada’ foram muito elevados. O valor de ‘notícias’ foi também inferior ao que se previa, tendo em conta a utilização do twitter como meio de divulgação de informação e a sua utilidade para o jornalismo.

O que significa este estudo? Que o Twitter não é, afinal de contas, uma ferramenta maioritariamente utilizada para divulgar acontecimentos? Que os tweets desinteressantes, sobre nada em especial, são os que mais se escrevem e publicam?

Primeiro, temos de ter em conta que a amostra utilizada neste estudo se refere apenas a dois mil tweets, todos na língua inglesa, ou seja, a maioria dos tweets portugueses não se poderia incluir nesta análise. Segundo, qual é o verdadeiro propósito do Twitter? A pergunta-base que nos leva a começar a escrever é “O que está a fazer?”, e não “O que aconteceu de importante no mundo?” ou “O que pretende publicitar?”. O próprio Twitter solicita aos utilizadores que partilhem o que estão a fazer, por mais desinteressante que seja. Assim, deveria ser esperado que as respostas fossem, na sua maioria, com pouco conteúdo relevante… incluídas na categoria ‘nada’. Não é esse o propósito da rede social?

Agora, a questão é o que o Twitter se tornará num futuro próximo. Continuará a ser uma rede onde as pessoas publicam as suas actividades, que pouco têm a ver com os interesses gerais? Ou tornar-se-á um local mais sério, onde a circulação de notícias será o conteúdo da maior parte dos tweets? Esperemos para ver os próximos estudos.

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17 Again...

2009-08-14T14:53:00.008+01:00

Será que tomámos o caminho correcto? Teremos vivido tal como estava destinado, ou podíamos ter alterado o nosso percurso, lutado por coisas diferentes e ter sido mais felizes? Estas são algumas questões levantadas pelo filme 17 Anos, outra vez! e as principais indecisões do protagonista, Mike O’Donell. Mike tem quase quarenta anos e está prestes a divorciar-se da esposa, Scarlet, namorada do liceu com a qual se viu ‘obrigado’ a casar precocemente ao saber que estava grávida. Culpando-a sempre por ter destruído toda uma vida que se apresentava brilhante à sua frente, Mike torna-se alguém que não queria ser, um homem que nem sequer consegue ser promovido no emprego e manter uma relação estável com os filhos. Ao desejar regressar ao passado e remediar o que fez e não fez, a oportunidade é-lhe dada sem que se aperceba… e quando dá por si tem, de novo, dezassete anos, e uma vida inteira pela frente.

O conceito de comédia romântica com leves toques de drama e ficção científica não é novo. Temos em Big um dos melhores exemplos do género, e em De Repente, já nos 30! outro filme bem-humorado e com características muito semelhantes. Mas o ‘voltar atrás no tempo’ é uma fórmula que pode sempre ter sucesso, dependendo da história que envolve a situação, a realização e as interpretações. E no caso deste filme, é uma fórmula ganha, que o torna um dos melhores do género entre os que já tivemos oportunidade de ver este ano. É de louvar a realização brilhante de Burr Steers, um ilustre desconhecido neste mundo cinematográfico. O filme tem um ritmo impressionante, permite a absorção de cada momento e não leva o espectador a dispersar a sua atenção para pormenores desinteressantes. Como história em si, não figurará no panorama de grandes argumentos de cinema. É previsível, é lamechas (se assim o quisermos chamar…), é banal, até. Mas capta a atenção, é comercial, cativa o público pela sua simplicidade. De realçar ainda a banda sonora, contemporânea, juvenil, fresca, e o genérico final, ilustrado com fotografias dos actores quando eram novos… original e divertido.Em relação às interpretações, há também muito a apontar. Mattthew Perry é um senhor da comédia, um actor que nunca foi muito aclamado mas que dá passos nesta indústria há muitos e vai captando, de tempos a tempos, a atenção dos mais distraídos. Representando Mike O’Donell enquanto adulto, não se adequa na perfeição às exigências do papel, mais dramático e maduro… mas ainda assim consegue realizá-lo. Falta-lhe talvez um pouco mais de protagonismo, apenas. Thomas Lennon é o protagonista dos momentos mais humorísticos do filme, na pele de Ned, amigo inseparável de Mike, o que retira alguma seriedade ao filme e é, seguramente, propositado, de modo a tornar mais leve o ambiente carregado da história.

Quanto a Zac Efron, as coisas são totalmente diferentes. Primeiro aviso: esqueçam High School Musical, Hairspray, e tudo o mais que já viram com o actor de comédias adolescentes. Em 17 Anos, outra vez!, Zac torna-se um homem, ao interpretar Mike O’Donell enquanto jovem. A forma como capta a maturidade da personagem e como corresponde na perfeição às suas exigências, é simultaneamente surpreendente e fascinante, no verdadeiro sentido das palavras. Representa um homem de quarenta anos na pele de um rapaz de dezassete… a tarefa não parece fácil, mas Zac consegue cumpri-la. E nunca pensei dizer isto, mas acredito que o rapaz de vinte e dois anos pode vir a tornar-se um grande actor dramático, para além da comédia e do romance. Fiquemos atentos. Acima de tudo, 17 Anos, outra vez! é mais um típico filme de Domingo à tarde, para toda a família, divertido, com alguns momentos mais sérios, mas que prima sobretudo pela mensagem que pretende transmitir. Ao voltar ao liceu, Mike compreende que a sua missão é não só ajudar os filhos adolescentes a ultrapassar os momentos difíceis da juventude, como também aproveitar a segunda oportunidade, não para remediar o passado, mas para melhorar o futuro e mudar quem é no presente. E as pessoas identificam-se com essa mensagem, tenham elas dezassete anos ou quarenta, porque todos vivemos e nos arrependemos de algumas acções efectuadas no passado. Vale a pena ver o filme, pela realização, pela mensagem, e pela consagração de Zac Efron como um dos actores em ascensão no panorama de Hollywood. E porque saí da sala de cinema com uma sensação enorme de preenchimento, de dever cumprido, de realização. Aconselha-se vivamente.

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Redes Sociais: a era da partilha digital

2009-08-04T15:00:00.000+01:00

Estamos na era digital, das novas tecnologias e da sua adaptação cada vez maior à vida quotidiana. Para termos uma ideia clara, são cerca de 625 milhões os utilizadores activos da Internet, em todo o mundo, segundo o mais recente estudo da Universal McCann. No caso específico do nosso país, contam-se 2,9 milhões de utilizadores activos – muito abaixo dos cerca de 23 e 19 milhões registados, respectivamente, na Alemanha e em França, países europeus líderes neste ponto; mas ainda assim um número considerável tendo em conta os 10 milhões de portugueses. Agora o aspecto mais surpreendente deste estudo, no que diz respeito a Portugal: destes utilizadores activos, 2,1 milhões criaram perfis em redes sociais. Cerca de 73 por cento, valor superior à média universal de dois terços.

Quando falamos em redes sociais, vêm-nos sobretudo à memória as chamadas redes de social network, com uma componente social e pessoal. Delas são exemplos o hi5, o Facebook e o MySpace. Permitem a partilha de imagens, informações pessoais, eventos, criando relações de “amizade” agrupadas por interesses comuns, na maior parte das vezes apenas virtuais.

Mas existem outros tipos de redes sociais, igualmente conhecidos do grande público. As redes de share (partilha), como o Youtube, o Flickr, e o Delicious, por exemplo, permitem a publicação de conteúdos online, desde fotografias, vídeos, a informações diversas. Existem ainda as redes de publish, como os blogs, através das quais qualquer cidadão pode dar a sua opinião livremente e publicá-la; e as redes de microblogging, como o Twitter, com um carácter maioritariamente de divulgação de informação, permitindo a partilha de ideias, notícias, fotografias, tudo isto em tempo real.

O estudo já referenciado revela outro pormenor curioso: ao nível global, os principais objectivos dos frequentadores de redes sociais na Internet, ao criarem os seus perfis, são o envio de mensagens a amigos, a publicação de fotografias, o reencontro de antigos amigos e o estabelecimento de novas amizades. Revela ainda que, no domínio da Internet, os blogs estão a perder terreno no que respeita à partilha de informação e de conteúdos multimédia, que tem vindo a crescer progressivamente nas redes sociais. As redes permitem aos utilizadores fazerem tudo o que quiserem num blog e mais ainda, apesar de diferentes tipos de redes se adequarem a diferentes tipos de utilizadores e mercados dominantes. Estas plataformas continuam a crescer, enquanto outros elementos dos social media estagnam ou entram em declínio.

Entre as diversas redes sociais, e tendo particularmente em conta as mais conhecidas do público, os dados estatísticos mostram as divergências de utilização e a sua importância nas vidas dos utilizadores da Internet. Em Portugal, o hi5 é o site mais visitado e conta cerca de 3,2 milhões de perfis registados. Em termos de comparação, no nosso país, o Facebook regista apenas 400 mil utilizadores. Ao nível internacional porém, os números são bastante diferentes. O Facebook é a rede social com mais adeptos em todo o mundo, ultrapassando os 260 milhões de registos. O MySpace continua a ser outra grande força, apesar de ultrapassado pelo Facebook, e conta mais de 125 milhões de utilizadores. São as redes de social network mais populares, seguidas pelo LinkedIn, com mais de 40 milhões de utilizadores, e pelo Twitter, rede de microblogging, que também já chegou à fasquia dos 40 milhões.

Ilações gerais a retirar destes dados são a perda de terreno do MySpace em relação ao Facebook, nos últimos anos, e a vulgarização deste como meio de partilha de informação. Se observarmos bem, a maioria destas redes de social network foi fundada entre 2003 e 2004 (hi5, Facebook, MySpace, LinkedIn…), sendo as diferenças de utilizadores entre elas justificadas pelas suas diferentes funcionalidades e a sua atractividade para os utilizadores da Internet. O LinkedIn, exemplificando, é uma rede voltada para as empresas, registando mais de 170 indústrias diferentes, não sendo tão vulgarizado como, por exemplo, o hi5, que foi abraçado maioritariamente pelas camadas etárias mais jovens. O Twitter é a excepção neste grupo de redes sociais: fundado há três anos, está neste ano de 2009 a começar a ser conhecido e vulgarizado entre os utilizadores frequentes das novas tecnologias, e a sua técnica algo inovadora, de microblogging, começa lentamente a atrair não só jornalistas, mas também o público em geral, que procura estar mais próximo da informação.

Outra estatística curiosa: o Second Life, também fundado em 2003, regista apenas 500 mil utilizadores em todo o mundo… e cerca de 95 por cento encontram-se inactivos na plataforma. O Orkut, por seu lado, é apenas líder no Brasil e na Índia.

A questão não é, portanto, se vale ou não a pena aderir, se há ou não interesse em criar um perfil numa rede social, se x ou y são redes para aderir ou evitar. A verdadeira questão é: será que o entusiasmo de aderir a uma rede social e criar um perfil se desvanece passado algum tempo? Depende, claro, como tudo na vida… Depende da rede social em causa, do tempo, da disponibilidade do utilizador, das suas intenções ao criar o perfil. Para além disso, existe a questão das modas: a rede que está em voga hoje pode já não estar amanhã, e a rotatividade é constante. A própria moda das redes sociais pode vir terminar num abrir e fechar de olhos. No entanto, o estudo da Universal McCann revela que quase 65 por cento dos utilizadores activos da Internet, com perfis em redes sociais, gastam tempo a actualizar as suas informações e conteúdos exibidos nos perfis, o que contradiz a opinião de muitos que referem a perda de interesse das redes sociais e o consequente perecimento do interesse depositado nelas por parte dos utilizadores.

Em relação à importância das redes sociais, sabemos que têm os seus prós e contras. Por um lado, promovem a abertura à informação global (aproveitando a expressão, são uma “janela aberta para o mundo”) e ao conhecimento do que nos rodeia. Por outro, podem levar à exclusão social e à supressão do contacto face-to-face, principal crítica endereçada às redes na Internet. Porém, ao nível do jornalismo, com a revolução que se está a verificar, através da partilha de informação em tempo real, o valor destas redes é incalculável. Estão a alterar por completo a face da informação, a impulsionar o jornalismo de cidadão – qualquer um de nós pode relatar um acontecimento para o mundo –, a mudar o papel do jornalista na sociedade de informação. Ao nível das empresas, as redes sociais surgem como meios de divulgação de actividades, de produtos, de informação, e podem vir a tornar-se fundamentais como elemento de contacto entre trabalhadores e clientes. Ao nível da política institucional, surgem também como meio de aproximação entre eleitos e eleitores, como forma de divulgação de eventos e opiniões, e até como sensibilização para as questões que preocupam o país e o mundo.

Queiramos ou não fazer parte do progresso, é fundamental abraçar e acompanhar a modernização que se verifica nos dias de hoje, e a adesão e exploração das redes sociais faz parte desse processo evolutivo.

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Sócrates e a Blogosfera

2009-07-28T12:18:00.020+01:00

Sempre na vanguarda das novas tecnologias e da sua utilização na política, o deputado Jorge Seguro, em conjunto com Rui Grilo e o jornalista Paulo Querido, convidaram o Primeiro-Ministro e Secretário-Geral do Partido Socialista, José Sócrates, para um encontro com bloggers, ao estilo de uma conferência de imprensa. A blogconferência teve lugar na Segunda-feira dia 27 de Julho, pelas cinco horas e meia da tarde, na Cantina Lx Factory em Lisboa.

José Sócrates chegou ao local e, acompanhado por Carlos Zorrinho, responsável pelo Plano Tecnológico, aprontou-se a cumprimentar os vinte bloggers presentes no encontro, que aguardavam o início da conferência sentados à volta de uma mesa em “U”, com os computadores portáteis ligados à Internet, prontos para colocarem as suas questões.
Paulo Querido, pivô e moderador da conferência, deu início à sessão, colocando desde logo a sua questão para José Sócrates. No twitter, em simultâneo, criticava-se o facto de a transmissão do encontro na Internet ter falhado, o que ainda não foi explicado. Paulo Querido, Jorge Seguro e Rui Grilo lamentaram a falha técnica que impossibilitou os ausentes da Cantina Lx Factory da visualização da conferência. Os presentes, por seu lado, sobretudo os bloggers, contribuíam através dos seus twitters pessoais para a transmissão das ideias da conferência, utilizando a hashtag #BlogConf, um dos trending topics do dia entre os twitters portugueses.

O calor apertava. A Cantina, um espaço agradável e subtil, convidava a uma tarde tranquila e produtiva, que acabaria por se prolongar para o início da noite. Carlos Zorrinho tirou a gravata, a uma certa altura; José Sócrates desapertou ligeiramente a sua. Com o passar do tempo e o desaparecimento do sol no horizonte, as luzes da Cantina acenderam-se, e o som dos comboios a passar foi dissimulado progressivamente pela conversa interessante que se desenrolava no interior do espaço.
As questões para o Primeiro-Ministro sucederam-se, sempre num ambiente leve, informal, com algum humor à mistura e a maior descontracção possível, mesmo durante as intervenções dos bloggers ditos “de direita”. José Sócrates afirmou logo no início: “Dizem que os blogues falam mal de mim, e eu quis verificar isso e ter oportunidade de me defender.” Durante mais de quatro horas, os bloggers presentes intervieram com as suas questões. Mais do que uma conferência, a sessão tornou-se uma conversa, uma espécie de debate ponderado, com troca de ideias e de opiniões. Interrompido sucessivamente pelo pivô, preocupado com os seus discursos alongados, José Sócrates respondia prontamente: “Eu tenho tempo…”.

No seu twitter, Jorge Seguro revelou também que estas iniciativas promovem a democratização da política. No final do encontro todos puderam afirmar que, efectivamente, uma sessão de esclarecimento como aquela blogconferência aproxima a política dos cidadãos e contribui para uma elucidação directa dos objectivos que, neste caso específico, o Partido Socialista enumera para a próxima legislatura, caso vença as eleições. Da economia ao ambiente, da cultura à ciência, das politiquices às medidas relevantes, José Sócrates mostrou-se disponível para responder às questões dos bloggers e conversar sobre políticas levadas a cabo e políticas a trabalhar nos próximos anos. Aqui fica a lista dos participantes, entre os quais se inclui este blog (que, ao contrário do que se diz na comunicação social, não se chama Cronistas Para Mais Tarde Recordar… o endereço é www.cronicasparamaistarderecordar.com, o nome do blog é From Here To Eternity :D). Esclarecimento: a comunicação social, e o próprio José Sócrates, referiram diversas vezes que os vinte bloggers eram os principais do país, os mais famosos de Portugal. A verdade é que eram, simplesmente, os que primeiro se inscreveram no site http://blogconf.org/ , e nada mais do que isso. Fica o esclarecimento.

Mais do que uma possível acção de campanha, mais do que uma simples conferência de perguntas e respostas, a #BlogConf foi um encontro de José Sócrates com alguns dos bloggers portugueses que se mostram interessados pela política e pelo que se faz no país. Escreveu-se, de novo, uma página na história, e a iniciativa, abraçada pela maioria como esclarecedora e frutífera, criou a expectativa de uma possível repetição. Tendo em conta o sucesso desta “primeira vez”, excepto no que respeita à transmissão na Internet, a ideia ficou em aberto.
Aqui ficam algumas notícias referentes à blogconferência:

SIC ; Jornal de Notícias ; Jornal de Negócios ; TSF ; Correio da Manhã ; EPA.

Os vídeos da blogconferência podem ser vistos aqui:

http://www.socrates2009.pt/Conteudos/Noticias/Encontro-de-Bloggers-com-Jose-Socrates-%281%29.aspx

Agradecimento a Ana Martins e Rui Grilo pelas fotografias. E agradecimento especial a Jorge Seguro, Paulo Querido e Rui Grilo pela organização da iniciativa.

Word cloud

2009-07-19T22:49:00.001+01:00

www.wordle.net de novo em acção :D Adoro estas nuvens de palavras!

Ser Jornalista

2009-07-05T11:56:00.018+01:00

Existem inúmeros cursos de Jornalismo / Comunicação em Portugal. Apesar da elevada taxa de desemprego e das dificuldades que o sector está a viver, centenas de jovens candidatam-se, anualmente, a cursos relacionados com a área das ciências da comunicação e do jornalismo, em Portugal.

A comunicação continua a ser uma das áreas mais procuradas, e este ano de 2009 não será excepção. De 13 a 24 de Julho decorrerá o período de candidaturas ao Ensino Superior, por parte dos estudantes que finalizaram, em Junho, o Ensino Secundário, e pretendem ingressar na Universidade para o ano lectivo 2009/2010. De novo, centenas de jovens, a maioria nos seus dezassete, dezoito anos, tentarão alcançar um lugar nas faculdades pretendidas. E assim, daqui a três anos, centenas de jornalistas recém-licenciados sairão às ruas à procura de um emprego que não têm garantido.
O que devem os estudantes que pretendem seguir Jornalismo procurar num curso? Nos dias que correm, as boas médias não são suficientes para captar atenções; é necessária uma certa persistência, alguma experiência e diversificação de capacidades. O mundo da comunicação está a tornar-se cada vez mais exigente, valorizando cada vez mais a parte prática dos cursos, a experiência no terreno, do que propriamente o que se aprende dentro das salas de aula.

A opinião de quem se pretende candidatar, de actuais alunos, de recém-licenciados e de jornalistas profissionais irá dar algumas linhas directrizes decisivas para quem aspira a ser jornalista.

O SONHO DE SER JORNALISTA

As expectativas de quem quer seguir um curso de comunicação/jornalismo são sempre elevadas. Há uma boa dose de visão romântica do jornalismo e um desconhecimento do que o espera durante a licenciatura. A parte prática e formação profissional de jornalismo são por norma pontos comuns nas expectativas de quem aspira a ser jornalista.

Pedro Coelho tem 18 anos, é de Oliveira do Hospital, e terminou este ano o Ensino secundário. O passo seguinte será a candidatura à universidade e a tentativa de colocação na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Tal como refere na entrevista, apesar de não ter ainda a formação em jornalismo, a experiência na rádio Boa Nova, rádio Local de Oliveira do Hospital, tem-no ajudado a compreender o difícil mundo da comunicação e a contactar com esta realidade. [ entrevista]

A REALIDADE FACE ÀS EXPECTATIVAS

Se as expectativas são muitas a realidade acaba sempre por desiludir. Alguns alunos de cursos de comunicação de várias universidades portuguesas dão-nos conta das expectativas iniciais e da realidade que encontraram sem deixar de falar do futuro que esperam.

Diogo Cavaleiro tem 19 anos e é aluno do segundo ano de Ciências da Comunicação, vertente Jornalismo, na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa.

Quando entraste no curso, esperavas que fosse como é, na realidade, ou tinhas uma ideia totalmente diferente do que seria estudar jornalismo?

Tinha uma ideia diferente. Apesar de me ter informado sobre o curso e a faculdade, a diferença face ao que esperava foi notória. Pensei em algo muito teórico mas também que houvesse um complemento prático maior do que o que, efectivamente, existe. E as ideias que temos sobre o que é estudar jornalismo alteram-se conforme o que se vai aprendendo. Todos os dias vamos aprendendo e percebendo novos objectivos.

Achas que o curso está adequado ao que se pretende num jornalista?

Por um lado sim, porque tem uma vertente teórica importante, com partes de cultura essenciais para alguém que quer ser um jornalista. No entanto, por ser um curso de Ciências da Comunicação e não de Jornalismo, essa parte sofre em termos de quantidade e de qualidade. Na área do jornalismo, fazia-nos falta mais condições técnicas e mais cadeiras. E essencialmente, segundo penso, um olhar mais real para o jornalismo actual com o qual só temos contacto com certos professores.

Porquê este curso?

Na altura das candidaturas, tive dúvida entre a FCSH e a UCP. Acabei por optar pela UNL por ser pública, porque tinha prestígio, porque achei interesse na oferta curricular.

Quais as perspectivas de futuro com a licenciatura em jornalismo?

Não são muito grandes. Toda a gente sabe que é uma área saturada e não há medidas em relação a isso. Não se diminuem as vagas e continua-se a aceitar um número enorme de pessoas na área em que dificilmente conseguem todos emprego. É tudo uma questão de trabalho, esforço, interesse mas também sorte.

A frequentar o segundo ano do curso de Ciências da Comunicação na Universidade de Trás-os-Montes e Alto Douro (UTAD), Ana Fernandes de 19 anos considera que o curso corresponde às suas expectativas destacando que a falta de tempo para desenvolver assunto e matérias será o maior problema. [ entrevista]

Marco Almeida Paulo é um jovem de 22 anos, estudante de Ciências da Comunicação e da Cultura, vertente Jornalismo, na Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias, em Lisboa. O jornalismo é a sua grande paixão, a par do cinema, da música e dos videojogos. Participa na revista online de cinema Red Carpet, e tem ainda outros blogues e sites onde escreve sobre os mais diversos assuntos.

Quando entraste no curso, esperavas que fosse como é, na realidade, ou tinhas uma ideia totalmente diferente do que seria estudar jornalismo?

Quando entrei no secundário não tinha qualquer intenção de seguir jornalismo. Só após dois anos num outro agrupamento é que comecei a despertar para o jornalismo, assim como o meu gosto por essa área começou a aumentar. Quando então decidi mudar de agrupamento comecei desde logo a informar-me acerca de todas as saídas que tinha após terminar o secundário e quais me interessavam. Sabia que um curso baseado em teoria, onde a verborreia fosse uma constante, não me seria útil. Hoje em dia interessa saber o que fazes e não o que outros possam ter feito. Certamente ajuda, para que não caias nos mesmos erros, mas tem muito mais relevância saber com o que irás lidar na vida profissional do que propriamente com o que outros lidaram. A Universidade Lusófona foi assim a minha primeira, talvez única, escolha pois era o curso que apresentava, e apresenta, as cadeiras mais práticas, que realmente ensinam algo de útil, não pondo de parte alguma teoria, mas não a usando como base. Posso assim dizer que a ideia que tinha do curso em ser bem mais focado na prática do que as restantes universidades não se mostrou falso e hoje em dia não podia estar mais contente com a escolha. Tenho estudado todas as bases do jornalismo, que em todo o lado as ensinam, e que preparam o aluno para o futuro.

Achas que o curso está adequado ao que se pretende num jornalista?

Como respondi anteriormente, o curso é bem focado no mercado de trabalho, com a realidade do jornalista. E como mostrar essa realidade? Usando profissionais, actualmente no activo, a leccionar as cadeiras, que cativem os alunos, que realmente mostrem o que se passa fora das quatro paredes de uma sala de aula. Num curso como jornalismo não basta colocar um professor qualquer a relatar matéria para que o aluno mais tarde a despeje num exame, aliás, várias cadeiras dispensam o exame obrigando o aluno a realizar trabalhos práticos que irá efectuar no seu emprego, se houver emprego! Reportagens televisivas, radiofónicas ou de imprensa ou notícias para os vários meios, é tudo feito a pensar na melhor forma de ensinar os jornalistas de amanhã. Se está bem adequado, ou não, ao que se pretende num jornalista é uma questão que talvez não possa responder da forma mais correcta, já que não frequentei outros cursos, mas olhando para as cadeiras, e respectivos objectivos, de outras universidades, acho que o curso onde estou, Ciências da Comunicação e da Cultura, é dos melhores que actualmente existem na grande Lisboa. Aliás, nem sou só eu que o digo, mas sim todo um conjunto de profissionais e instituições que elegem este curso como um dos mais competentes na actual formação de jornalistas.

Porquê este curso?

Repetindo algumas das coisas já ditas, este curso é mais prático que os demais. Tinha mais alternativas para além de uma Universidade privada, que actualmente o único senão é pagar-se bem mais que o normal, além de não ser assim tanto quanto isso, pois de resto é tão boa ou melhor que uma pública! Contudo, se vou pagar, seja que quantia for, para uma formação a pensar no meu futuro, que pague por algo que realmente vá valer a pena, que não tenha como único e simples propósito chegar ao final e poder dizer que tenho um curso mas que me tenha dado boas bases para continuar a aprender na minha profissão e, ao mesmo tempo, praticá-la da melhor forma que me for possível!

Quais as perspectivas de futuro com a licenciatura em jornalismo?

As perspectivas são as mesmas que todos os jovens licenciados: encontrar trabalho na área que me andei a formar! Actualmente, seja em jornalismo, medicina, design, direito ou engenharia, é difícil encontrar emprego. A situação não vai ser a melhor assim que tente entrar no mercado de trabalho e ter consciência disso é meio caminho andado para me incentivar a dar o meu melhor para que, mais facilmente, alguém decida apostar em mim, e isto não se resume somente a alguém que esteja a seguir jornalismo. Felizmente, apostarmos em nós mesmos, na carreira de jornalista, é algo, consideravelmente, fácil de se fazer! Talvez seja mais fácil para quem se encontre perto da capital já que por cá existe o Centro Protocolar de Formação Profissional de Jornalistas (Cenjor) que apoia jovens licenciados, ou quem queira ingressar numa carreira jornalística, e lhes dá uma ponte entre a parte académica e a parte profissional através de um estágio que coloca o recém-licenciado a trabalhar na sua área de interesse (televisão, rádio, imprensa ou multimédia). Basicamente, as perspectivas que tenho com uma simples licenciatura são poucas ou, praticamente, nenhumas, daí que desde cedo tenha decidido a apostar ainda mais além de uma licenciatura, não só através de especialização em várias áreas, pois hoje em dia quanto mais versátil for, mais cobiçado se é, mas também apostar em línguas estrangeiras como uma boa forma de me valorizar. Após tudo isso talvez consiga ter uma perspectiva de um futuro melhor, onde possa encontrar mais facilmente algo do meu agrado. Não só gostaria de trabalhar na minha área, como qualquer licenciado, assim como gostaria de trabalhar em algo do meu interesse. Tal situação torna-se mais verosímil se tiver melhores e maiores conhecimentos para além daquilo que me ensinaram na Universidade.

A VISÃO DOS PROFISSIONAIS

Jornalistas de formação e de experiência têm visões diferentes do papel dos cursos de comunicação e de jornalismo. a oferta das universidades deve ser consistente e actualizada face ao mercado de trabalho mas cabe também ao estudante procurar diversificar e consolidar conhecimentos e experiências.

Alexandre Brito é coordenador da redacção multimédia da RTP, onde está desde 2002. Anteriormente, esteve na SIC Online, SIC Notícias e no Canal de Notícias de Lisboa (CNL). Alexandre Brito é licenciado em Comunicação Social e "Master of Broadcast Journalism" pela Universidade de Boston, EUA. Foi aqui que ganhou o gosto pelas novas tecnologias ao tirar uma especialização em jornalismo online. Terminou a passagem pelo estrangeiro em Londres, onde esteve durante seis meses a realizar um estágio profissional na CNN. Actualmente, participa ainda na RTPN, nomeadamente no “À Noite a Net”.

Quais as exigências a que deve um curso de jornalismo responder?

Com as alterações tecnológicas em curso, deve ser ágil ao ponto de ensinar e preparar os alunos para os novos desafios, para as novas ferramentas. A parte académica é de extrema importância, e deve ser reforçada, mas é fundamental que os alunos deixem as universidades com domínio total dos equipamentos utilizados todos os dias nas redacções – tv, rádio, imprensa, áudio. A componente prática tem que ser reforçada. A escrita tem que ser reforçada. Não é admissível que alunos deixem as universidades sem saber escrever um LEAD devidamente, e isso, infelizmente, ainda acontece.

A componente teórica é importante ou devem os cursos apostar sobretudo na vertente prática e técnica da profissão?

Devem ser complementares. A teoria deve ser reforçada para abrir os horizontes dos alunos mas deve ser uma teoria que tenha realmente aplicação prática. A especialização, com escolha de disciplinas próprias por aluno, deve ser uma aposta. É um sistema que funciona e resulta, por exemplo, nos EUA. A prática é fundamental. De nada serve saber escrever se não sei como é que a caneta funciona.

É só a experiência que faz um jornalista ou uma licenciatura também ajuda?

Todos nós acabamos por perceber e sentir falta do tempo de estudo durante uma licenciatura. Ela é fundamental para dar corpo a qualquer futuro jornalista. Deve ser aproveitada ao máximo. Se duas pessoas partiram do mesmo sítio, uma com licenciatura e outra sem, certamente que quem tem o diploma acabará por vencer. A licenciatura é parte fundamental da experiência de um jornalista. Essa pergunta aparece porque os cursos de jornalismo são relativamente recentes em Portugal e, como tal, há muitos e bons jornalistas que não são licenciados e que por vezes olham com desdém para os cursos de jornalismo. Algumas vezes com razão pela falta de qualidade….. Mas a licenciatura é apenas o início. É a viola…quem tem unhas toca, quem não tem, não toca. As licenciaturas de jornalismo deviam apostar na especialização, o que na maioria dos casos não acontece. Por exemplo: economia, saúde, etc. E não fiquem à espera de receber tudo dos professores. Vão à procura. Vejam muita tv, ouçam muito rádio, naveguem na net…sejam proactivos.

Qual o motivo que o levou a seguir jornalismo?

Influência familiar, fascínio com a televisão, gosto e loucura… ;)

Conselhos para "aspirantes" a jornalistas.

Primeiro aprendam a escrever. Quem não sabe escrever não vinga nesta área. Depois, especialização. Escolham uma área para aprofundar os conhecimentos mas continuem com olhos bem abertos para tudo o que está à vossa volta. Finalmente, persistência. É quase impossível conseguir hoje um emprego decente em jornalismo quando se sai da faculdade. Se querem mesmo seguir a profissão, não desistam. Se não, saltem já.

Este artigo foi realizado em conjunto por:
Raquel Silva (texto + entrevistas)
João Simão (texto + entrevistas + edição)

Artigo completo em COMUNICAMOS

O Twitter e a Política - a (r)evolução constrói-se

2009-07-03T10:29:00.014+01:00

Tudo começou há semanas atrás, quando Jorge Seguro Sanches, deputado do Partido Socialista por Castelo Branco, teve a ideia de organizar um encontro de twitters na Assembleia da República. O Twitter, para quem desconhece, é uma espécie de rede social que funciona num sistema de microblogging, com a emissão de mensagens com 140 caracteres, no máximo, e a sua difusão para utilizadores em todo o mundo. Jorge Seguro foi um dos primeiros deputados portugueses a aderir à nova moda e a utilizar as novas tecnologias para contactar directamente com o público.

2 de Julho de 2009 foi a data escolhida para o encontro, também data do debate do Estado da Nação, o último da legislatura do governo de José Sócrates – pelo menos até às eleições legislativas, agendadas para 27 de Setembro deste mesmo ano. Jorge Seguro recebeu os seus convidados à porta do Parlamento, dando as instruções necessárias e respondendo a algumas questões da comunicação social. O encontro, esse, teria uma forte componente histórica e progressista: pela primeira vez na história da Assembleia da República e do nosso país, cidadãos portugueses tiveram a oportunidade de entrar no edifício do Parlamento com computadores portáteis e telemóveis e twittar das galerias, comentando o debate e divulgando de forma ainda mais rápida as novidades que nele iam acontecendo, acompanhando os deputados que normalmente o fazem durante as sessões.
Cerca das 14 horas e pouco, com a chegada dos twitters e dos deputados convidados por Jorge Seguro, também eles utilizadores acérrimos do Twitter – Nuno Antão, do PS; Hermínio Loureiro, do PSD; e Pedro Mota Soares, do CDS-PP –, deu-se início à visita guiada pelos corredores e inúmeras salas do Parlamento Português. Marco Sargento, Relações Públicas da Assembleia da República, foi o guia desta visita e a fonte histórica de todos os pormenores observados ao longo da mesma. Cerca das 15 horas, com a aproximação do início do aguardado debate, a campainha ensurdecedora que pretende impelir os deputados a ocuparem os seus lugares no Parlamento iniciou a sua actividade e prolongou-se durante mais de quinze minutos consecutivos. Entretanto, os membros do Governo iniciaram, lentamente, a sua chegada à sala principal.

José Sócrates cumprimentou Jorge Seguro e, estando a par da iniciativa e observando os convidados twitters que se encontravam no átrio, aprontou-se a cumprimentar alguns dos presentes, brindando-os com o sorriso habitual e o olhar sempre atento. Ouviu-se no ar: “Então, quando vai aderir ao Twitter?”. A verdade é que José Sócrates ficou curioso e garantiu que ia experimentar o Twitter, um dia. Após o término da visita guiada pelo edifício, os twitters ocuparam então os seus lugares na galeria reservada para o efeito, que permitia o acesso à Internet através da utilização da rede wireless do Parlamento. Apoio técnico foi providenciado aos utilizadores que não se conseguiam ligar à Internet, e o Debate da Nação iniciou-se, pela primeira vez na história, com uma galeria recheada de cidadãos com computadores e o Twitter ligado.
@FLima90 ; @ rpcaldeira ; @filiprib ; @Janito ; @ annamartins ; @PauloQuerido ; @ritacteixeira ; @lmferreira2 e @marciaLis foram alguns dos presentes no encontro de twitters na Assembleia da República, que se aprontaram a ligar os computadores e twittar durante todo o debate. O debate no Twitter, esse, era tanto ou mais intenso do que a discussão parlamentar do Estado da Nação, com a chuva de opiniões e os comentários ao que ia acontecendo em directo. Até o computador Magalhães de um dos twitters presentes foi alvo de humor no grupo e de foco por parte da comunicação social que acompanhou energicamente todo o encontro histórico.

Jorge Seguro confirmou a importância das novas tecnologias e, neste caso específico, do Twitter, para o exercício do poder político: “Desde que tenho Twitter, sinto-me mais perto dos cidadãos e as suas opiniões/ideias podem chegar-me de forma mais directa” afirmou o deputado, que aderiu à rede há alguns meses e, desde essa altura, confessa o ‘vício’ que esta tem provocado. Filipe Lima, um dos twitters presentes na Assembleia, reforçou a ideia de que o Twitter surge “como uma das mais mediáticas tecnologias e como meio moldador da opinião pública”, permitindo, “de uma forma directa, o contacto entre eleitos e eleitores. E - sem dúvida - esse é um grande passo no exercício do poder político. Por um lado, os eleitos, passam a poder dar resposta curta e concisa às necessidades dos twitters que os seguem, por outro, estes últimos sentem o estímulo para se envolverem nos assuntos políticos ao verem as suas preces atendidas.”.
O debate do Estado da Nação, marcado por esta inovação tecnológica, foi também distinto, como era esperado, pela intervenção do Primeiro-Ministro José Sócrates, defendendo as políticas do Governo e as medidas tomadas ao longo dos quatro anos da legislatura, e pelas intervenções críticas da oposição. O Primeiro-Ministro reforçou a ideia de qualificação e formação profissional da população como aposta para o futuro, ideia essa que tem vindo a defender desde o início da legislatura e à qual o seu Governo tem procurado dar resposta. No discurso inicial, reforçou ainda a aposta fundamental nas energias renováveis, histórica e decisiva para o futuro do país e da Europa, e da qual Portugal é um país pioneiro. José Sócrates revelou ainda o investimento público na requalificação de centros de saúde e urgências, e o reforço na construção de novos equipamentos sociais, sendo esta uma das principais medidas anunciadas neste debate.

O Governo criticou também a insuficiência de propostas por parte da oposição, não só durante este debate, mas ao longo da legislatura. Sócrates apelou à confiança que os portugueses podem voltar a depositar no seu Governo e a uma possível reeleição nas legislativas de Setembro. A justificação dada pelo Primeiro-Ministro em relação à crise que o país atravessa prende-se, sobretudo, com a crise que se faz sentir um pouco por todo o mundo – sobretudo o seu agravamento, já que, como José Sócrates admitiu em diversas ocasiões, Portugal é um país naturalmente mais sensível às flutuações económicas. Em nome do PSD, Paulo Rangel criticou sobretudo a falta de capacidade do Governo para contornar os chamados três D’s - desemprego, dívida externa e défice –, falando num Sócrates a viver “no país das maravilhas”. Pedindo para interpelar o Primeiro-Ministro e começando a criticar, durante a interpelação, novos temas e políticas executadas pelo Governo, o direito à palavra foi-lhe imediatamente retirado pelo Presidente da Assembleia da República, Jaime Gama, originando um certo ambiente pesado entre os presentes. Este debate foi também mercado pela última intervenção de Paulo Rangel na Assembleia portuguesa, ele que foi agora eleito para o Parlamento Europeu e deixará o seu cargo como deputado. Agradeceu a todos os partidos, sem excepção, pelos momentos que passou na Assembleia.

Paulo Portas, líder da bancada do CDS-PP, criticou sobretudo o PRODEC e o modelo de avaliação dos professores, sendo que este último tema um dos mais contestados pela oposição durante a legislatura de José Sócrates. Francisco Louçã, em nome do BE, criticou as promessas feitas pelo Governo há quatro anos e que nunca chegaram a ser cumpridas, como por exemplo a redução do défice e a criação de emprego. Heloísa Apolónia, líder do PEV, criticou também as promessas que José Sócrates não cumpriu, segundo a sua opinião, nomeadamente o programa de desenvolvimento rural.
O Estado da Nação deste dia 2 de Julho de 2009 sofreu um forte abalo com a atitude indisciplinada do Ministro da Economia, Manuel Pinho, ao fazer um gesto despropositado dirigido à bancada do PCP, mais especificamente ao deputado Bernardino Soares. O incidente provocou imediatamente uma grande agitação no Parlamento, sobretudo quando a fotografia e os vídeos captados no momento começaram a circular pela Internet e em papel por todos os deputados e twitters nas galerias. O pedido de desculpas à comunicação social foi endereçado pelo próprio ministro, que abandonou o debate, e mais tarde José Sócrates desculpou-se pela atitude do membro do seu governo. Já depois de os twitters abandonarem o debate, e se despedirem do deputado Jorge Seguro nas galerias, soube-se que o ministro se tinha demitido, que a sua demissão tinha sido imediatamente aceite pelo Primeiro-Ministro, e que a pasta da Economia será, agora, acumulada pelo Ministro das Finanças, Teixeira dos Santos.

No balanço do dia, história foi, realmente, feita, embora com mais nuances do que inicialmente se esperava. Há quem diga que a presença dos twitters na Assembleia e o protocolo especial que foi preparado para os receber, tal como a permissão de comentar, em directo, no Twitter, o debate do Estado da Nação, conduziram ao aumento da divulgação de informação no Parlamento e à consequente difusão de fotografias e vídeos ilustrativos do gesto levado a cabo pelo Ministro da Economia. Por outro lado, há quem diga que a oposição, sentindo-se a perder o debate para o Governo, e ainda abalada pela atitude incorrecta de Paulo Rangel perante a Assembleia, aproveitou o deslize do ministro para terminar o debate e voltá-lo para um assunto que muito menos importância tem para a Nação Portuguesa do que o seu próprio estado. A verdade é que o dia foi longo e recheado, no que diz respeito à política portuguesa e à evolução social e popular que o encontro de twitters e o último grande debate desta legislatura despertaram.

NOTA: Agradecimento especial ao deputado Jorge Seguro pela iniciativa e acompanhamento, e a Filipe Lima, Paulo Querido e Ana Martins pela cedência das fotografias.

Missão Croquete - Twitter alarga horizontes

2009-06-09T19:21:00.007+01:00

O twitter continua a surpreender, todos os dias. Não, não se tornou uma moda passageira, como todos pensavam que aconteceria. Não, os seus membros não deixaram de passar metade dos seus dias na rede social que parece constituir um vício eterno. Pelo contrário. O conceito está mais vivo do que nunca, as conversas via twitter estão cada vez mais difundidas, e as utilizações do serviço diversificam-se a cada dia que passa. Hoje, pela primeira vez na história do twitter, um grupo de oito pessoas foi esperar uma outra, apenas conhecida no twitter, ao aeroporto. Será a amizade nas novas tecnologias?

João Tiago Calviño, mais conhecido por @Calvas, regressava hoje a Portugal vindo de um longo período a viver no Dubai, por motivos profissionais. A emoção do regresso mesclava-se com a mágoa do fim de um ciclo importante na sua vida, mas a ânsia de voltar a ver o seu país falava mais alto. Durante a sua estadia no Dubai, os amigos que conheceu através do twitter ajudaram-no a relembrar Portugal e a preparar o retorno, nove meses depois. A chegada a Frankfurt, uma das etapas do regresso, aconteceu cerca das seis horas da manhã, hora portuguesa. Só faltava mesmo aterrar no aeroporto da Portela e chegar a casa, por volta das onze horas e meia. Entretanto, e sem @Calvas suspeitar de tal coisa, alguns dos seus amigos twiterianos preparavam uma recepção para o «emigrante» na Portela, desde as onze horas e pouco. Com rissóis, cerveja, uma mesinha onde colocar os aperitivos e pequenos cartazes a dizer «Missão Croquete» e «@Calvas, estamos aqui!», a designada Comissão de boas-vindas a João Calviño preparava-se para surpreender e receber de braços abertos o amigo que apenas conheciam do twitter, e que chegaria no voo TP 6700 FRANKFURT.

Pedro Aniceto, um dos amigos que se deslocou ao aeroporto, afirma que a ideia da Comissão de boas-vindas surgiu há meses atrás, «com uma conversa sobre caracóis em que ele disse que tinha era saudades de comer rissóis». Assim, «eu prometi-lhe uma travessa de rissóis no Aeroporto. Hoje cumpriu-se a promessa». Para além dos prometidos rissóis, a mesinha e as ‘minis’ não faltaram na recepção. Inês Ribeiro refere que «sempre que se falava de comida, o @Calvas babava; quando íamos aos petiscos, o @Calvas salivava». E hoje aconteceu o encontro, com os aperitivos à mistura – «só faltou os caracóis», acrescenta.
Paula Pico confirma: «Por brincadeira nasceu a ideia… e hoje foi o cumprir da promessa». @Calvas diz ainda que a brincadeira começou quando o grupo fez uma petiscada com a Alberta Marques Fernandes e ele próprio disse que, quando regressasse, tinham de combinar uma refeição juntos, ideia que recebe a confirmação de Joel e Sandra Silva, também membros da Comissão de boas-vindas.

@Calvas confessa que não esperava a recepção, e que nem sabe muito bem como se sentiu ao ver os amigos twitterianos à sua espera no aeroporto, com cartazes de boas-vindas e um ambiente festivo e acolhedor: «Como é que reagi? Nem eu sei bem… acho que mesmo assim nem queria acreditar!» afirmou mais tarde. Questionado se gostara da surpresa, a sua reacção foi inevitável: «Claro que sim! É impossível de não gostar!». Os que não puderam acompanhar a Comissão de boas vindas e receber @Calvas na Portela encheram a sua timeline no twitter de mensagens, tentando saber minuto a minuto como estava a decorrer a missão #welcomecalvas e recebendo simultaneamente fotografias do aeroporto. Mais tarde, @Calvas agradeceu a todos os seus amigos no twitter, tanto à Comissão de boas-vindas, membros aos quais chamou «os maiores», como aos que inundaram o seu ecrã de amáveis mensagens de acolhimento, referindo que «assim é muito mais fácil regressar».
Terminada a missão, que todos os participantes declararam cumprida, Luís Lopes, também da Comissão de boas-vindas, fez o ponto da situação: «E foi assim mais um episódio do twitter. Obrigado a todos os participantes, aos rissóis, broa, às minis,...à mãe do @Calvas». E foi realmente um episódio do twitter, mas não apenas mais um. Foi algo inédito na história. Oito pessoas que não se conheciam de lado nenhum, que nunca se tinham visto na vida, que apenas tinham comunicado através do twitter, encontraram-se no aeroporto da Portela, em Lisboa, para receber e dar as boas-vindas a outra pessoa que apenas conheciam da Internet, e que regressava de uma longa viagem de avião. É inédito. E é uma fantástica prova de amizade.

Publicado em Comunicamos

HOME - é demasiado tarde para ser pessimista

2009-06-07T19:32:00.004+01:00

Home – O Mundo é a Nossa Casa é o filme mais comentado dos últimos dias e uma das novidades do realizador Luc Besson, que produz este documentário de alerta quanto aos problemas ambientais. A estreia mundial, a 5 de Junho, Dia Mundial do Ambiente, aconteceu em diversas plataformas: na Internet, no cinema, em DVD, na televisão, e ainda em inúmeras iniciativas em cerca de cinquenta países em simultâneo. Mais do que um filme, mais do que um documentário, Home é um evento à escala mundial, que pretende sensibilizar, de forma interactiva, os mais cépticos, para a reconstrução do equilíbrio do planeta e a inversão da tendência de destruição que se verifica há mais de cinquenta anos.

O planeta Terra existe há mais de quatro biliões de anos, com um certo equilíbrio entre as espécies, a natureza, o clima, os recursos e a evolução. O Homem, que existe há cerca de duzentos mil anos, ou seja, há pouco tempo relativamente à vida da Terra, tem destruído, talvez inconscientemente, esse equilíbrio necessário, com a industrialização, a urbanização, a superprodução, o consumo em massa, o uso exagerado dos combustíveis fósseis e a despreocupação com as questões ambientais. De facto, a evolução tem sido feita sem olhar a meios para atingir os fins, e hoje o aquecimento global e as suas consequências são evidentes e estão na ordem do dia.

Nos últimos cinquenta anos, a Humanidade alterou os ciclos naturais e comprometeu o futuro do planeta. A primeira parte do filme de Yann Arthus-Bertrand alerta exactamente para estar história da Terra, que está a ser destruída por uma das suas espécies e pode não vir a recuperar dos danos que esta lhe tem causado. A voz de Glenn Close, que acompanha todo o documentário, consegue dinamizar os temas abordados e captar a atenção do espectador, mas talvez faltem alguns testemunhos de especialistas, de modo a quebrar o ritmo monótono de documentário nesta abordagem geral. Apesar disso, a simplicidade e preocupação com que é tratado o tema, no argumento, demonstra um cuidado especial com a transmissão da informação para todas as pessoas, independentemente da idade ou instrução, o que é fundamental numa obra sem fins lucrativos e repleta de um forte conteúdo institucional.

A certa altura, o filme faz um resumo de todas as imagens e factos já enunciados, compilando a informação em estatísticas e números que intimidam mesmo os mais cépticos no assunto. Através de paisagens fascinantes de inúmeros países do mundo, Home mostra os principais problemas ambientais, as acções humanas e o futuro comprometido que pode estar mais próximo do que esperamos. A segunda parte, mais dinâmica e interessante do que a primeira, demonstra a inversão da tendência destrutiva e alguns investimentos e actos que têm sido levados a cabo individual e governamentalmente para a reconstrução do equilíbrio da Terra, em todo o mundo.
O passado já lá vai, não há nada que possamos fazer para o remediar. O futuro, porém, encontra-se nas nossas mãos. Tal como o Homem conseguiu deteriorar a situação do planeta, conseguirá prevenir que tal aconteça no futuro, desde que altere os seus padrões de vida a partir de agora e tente inverter a situação nos próximos dez anos. Uma acção individual conta para ajudar a salvar o planeta, e as mentalidades começam já a ser alteradas nesse sentido, sendo que Home pretende aumentar a confiança na mudança de hábitos e na protecção das gerações futuras. É demasiado tarde para ser pessimista – esta é a principal mensagem do filme. Mais do que portugueses ou europeus, todos somos cidadãos do planeta Terra, cidadãos do Mundo, e temos o dever de viver e evoluir com a prudência necessária para recuperar o equilíbrio natural perdido. Home é um documentário fundamental na construção de uma mentalidade ambiental, que vale a pena pela mensagem sensibilizadora e pelo alerta mundial. Não perca, no cinema, em DVD, ou no Youtube.

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Luís Franco-Bastos... o imitador crónico

2009-05-24T13:54:00.008+01:00

Luís Pinto-Bastos. Perdão… Luís Franco-Bastos. O nome não lhe diz nada? Talvez o conheça como «o gajo que imita o Bruno Nogueira melhor que o próprio Bruno Nogueira»…? Lá está. De facto, Luís Franco-Bastos é aquele sujeito jovem que aparece, de vez em quando, num ou outro episódio de “Os Contemporâneos”, e imita toda e qualquer personalidade, do futebol à política, de Cristiano Ronaldo a Cavaco Silva. Vencedor incontestado da primeira edição do programa-concurso “Cómicos de Garagem”, em Janeiro de 2008, apadrinhado por inúmeros humoristas da actualidade e pelas Produções Fictícias, Luís Franco-Bastos tem já o seu próprio one man show a várias vozes, o espectáculo “Papel Químico”, que esteve em cena nos dias 14, 15, 16, 22 e 23 de Maio, sempre com lotação esgotada.
É apenas um homem em palco, mas as personagens são mais de trinta. Mais do que um simples espectáculo de stand up comedy, “Papel Químico” é um monólogo com uma multidão de vozes, no qual Luís Franco-Bastos conta um pouco da história da sua vida e vai incluindo no diálogo as suas melhores imitações, transpondo para o palco as suas impressões da realidade. Ele é Alberto João Jardim, ele é José Hermano Saraiva, ele é Barack Obama. Ele canta, ele berra, ele discursa com vozes que não são suas. Perguntem-lhe qual é a sua verdadeira voz, que provavelmente vos dirá que não sabe. Em palco, parece estar numa grave crise de identidade… mas não passa de um bom humorista que nasceu para utilizar as vozes dos outros e fazer rir meio mundo.
O último dia de exibição de “Papel Químico” foi sábado, 23 de Maio, no Jardim de Inverno do Teatro Municipal São Luiz. Entre amigos, família e simples curiosos, o espaço intimista voltou a esgotar para ver Luís Franco-Bastos e todas as personagens que interpreta. Bruno Nogueira e Maria Rueff foram alguns dos convidados especiais que se juntaram para apoiar o jovem humorista neste projecto que, para quem perdeu, voltará nos dias 20, 21, 22, 27, 28 e 29 de Julho. Para além desta estreia gloriosa no teatro, “Os Contemporâneos” pretendem contratá-lo para fazer parte integrante da equipa, quanto mais não seja para substituir a voz do Bruno Nogueira, que o levou para a televisão e o tornou relativamente conhecido do grande público.
Numa época em que existe cada vez mais competitividade e se torna difícil agradar, no que toca à comédia, Luís Franco-Bastos encontra-se em ascensão, captando as atenções dos portugueses e construindo uma carreira que tem ainda muito para dar. Com apenas vinte anos e um metro e oitenta e seis centímetros de altura, apesar de a timidez inicial ainda não o ter abandonado por completo, está a viver um sonho e a iniciar uma etapa da sua vida que lhe está a ensinar a crescer como humorista e como pessoa. Não é uma estrela, nem o quer ser. Para isso basta imitar José Mourinho e fingir que é o special one. No entanto, Luís Franco-Bastos caminha a passos largos para o sucesso e para um futuro recheado de imitações, sendo já acarinhado pelos grandes humoristas que admira desde criança. Por enquanto, talvez seja apenas conhecido como «o gajo que imita o Bruno Nogueira melhor que o próprio Bruno Nogueira». Daqui a uns anos, porém, ninguém se enganará a escrever o seu nome. E Luís Franco-Bastos, que hoje vimos nascer e crescer, poderá tornar-se um senhor do humor português. Fiquem de olho nele.

Para mais informações, http://luisfrancobastos.blogs.sapo.pt/

No Limite... do Amor

2009-05-17T19:08:00.005+01:00

Baseado numa etapa particularmente instável da vida do grande poeta galês do século XX, Dylan Thomas, No Limite do Amor é um bom filme de época que retrata a relação entre a poesia de Dylan e a sua vida conturbada. Em 1940, o Reino Unido está em guerra e Vera Phillips entretém a população cantando nos abrigos do metropolitano. Ao reencontrar o seu primeiro amor, o poeta Dylan Thomas, o passado comum volta a assombrá-los e a interligá-los de forma intensa. No entanto, Dylan está casado com Caitlin, uma mulher extrovertida, que depressa inicia uma amizade profunda com Vera. Por sua vez, William, um soldado prestes a partir para a guerra, apaixona-se por Vera e os dois casais tornam-se unidos apesar do ciúme que os intimida. Quando William parte, Vera continua a não conseguir amá-lo e Dylan não consegue esconder o seu afecto por ambas as mulheres da sua vida.
É interessante observar a relação entre Vera e Dylan. A única realidade que os une é o passado em comum, uma primeira relação que os marcou para o resto da vida, e o reencontro, alguns anos depois, não reacende a paixão, simplesmente os reporta para a infância no País de Gales e o que ela significa para ambos. Caitlin aparece como um impedimento àquela relação, não exactamente devido ao seu papel de esposa de Dylan, mas por se ter tornado a melhor amiga de Vera e relativamente aberta quanto à amizade entre ela e o marido. William (Cillian Murphy, numa interpretação consistente) é talvez a única personagem que não se enquadra naquela familiaridade, mas ama Vera com todo o coração e ela, por mais que tente, não consegue libertar-se do primeiro amor e corresponder-lhe. O trio amoroso constitui a principal atracção do filme, pois Dylan vive dividido entre Vera e Caitlin, perdido no que sente em relação a ambas, para além da intensidade da amizade entre elas.
Por mais que este seja um filme acerca da vida de Dylan Thomas, é inevitável associá-lo mais à personagem de Vera Phillips do que ao poeta em si. Ela é a força unificadora do filme, a personagem que realmente se destaca entre os quatro protagonistas, e isso deve-se, em grande parte, à interpretação fabulosa de Keira Knightley, que parece amadurecer mais a cada papel que representa. Disponibilizou-se até para cantar, algo que os espectadores provavelmente não esperam dela, e durante o filme duvidam se aquela será realmente a sua voz. É mesmo. Uma vez mais consegue adaptar-se na perfeição a um papel de época, que a encaminha numa ascensão irreversível para a fama. O mesmo ou melhor se pode dizer de Sienna Miller que, apesar de não ser uma estrela no mundo do cinema, tem vindo a mostrar o seu engenho natural. Em No Limite do Amor, quaisquer dúvidas que se tivessem quanto ao talento da actriz são totalmente dissipadas. As suas beleza e simplicidade, conjugadas com a personagem Caitlin, que lhe assenta na perfeição, mostram que nenhuma actriz poderia ter realizado melhor a missão de interpretar aquele papel.
A realização de John Maybury é para lá de maravilhosa, consistente, utópica. Num contraste entre grandes e pequenos planos, cores quentes e frias, uma fotografia fantástica e uma banda sonora perfeitamente adequada, este é talvez o ponto mais envolvente e estimulante do filme, que inicialmente parece não ter muito a dar mas que, após uma revisão geral da história, dá a sensação de desejo cumprido. Ao longo do filme, contudo, sentimos que a história nunca se chega realmente a desenvolver, que falta algo para equilibrar o drama e chamar a atenção do espectador, algo que esperamos até ao final e não chega a acontecer. Em parte, a personagem de Dylan Thomas é responsável por essa sensação. Matthew Rhys, apesar de tentar agarrar a personagem, nunca chega a captar a sua essência, ou talvez seja apenas o verdadeiro Dylan Thomas que não consegue afirmar a sua personalidade. A verdade é que assistimos a um certo período da sua vida e não compreendemos honestamente o que pretende, de quem gosta, quem é na realidade. E essa é a principal falha de um filme que tinha tudo para ser perfeito mas que, apesar de se aproximar da plenitude, não a consegue alcançar.
Sobra-nos um bom filme, um drama intenso que, embora não seja perfeito, não deixa de merecer algum mérito. Não é puro entretenimento, nem pretende ser belo simplesmente para ser comercial. Pelo contrário, é profundamente desgastante, desmoralizador, até; mas o resultado final acaba por ser favorável e dar alguma esperança. Marcado pelo ciúme, pelas traições, pelas feridas que o amor pode causar, No Limite do Amor dignifica o melhor da vida através do olhar destas quatro personagens e, mais do que um simples filme biográfico, transforma-se num hino à amizade e o amor.

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Anjos e Demónios, em nome de Deus

2009-05-06T14:42:00.007+01:00

As expectativas são elevadas para este Anjos e Demónios, a mais recente produção de Ron Howard. Primeiro, porque é baseado num dos best-sellers mais lidos e aclamados por todo o mundo, o livro homónimo que ainda hoje continua a deleitar as almas mais fantasistas. Depois porque o seu precedente, O Código DaVinci, igualmente baseado numa obra de Dan Brown, constitui um dos maiores sucessos de bilheteira dos últimos anos. E aguarda-se um êxito ainda maior para esta adaptação cinematográfica, sendo uma obra dificilmente transposta para o grande ecrã. Ron Howard decerto estava ao corrente destes aspectos quando se aventurou na conquista do mundo mágico de Dan Brown, uma vez mais, tentando compensar alguns erros cometidos no primeiro filme, que muitos consideraram fatais. E conseguiu-o, sem dúvida, realizando uma obra notável, ultrapassando todos os condicionalismos impostos às filmagens e as pressões da crítica.
Robert Langdon é, como já o sabemos, historiador, professor em Harvard, especialista na análise de símbolos e o aventureiro dos tempos modernos, sem pistola nem espada, armado apenas com o seu conhecimento e coragem. Desta vez, e após ter desvendado um dos maiores segredos da história da Igreja, é convocado pelo próprio Vaticano, para ajudar a investigar o aparente ressurgimento da sociedade secreta Illuminati, constituída por grandes nomes como o próprio Galileu. Estes indivíduos procuram vingança, depois de a Igreja os ter marcado com ferros em brasa no massacre conhecido como ‘la purga’, há séculos atrás. Os quatro cardeais preferidos para serem eleitos no Conclave que decorre naquele mesmo dia, 'il preferiti', são também raptados pelos Illuminati. Porém, outra ameaça está a pôr em causa a eleição do novo Sumo Pontífice e toda a Cidade do Vaticano: um contentor de antimatéria, a mais recente descoberta da cientista Vittoria Vetra, que se encontra algures no Vaticano, ou algures em Roma, escondido pelos Illuminati, de modo a destruir a Igreja Católica e a vingar as mortes do passado. Ao longo da tarde e da noite, tempo no qual se passa a acção do filme, Robert Langdon e Vittoria Vetra tentam, a todo o custo, impedir o assassino Illuminati de matar os cardeais raptados, um por um, de hora a hora, entre as oito e as onze da noite, tal como encontrar o contentor de antimatéria antes da meia-noite e impedir a destruição da cidade. No topo da hierarquia religiosa encontra-se o camareiro do Papa falecido, ‘il camerlengo’, um homem profundamente entregue a Deus, que não consegue afirmar o seu poder sobre os outros por ser um simples padre, jovem, que não passa de um protegido do anterior Papa.
É importante compreender a componente religiosa e a sua importância no drama e na realidade. A Igreja Católica tem vindo a perder influência sobre as pessoas, e sente-se cada vez mais incapaz de atrair apoiantes. Por seu lado, a ciência aproxima-se cada vez mais da Igreja, tentando justificar a existência ou não de Deus e a criação do universo. A antimatéria é, efectivamente, produto de uma colisão que se assemelha à teoria do Big Bang, demonstrando que os progressos científicos das últimas décadas têm conduzido a uma maior descoberta do passado e à sua comprovação empírica. E isto é totalmente ameaçador para a Igreja, segundo uma perspectiva mais conservadora. De facto, a conjugação da ciência com a religião, apoiada por alguns, pode significar uma profanação das bases da Igreja, caracterizadas por uma componente não científica, cuja barreira está a ser quebrada. A Igreja precisa de algo que faça as pessoas serem mais crentes, mais fiéis; precisa de um milagre, de um herói, que volte a dar esperança ao povo e confiança na religião. Assim, anjos tornam-se demónios, e vice-versa, num jogo que aparentemente nada tem a ver com Deus, mas que no fundo acontece em seu nome. E a ameaça presente neste Conclave, ao nível dos raptos e das mortes dos cardeais favoritos, da antimatéria e do ressurgimento dos Illuminati, se é que esse ressurgimento se dá de facto, acaba por ser esse milagre, por conduzir a uma maior crença na religião, no caso particular de Robert Langdon e no caso geral dos fiéis. Esta é a base da história, do livro e do filme, e constitui o ponto fulcral e mais fascinante de ambos. Os desígnios de Deus, como se diz por aí, são misteriosos e insondáveis.
Embora com ligeiras alterações em relação à obra de Dan Brown, Ron Howard teve uma preocupação espiritual com o conteúdo do best-seller, ignorando praticamente o romance existente entre os personagens principais e a importância do CERN (Centro Europeu de Pesquisa Nuclear, sedeado na Suiça) no desenrolar da história, concentrando-se no tema religioso que dá forma a todo o thriller e que, no meio cinematográfico, acaba por fazer mais sentido. Um filme com mais de duas horas tem, obrigatoriamente, de ser apelativo e misterioso até ao final, e este Anjos e Demónios consegue transpor para a realidade o mistério e a emoção que Dan Brown oferece à obra original, do início até ao fim. O argumento contém diálogos fascinantes e foi brilhantemente escrito a partir do original, identificando-se desta forma com as personagens e o ambiente. Com uma realização consistente e uma banda sonora perfeitamente adequada, Tom Hanks enquadra-se de forma mais realista na personagem de Robert Langdon, com os seus habituais momentos de humor, e Ewan McGregor demonstra uma vez mais o seu talento versátil, no papel de camerlengo. Quanto a Ron Howard, imortaliza-se definitivamente como um génio da actualidade, com altos e baixos ao longo da carreira, mas com grandes filmes que dificilmente serão esquecidos.
O único pormenor menos positivo a registar acerca deste Anjos e Demónios é talvez o excesso de protagonismo atribuído a Robert Langdon, após uma dispersão do protagonismo em O Código DaVinci, e a consequente aposta débil na personagem de Vittoria Vetra, que não passa de uma figurante, de uma acompanhante de Tom Hanks, não por culpa própria, pois é o único rosto feminino num elenco de homens, mas pelo argumento que não favorece a sua personagem. De resto, a acção e todo o mistério trazidos para o grande ecrã encaixam-se na perfeição no espírito do filme, tal como os actores se encaixam nas personagens que representam. Os efeitos especiais, embora suaves, não deixam de estar presentes nos momentos necessários, e o filme vive à base do argumento que o constitui, das imagens que lembram palavras, da realização coerente de Ron Howard, da semelhança com a actualidade e da realidade da história. É uma verdadeira obra-prima, que pode e deve figurar entre os grandes filmes já exibidos neste ano de 2009, e que decerto superará o sucesso e as expectativas criadas à sua volta.

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Expectativas para Anjos e Demónios, no Twitter

2009-05-04T19:13:00.000+01:00

Pois é, vale a pena explorar as funcionalidades do Twitter. Quanto mais não seja para ler o que os outros escrevem, para pedir opiniões, para partilhar momentos ou reflexões. Lancei no dia de hoje uma pergunta acerca das expectativas esperadas para o filme Anjos e Demónios, e deixo aqui as respostas recebidas :)

O Elo do Amor

2009-05-01T20:28:00.007+01:00

Dois anos após o seu lançamento nos EUA, O Elo do Amor chega finalmente a Portugal, discretamente, como se o seu realizador e os seus actores não constituíssem alguns dos melhores da actualidade. A história inicia-se em 1941, no Michigan: Ethel Ann conquista o coração de Teddy e dos seus dois amigos aviadores, Jack e Chuck, mas apenas tem olhos para o primeiro. Quando se dá o ataque a Pearl Harbour, Teddy e Ethel Ann casam em segredo, com promessas de fidelidade eterna, e ele guarda o anel de ouro que contém gravados os seus nomes. Caso algo lhe aconteça, Chuck promete cuidar de Ethel, e assim partem os três para a Segunda Guerra Mundial. Cerca de cinquenta anos depois, a ainda angustiada Ethel Ann recorda toda a sua juventude, quando o marido morre e a filha Marie procura uma explicação para o passado secreto da mãe, e mesmo para a sua falta de sofrimento. Ethel Ann sofre apenas com o passado longínquo, que a volta a assombrar quando Jimmy, um rapaz irlandês, encontra numa montanha de Belfast o anel que Teddy levara para a guerra.

Temos duas histórias em paralelo, no presente (ano de 1991), e ainda o passado recordado por Ethel Ann. Numa delas, encontramos a sempre carismática Shirley MacLaine, uma Ethel Ann que ainda vive amargurada com a perda do seu grande amor, com a falta de provas que confirmem esse mesmo facto, com uma vida que não fora a planeada, e com um elo de fidelidade eterno que não pode, no seu íntimo, quebrar. Jack Etty, um dos companheiros de Teddy, representado pelo grande Christopher Plummer, é agora o maior amigo de Ethel Ann, futuro sogro da sua filha Marie, e após todos aqueles anos, continua apaixonado por ela. Sofre também com a vida que não teve ao lado dela, pois a responsabilidade de cuidar da jovem que Teddy deixara para trás fora concedida ao seu amigo Chuck. Em simultâneo, na Irlanda do Norte, Michael Quinlan procura diariamente escavar o local onde o avião B-17 se despenhou, há quase cinquenta anos, durante a guerra, e conta com a ajuda do jovem Jimmy, que desvenda a história de Ethel Ann e a contacta para devolver o anel encontrado. As histórias unem-se quando Jimmy parte para o Michigan e o passado é desvendado, tanto para as restantes personagens, como para os espectadores.

O drama torna-se um pouco incoerente ao nível temporal, particularmente no início, com uma certa desordem de ideias e pormenores desnecessários a receberem demasiado destaque. De facto, a segunda parte do filme (embora não possamos verdadeiramente dividir a história em duas partes) é mais consistente; até a realização é mais bela e harmoniosa. Um pormenor interessante é a comparação subjectiva entre a história da Segunda Guerra Mundial, no passado, e os ataques do IRA, em 1991, na Irlanda do Norte. O filme transporta-nos para uma nova guerra, para novos heróis e novos inimigos, e também para uma pronúncia diferente, um sotaque irlandês muito peculiar, especialmente protagonizado pelo jovem Jimmy. Os poucos momentos humorísticos do filme são conseguidos exactamente através desta personagem, apesar de não se enquadrarem muito bem no clima trágico da história, mas dão-lhe uma certa ligeireza e não retiram por completo a sua credibilidade dramática.

Directamente do pequeno para o grande ecrã, Mischa Barton amadurece e adapta-se na perfeição ao papel sensível e dramático da jovem Ethel Ann, deixando para trás a inconstante e adolescente Marissa de O.C. Gregory Smith, vindo da série Everwood, toma o papel do jovem Jack, que esconde a sua paixão por Ethel Ann, num registo também mais maduro. O jovem Martin McCaan, que representa Jimmy, merece um destaque especial pelas suas expressões e naturalidade ao nível da acção. Richard Attenborough realiza consistentemente um bom filme de época, que se distancia de Pearl Harbour e de todos os restantes romances de guerra, não através das relações entre as personagens, que são simples clichés, mas através da própria história, da relação entre o passado e o presente, e entre as diversas pontas da história, que o espectador procura unir desde o início até ao final do filme, encantando-se à medida que vai desvendando os pedaços da narrativa.

A banda sonora, composta por Jeff Danna, acompanha e suaviza, de certa forma, toda a acção, auxiliada pelas magníficas paisagens, tanto do Michigan como de Belfast. O argumento, escrito por Peter Woodward, foi criado a partir da descoberta verídica de um anel, em Belfast, cerca de cinquenta anos após a queda do avião B-17, durante a segunda grande guerra, concebendo a história de Ethel Ann à volta deste acontecimento. Efectivamente, o sofrimento de Ethel Ann é justificado por aquele elo, aquele anel que não a liberta de um passado irreversível, de um amor impossível de consolidar. E este regresso ao passado permitirá libertá-la desse amor e até, quem sabe, começar de novo a viver. Não é um grande filme, e provavelmente só valerá a pena na primeira vez que se visualiza. Mas é uma boa história que não deve ser passada ao lado.

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Cinema vs Crise

2009-04-19T15:59:00.006+01:00

Diz-se por aí que uma crise económica está a afectar meio mundo, e que esse meio mundo se está a afundar, lenta mas acentuadamente, numa recessão de que não há memória. Alguns preços começam a descer, para acompanhar a diminuição do poder de compra, e o desemprego mostra-se cada vez mais fatal. A especulação também não ajuda, provocando um medo crescente nas pessoas e a sua constante preocupação com o dinheiro que gastam. Medidas proteccionistas começam, inevitavelmente, a ser tomadas pelas grandes potências, como forma de combater a crise iminente e atacá-la antes que seja tarde demais. Especialistas dividem-se quanto às implicações económicas que este pico negativo pode vir a ter no presente, no futuro e na história, não havendo ainda uma certeza da sua gravidade. Mas ela está aí. Pelo menos é o que dizem. Porém, a indústria cinematográfica não tem sido muito afectada pela crise. Filmes continuam a ser produzidos, lançados mensalmente nos cinemas de todo o mundo, e as receitas não deixam de ser favoráveis.

O cinema tem essencialmente três propósitos: informar, propagandear e entreter. A informação é transmitida de forma fácil e rápida, acessível à maior parte das pessoas. Como propaganda, o cinema promoveu e ainda promove ideais políticos, convencendo os espectadores a tomarem o partido dos que publicitam as suas ambições. Como entretenimento, desde o seu aparecimento, tem vindo a conquistar cada vez mais admiradores. E em tempos de crise, este é o factor que leva mais pessoas ao cinema. Para termos uma ideia: no auge da Grande Depressão, em 1934, durante a qual o desemprego atingiu máximos históricos, cerca de 40% da população norte-americana ia ao cinema uma vez por semana; durante a Segunda Guerra Mundial, este indicador chegou mesmo ao 60%. Os filmes ofereceram uma panaceia na crise dos anos 30 nos Estados Unidos, foram o ópio do povo e meio de propaganda política durante a última grande guerra, e continuaram a embalar as pessoas nas décadas que se seguiram, até aos dias de hoje, rotulando Hollywood como a fábrica de sonhos. No século XXI, perante uma nova crise económica, podemos verificar que a situação não é muito diferente.

Em 1927, o mundo cinematográfico registou uma inovação técnica que alterou completamente o formato de toda a indústria do cinema: o aparecimento do som, com o filme O Cantor de Jazz. A maior parte dos primeiros filmes falados teve sucesso nas bilheteiras e, no final dos anos 20, houve mesmo um boom de filmes falados, com o aparecimento do género musical e de algumas produções que uniam a música à comédia. Em 1930, a indústria cinematográfica teve o seu melhor ano, quando os lucros das bilheteiras e dos estúdios atingiram níveis recorde. Um ano depois, a Depressão alcançou a indústria e os lucros baixaram drasticamente. Este facto foi contornado pelos cinemas que começaram a oferecer dois filmes em cada programa, para atrair clientes durante o período difícil da economia mundial. O programa era alterado duas a três vezes por semana e eram exibidos essencialmente filmes de série B, westerns, filmes de gangsters e de acção. Ir ao cinema tornou-se então um ritual semanal para a maioria dos citadinos nos anos 30 e, após o grande crash, houve igualmente um grande boom no visionamento de filmes.

Quanto à Segunda Guerra Mundial há a dizer que, ironicamente, uma vez mais, os anos de guerra foram comparativamente bons para Hollywood, constituindo 1939 um ano de ouro para a indústria cinematográfica, com títulos como E Tudo o Vento Levou e O Feiticeiro de Oz. Predominaram as produções de guerra, nomeadamente de carácter anti-fascista e anti-nazi, que exaltavam o carácter patriótico das nações envolvidas no conflito, bem como alguns westerns, musicais e comédias sofisticadas. Com a América envolvida na guerra global, o governo via Hollywood como fonte ideal de entretenimento, informação, reforço do moral e propaganda política e social. Os filmes eram visionados pelo exército, que com eles ganhava uma espécie de coragem especial e um propósito patriótico de sobrevivência e vitória. A grande afluência e diversificação de produções durante os anos 40 provocou receitas favoráveis nas bilheteiras, impulsionada pelo desejo de fuga da realidade por parte da população.

Nos dias de hoje, como já foi dito, a situação é bastante semelhante. Apesar da crise, as pessoas não dispensam uma qualquer forma de lazer, de escape ao mundo real, de inserção numa fantasia que afaste os pensamentos das suas vidas durante a crise. Pelo contrário, à medida que a crise se vai agravando, e com ela o desespero da população a nível mundial, o cinema tem cada vez mais o papel de distracção da realidade, de criação de um mundo de fantasia, de uma utopia que foge completamente às dificuldades vividas, tal como o foi nos dois períodos acima referenciados, dois dos piores (em termos económicos e sociais) que a história já presenciou. O cinema tem tendência a ganhar com estas grandes crises e a aposta neste século XXI vai exactamente (para além da comédia) para as produções mais fantasistas, de terror, de ficção científica, de animação, géneros pouco desenvolvidos no passado e que, hoje em dia, apesar de terem elevados custos, constituem o expoente máximo da tecnologia e do afastamento da realidade no cinema.

No caso específico de Portugal, a afluência de espectadores às salas nacionais aumentou cerca de 10% em Janeiro de 2009, em relação ao mesmo período de 2008, segundo o ICA (Instituto de Cinema e Audiovisual), o que evidencia a escassa influência da crise económica nas prioridades das pessoas. Este aumento, no primeiro mês de cada ano, tem sido uma constante desde 2007, o que se deve ao facto de, geralmente, serem exibidos nas salas de cinema, nesse período, os filmes candidatos aos Óscares de Hollywood. No entanto, o valor diminuiu em relação a Dezembro e 2008, também bastante concorrido devido a corresponder às férias das camadas mais jovens da população. Será o primeiro sinal de agravamento da crise? Há um número crescente de pessoas que têm optado pelo cinema em casa, particularmente devido ao elevado preço dos bilhetes nas salas – um bilhete normal custa cerca de 5,70 euros -, mas as receitas das bilheteiras apresentam-se alheiamente elevadas devido ao aumento do preço dos impressos. Apesar disso, as pessoas continuam a ir regularmente ao cinema, e este passa uma vez mais ao lado da crise.

Na semana de 2 a 8 de Abril, o estreante Monstros vs Aliens, filme animado com recurso a 3D, foi o mais visto nas salas de cinema nacionais, contando com 107.362 espectadores. Numa semana, as receitas brutas das bilheteiras equivaleram a 610.272,96 euros. A crise pode estar aí e ser até bastante forte. Mas caso não fosse tão comentada e discutida, um pouco por todo o mundo, o cinema provavelmente não daria por ela, tal como não deu no passado, sobrevivendo às grandes crises do século XX. A ver vamos como se comportam as pessoas durante o resto do ano, com o agravar da crise, e se o cinema sobrevirá a estes anos difíceis que se avizinham.

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Museu de Cinema de Melgaço | Jean Loup Passek

2009-04-11T15:25:00.008+01:00

Em pleno centro histórico da Vila de Melgaço, junto às muralhas, o edifício anteriormente ocupado pela Guarda Fiscal alberga agora o Museu de Cinema,um dos únicos do género em Portugal (a par do museu existente na Cinemateca Portuguesa). Inaugurado em Junho de 2005, reúne uma grande parte do espólio do cinéfilo Jean Loup Passek, que doou a sua colecção privada à autarquia de Melgaço. Porquê um museu de cinema naquela pequena freguesia minhota, no ‘fim do mundo’, quase na fronteira com a Galiza? A verdade é que Lisboa, Porto, Braga, entre outras cidades portuguesas, bem como algumas cidades francesas, demandaram as fotografias, cartazes, câmaras, documentos, coleccionados por Jean Loup Passek, mas o francês de origem russa contrariou as expectativas e escolheu uma vila portuguesa para o efeito. Conta a história que, há cerca de trinta anos atrás, Jean Passek conheceu em Paris dois emigrantes portugueses, e com eles travou uma amizade que duraria a vida inteira. Uma vez passando férias em Melgaço, terra natal destes portugueses, rendeu-se aos encantos do Minho e tornou-se um apaixonado por Portugal. Fundador e director do Festival Internacional de Cinema de La Rochelle, coordenador do departamento de cinema do Centro George Pompidou e entusiasta pela sétima arte, Jean Passek encontrou em Melgaço o local perfeito para a concretização do seu sonho de construir um museu dedicado ao cinema, adquirindo até uma residência de férias no concelho. Com setenta e três anos, divide o seu tempo entre Paris e Melgaço, e permanece com "espírito eslavo, nacionalidade francesa e coração português”, como referiu certa vez numa entrevista.

O Museu de Cinema contém uma exposição permanente, que retrata as origens do cinema e o seu percurso ao longo dos tempos, desde os seus primeiros passos, a chamada era do pré-cinema, até ao início do cinema propriamente dito. As salas do rés-do-chão recuam a finais do século XVIII e inícios do século XIX, com o aparecimento das lanternas mágicas, objectos mais antigos em exposição. Funcionavam através de uma manivela, que fazia girar pequenas superfícies vidradas pintadas, com imagens. Outros aparelhos, como o Fenakistiscópio e o Praxinoscópio, fazem também parte da pré-história do cinema. O primeiro, criado por Joseph Plateau em 1832/33, oferece a ilusão de movimento da imagem através de um disco giratório com desenhos ligeiramente diferentes, constituindo talvez o início da movimentação de desenhos. O segundo, criado por Émile Reynaud, em Paris, cerca de 1877, era constituído por longos espelhos dispostos ao centro do aparelho, e por uma manivela que permitia accionar e fazer rodar o tambor, mostrando os desenhos em movimento. Em exposição encontram-se também alguns dos primeiros cinematógrafos, que marcam verdadeiramente o início do cinema, com a sua criação pelos irmãos Lumière, em 1895, na cidade de Paris – um dos quais de fabrico alemão, em metal. Estes objectos, mais do que inventos e produtos técnicos e científicos, são testemunhos da história da arte, de novas formas de espectáculo, e representam uma alteração da forma de encarar o mundo, mudança essa que o cinema simbolizou desde a sua pré-história.

Prateleiras cobertas de vidros pintados, com imagens, simbolizam as primeiras histórias contadas através de projecções cinematográficas. Ao fundo de uma das salas, um enorme cartaz mostra algumas das figuras mais influentes da Europa observando-se a preto e branco num ecrã, como num espelho. O cartaz, desenhado por Adrien Barrère, em 1908, tem uma elevada importância histórica, pois é o primeiro cartaz do cinema em sala. O cinema, até à época considerado espectáculo de feira, torna-se diversão burguesa, e Charles Pattié abre a primeira sala de cinema. Os chefes de estado europeus são então os primeiros a encontrar-se numa sala de projecção, surpreendidos com a inovação. Na outra sala do rés-do-chão, cartazes coloridos e um ecrã suspenso em frente à parede granítica original do edifício indiciam a exposição temporária do piso superior, igualmente da colecção de Jean Loup Passek, que o museu alberga agora: uma homenagem a Federico Fellini.

Fellini viveu de 1920 a 1993, e é considerado um dos mais importantes cineastas italianos. Os seus filmes caracterizavam-se por uma conjugação perfeita entre memória, desejo, sonhos, fantasia, muitas vezes retratando e criticando a sociedade. A genialidade do homem é visível através da versatilidade e da magia dos seus filmes, entre os quais se destacam A Doce Vida, Satyricon, Roma, Amarcord, Julieta dos Espíritos, A Estrada, Entrevista, A Cidade das Mulheres, O Casanova de Federico Fellini, entre muitos outros. No Museu de Cinema de Melgaço, fotografias e cartazes, a preto e branco e a cores, desvendam essa mesma genialidade, bem como o filme Ginger e Fred, que passava no televisor suspenso. As exposições temporárias encontram-se activas durante cerca de três meses, altura em que a anterior é substituída por uma nova, igualmente do espólio pessoal de Jean Loup Passek. O cinéfilo deverá regressar a Melgaço no próximo mês de Maio, e a exposição temporária de Fellini será desactivada.

Numa das últimas visitas de Jean Passek a Portugal, durante o ano de 2008, Manoel de Oliveira foi convidado de honra no Museu de Cinema, onde o francês lhe mostrou as exposições em exibição. Ao deparar-se com as escadas do edifício, Jean Passek terá dito que estava a ficar velho, que lhe custava a subir os degraus. Por seu lado, Manoel de Oliveira, nos seus noventa e nove anos (na altura), o cineasta activo mais idoso do mundo, terá subido as escadas sem qualquer dificuldade, o que enuncia o carácter perdurante da sua carreira e a sua capacidade extraordinária de criar histórias e colocá-las no grande ecrã, apesar da idade avançada.

O Museu de Cinema de Melgaço, por entre as muralhas da Vila e sob o olhar atento da Torre de Menagem, é uma paragem obrigatória para os amantes da sétima arte. A colecção de Jean Loup Passek inclui mais de meio milhão de fotografias e cartazes de valor artístico incalculável, número esse em constante crescimento, já que o cinéfilo continua a frequentar leilões e a adquirir novos artigos da história do cinema. Por essa razão, o Museu de Cinema deverá ser ampliado, dentro de seis meses, incluindo-se num outro edifício da Vila novas exposições da colecção de Jean Passek. No primeiro ano desde a abertura, o Museu recebeu cerca de 7500 visitantes, e continua a recebê-los diariamente, dando a conhecer a encantadora história do cinema, ‘máquina de sonhos’, que continua a maravilhar e a mudar o mundo.

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Ele NÃO está assim tão interessado

2009-04-04T19:08:00.008+01:00

Baseado num best-seller dos mesmos autores de O Sexo e a Cidade, Greg Behrendt e Liz Tuccillo, Ele não está assim tão interessado - He's just not that into you é um filme com um título longo e de uma veracidade inevitável, que nos transporta para o mundo das relações amorosas, dos compromissos e das rejeições.

Gigi (Ginnifer Goodwin) é uma rapariga que procura desesperadamente o homem da sua vida, que quer ser amada, e por isso mesmo cria, à volta de cada encontro ou simples conversa com um homem interessante, uma ilusão de que ele está interessado nela. Em parte, essa ilusão é alimentada pelas falsas esperanças que as amigas lhe dão no campo do amor, ou melhor dizendo, que todas as mulheres dão umas às outras no que diz respeito às relações amorosas. O filme explora este ângulo, mostrando que, na maior parte das vezes em que parece haver algum interesse por parte do sexo oposto, isso não passa de uma criação do nosso cérebro, das pessoas que nos rodeiam, que mentem para nos verem felizes. E isso pode ser o pior que nos pode acontecer. Gigi vive assim, perdida, esperando desesperadamente um telefonema do homem com quem jantou na noite passada. Mas, e se ele não telefonar?

Beth (Jennifer Aniston) vive também o seu drama pessoal: a sua relação com Neil (Ben Affleck) conta já sete longos anos, mas ele recusa-se a acreditar no casamento, afirmando que viver com Beth é suficiente para mostrar o seu amor. Mas ela quer mais: quer ter o mesmo que as irmãs têm, quer casar com o homem da sua vida, pois acredita que a sua meia-idade implica dar o próximo passo na relação. Ou será que Neil não é o homem da sua vida? Quanto a Janine (Jennifer Connelly), a outra das três amigas, vive um casamento aparentemente feliz, sem falhas, mas começa a suspeitar das mentiras do marido e de uma relação que parece estar a andar para trás. E com razão: o seu marido, Ben (Bradley Cooper), após um encontro fortuito no supermercado, sente-se atraído pela sedutora Anna (Scarlett Johansson), que apesar de alguma reticência inicial da parte dele, depressa se torna sua amante. Ben quer trabalhar no casamento, apesar de se sentir preso nele, mas as mentiras e a sua falta de discernimento acabam por magoar Janine, infeliz com o rumo que o casamento está a tomar.

Por seu lado, Conor (Kevin Connolly) é apaixonado por Anna, mas ela trata-o como um amante descartável e ele continua a ter encontros, tentando encontrar a mulher dos seus sonhos. Anna é uma mulher insatisfeita com o que tem, sedutora, que não consegue decidir entre o homem casado que trai a esposa e o homem certinho que está definitivamente interessado nela. Mary (Drew Barrymore), amiga de Anna, é uma mulher que procura também o amor, mas apenas encontra algum interesse da parte dos homens nas redes sociais da Internet, acabando por vezes magoada com a falsidade deles na utilização da tecnologia.

Alex (Justin Long), amigo de Conor e gerente de um bar, é um céptico no que toca ao amor, sabendo de cor e salteado todos os passos que um homem dá num encontro, se está ou não interessado numa mulher, se ela pode ou não ter esperança. Acredita que, na maior parte das vezes, o homem não fica interessado na mulher após um encontro; é raro o que fica. A regra é, então, uma mulher ficar desapontada após esperar desesperadamente pelo telefonema de um homem, sendo que o interesse dele é apenas obra da sua mente. A excepção, no entanto, é possível, ou seja, o homem pode estar realmente interessado na mulher. Mas nesse caso ele demonstra-o logo, não demora dias e dias para telefonar à mulher que conheceu. Quando ele está interessado, ele mostra-o. Estes são alguns dos conselhos que Alex começa a dar a Gigi, após a conhecer no seu bar. Céptico quanto ao verdadeiro amor e à excepção de que fala, acaba por se interessar, lentamente e sem se aperceber, pela mulher que guia no mundo do amor, a mulher com quem não houve qualquer faísca, mas que pode muito bem ser a tal.

Numa realização discreta e elementar, Ken Kwapis transforma o que podia ser uma simples comédia romântica para ver num domingo à tarde, numa fantástica descoberta do amor, numa obra quase documental acerca dos bons e dos maus aspectos das relações amorosas e dos compromissos. O início do filme é uma espécie de curta-metragem genial, que nenhuma relação pessoal óbvia tem com o resto do filme, mas que funciona na perfeição como uma breve introdução para o tema que irá ser tratado ao longo da obra: o facto de ele estar ou não interessado nela. Os separadores utilizados para dividir os diversos aspectos do interesse do homem, ao longo do filme, são também marcos de comédia e do carácter educativo do filme.

Ele não está assim tão interessado conta com um elenco diversificado e brilhante, que por si só é um autêntico chamariz às salas de cinema. Surpreendentemente, o realizador optou por atribuir a dois dos actores mais desconhecidos, Ginnifer Goodwin e Justin Long, o par romântico mais influente na história do filme, o mais relevante devido aos diálogos geniais entre as duas personagens, acerca do amor. É um verdadeiro filme de personagens, que gira à volta dos pares românticos e das emoções provocadas pelo estado das suas relações. O que tem de comédia, pode também ter de drama; o que tem de romance, tem decerto também de veracidade. É definitivamente um filme para ver com a cara-metade, mas não se iludam: no amor, tal como em tudo na vida, nem sempre as coisas correm como planeado, e nem sempre as pessoas acabam felizes para sempre. Há sempre excepções. Ou serão regras?

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Já tem Twitter? Os seus ídolos já têm

2009-03-25T20:28:00.004Z

É a nova moda. Depois dos célebres hi5 e Facebook, que conquistaram inúmeros adeptos em todo o mundo (cerca de 70 e 125 milhões de utilizadores activos, desde as suas fundações, em 2003 e 2004, respectivamente), chega-nos a mais recente rede de interacção social na internet: o Twitter. Apesar de ter o objectivo comum de conectar pessoas de qualquer parte do mundo, o Twitter não segue os mesmos critérios das outras comunidades, contendo uma base inovadora, e o marketing beneficia também desta nova rede, aproximando-se progressivamente das pessoas. O Twitter é uma comunidade social que, por ser ainda recente, não está sobrelotada de perfis falsos e de amizades desconhecidas, havendo até a possibilidade de comunicar com as verdadeiras estrelas do mundo dos famosos.

Criado em 2006, em São Francisco, pelo americano Evan Williams, o Twitter parte da questão ‘What are you doing?’ (‘O que está a fazer?’), que serve de base à comunicação no chamado microblogging. Cria-se um perfil simples e gratuito no site www.twitter.com, e as mensagens podem começar a circular. A comunidade social permite a divulgação, em tempo real, de mensagens com um limite máximo de 140 caracteres, enviadas ou recebidas por computador ou SMS, em telemóveis ou PDAs com acesso à Internet. Após serem escritas, as mensagens aparecem no site, no perfil do utilizador e nos perfis de quem o seguir, havendo possibilidade de resposta por parte de qualquer pessoa. O conceito de ‘seguidor’ substitui o termo de amizade no hi5, havendo apenas pessoas a ‘seguirem’ perfis e actualizações de outras, em tempo real. E existe a hipótese de comunicação entre elas, estejam onde estiverem no globo.

Apercebemo-nos constantemente do carácter fraudulento de alguns perfis pessoais no hi5, particularmente se olharmos com atenção para os perfis de pessoas famosas. Muitos são perfis de fãs, outros pretendem denegrir a imagem da pessoa, e outros ainda pretendem apenas utilizar o estatuto do visado como passaporte para outras ‘amizades’ na rede social. As comunidades já existentes encontram-se, assim, corrompidas, sobrelotadas, mundos onde nada é o que parece, e onde apenas se pode confiar nas pessoas que conhecemos e que podemos realmente chamar de amigos. O carácter inovador e recente do Twitter permite uma quantidade ainda escassa de utilizadores, e oferece uma certa credibilidade aos perfis pessoais de algumas celebridades, portuguesas e internacionais. Alguns não deixam de ser falsos; mas se procurarmos bem, podemos encontrar alguns que pertencem realmente às pessoas famosas que visam. E podemos saber, em tempo real, o que elas estão a fazer, a pensar, a comer, a ler, a ouvir. E podemos ainda, em tempo real, comunicar directamente com elas.

Os humoristas Nuno Markl e Bruno Nogueira usam-no, trocando ideias com os utilizadores. David Fonseca e Rita RedShoes têm já perfis criados, utilizados como divulgação das suas carreiras musicais. O Jornal Público e a própria Presidência da República utilizam-no para promover notícias e iniciativas. No panorama internacional, estrelas de cinema como Mark Whalberg, William Shatner, David Lynch, Christopher Walken, Adam Sandler e Shia La Beouf usam-no também. Ellen DeGeneres, John Mayer, Richard Branson, Jamie Oliver, Andy Murray, Ryan Seacrest, são outras celebridades ‘reais’ que já se renderam, igualmente, ao fenómeno Twitter.

O casal de actores Ashton Kutcher e Demi Moore é um exemplo de comunicação através do Twitter. Durante a sua estadia na Europa, num fuso horário diferente, Ashton Kutcher quis surpreender a esposa, às 7h45 (14h45, hora portuguesa), no início do dia, e pediu aos twitters (utilizadores) que escrevessem tweets (mensagens) no perfil dela, dizendo ‘good morning, I love U’, criando uma ‘onda de amor’ para ela. A iniciativa romântica funcionou na perfeição: em sete minutos, cerca de 3600 tweets foram enviados para Demi Moore, e Ashton revelou mais tarde que esta adorou a surpresa, conseguida através da participação da comunidade. É a prova viva de que o Twitter está na moda, e é um serviço para todos.

Poder comunicar com as estrelas, sabendo que são realmente elas do outro lado da rede, torna-se também um motivo de agrado do Twitter. Que tal enviar uma mensagem a Adam Sandler, congratulando-o pelo seu excelente trabalho como actor? Porque não felicitar Jamie Oliver pelos seus brilhantes cozinhados? E Andy Murray, pela sua última vitória? O inimaginável torna-se possível a um simples clique de distância, mais simples do que alguma vez o foi. E torna-se viciante. Nuno Markl já o disse, e é comummente aceite. Descobrir pessoas conhecidas no Twitter, descobrir os seus perfis e ‘segui-los’, comunicar com pessoas famosas ou amigos que não encontramos há anos, torna-se estimulante. E colocar novas mensagens no perfil, receber respostas e comunicar com a rede criada à volta do perfil, é igualmente entusiasmante.

Apesar da imensidão de comunidades sociais existentes no mundo da Internet, e do carácter efémero que a sua importância adquire para as pessoas, o Twitter pode vir a contrariar a tendência de corrupção do espaço cibernáutico, através da sua forma inovadora de interacção, seja com celebridades ou com o mais comum dos mortais. Já tem Twitter?

Sintra n' Os Maias - Roteiro Queirosiano

2009-03-02T22:05:00.018Z

Os Maias é um dos mais admirados romances portugueses do século XIX. O seu autor, o grande Eça de Queiroz, tornou-se um mestre da literatura portuguesa, um dos maiores e mais afamados de sempre, e parece que, há medida que o tempo passa, o é ainda mais. Foram diversas as obras que nos trouxe, desde A Relíquia, O Crime do Padre Amaro, e O Primo Bazílio, à compilação Contos, ao mítico O Mistério da Estrada de Sintra (com Ramalho Ortigão), e ao igualmente imponente A Cidade e as Serras. Eça nasceu em 1845 e faleceu no ano de 1900, atravessando a segunda metade do século XIX. É apontado como introdutor do Realismo em Portugal, cerca de 1865, após um início de século marcado, em toda a Europa, por revoluções de cariz liberal. Em Portugal, tal revolução deu-se em 1820, período no qual proliferou o Romantismo (nomeadamente com Almeida Garrett), tanto na literatura como em outras áreas. Períodos literários totalmente opostos, que originaram, após o Realismo, uma facção mais radical deste – o Naturalismo. Quanto à conquista pela liberdade em Portugal, durante o denominado Romantismo, a guerra civil deu-se entre absolutistas e liberais, e enquanto Queluz ofereceu um enorme apoio aos ideais liberais, a vila de Sintra foi mais conservadora e apoiou o Absolutismo. No final do século XIX, época na qual é retratada a acção principal d’ Os Maias, a liberdade estava já consagrada, e Sintra era um local de grande prestígio para visitar.

Escrito entre 1882 e 1888, Os Maias é uma obra complexa, de um realismo mordaz, irónica e provida de um elevado valor emocional, considerada a obra-prima de Eça de Queiroz. O tema central da obra é o incesto, neste caso específico entre dois irmãos, de forma inconsciente, malvisto na sociedade da época. Em linhas gerais: Carlos Eduardo da Maia, personagem principal, pertence a uma família aristocrata, ou seja, da alta nobreza distinta, que vivia na Beira. Afonso da Maia, avô de Carlos, é um verdadeiro humanista, e educou o neto à inglesa, de forma mais rigorosa, em Santa Olávia (junto ao Douro). Já crescido, Carlos tira o curso de Medicina em Coimbra, mas tem mais habilidade para as relações amorosas, e é por isso considerado um diletante (gosta de ‘bricabraque’, tem um certo estatuto social e exerce uma profissão por paixão). Muda-se para Lisboa, onde pretende abrir um consultório, e conhece Dâmaso Salcede, um novo-rico (ou novo-burguês) que imita Carlos em tudo (o que veste, o que faz, o que gosta) e escolhe os amigos de acordo com a sua condição na sociedade e a sua influência em determinados aspectos. No Ramalhete (que significa ramo de girassóis), habitação actual d’ os Maias, faziam-se tertúlias (discussões sobre a actualidade, o pais, um pouco de tudo e de nada) entre homens, amigos de Carlos e de Afonso. Cruges, o maestro (instruído e admirador dos grandes clássicos da música), é um desses amigos, que Carlos convida para uma viagem a Sintra, na qual pretende encontrar a misteriosa mulher que viu apenas uma vez e da qual deseja saber um nome, pretende conhecer e deslindar o que se passa no seu coração.

No capítulo VIII d’ Os Maias, Eça descreve então o passeio de Carlos e Cruges por Sintra, enquadrando assim a vila de Sintra na obra e na acção da história. Carlos procura Cruges na sua residência na Rua das Flores, em Lisboa, cerca das oito horas da manhã, mas vem a encontrá-lo na Rua de S. Francisco, casa da sua mãe, que lhe implora para trazer o doce petisco regional de Sintra – ‘Olha não te esqueçam as queijadas!’. Os dois amigos partem em direcção à vila num break (transporte com quatro lugares), atravessando as Quintas de Benfica e chegando à Porcalhota, restaurante no qual Cruges ingere um almoço campestre, ‘uma bela pratada de ovos com chouriço’. Após o acepipe, Cruges sente-se satisfeito, tornando-se até um pouco melancólico, e conversa com Carlos sobre a ignorância do país e a ociosidade das pessoas.

Ao chegarem às primeiras casas de Sintra, e depois ao Ramalhão e às portas da serra, Carlos avisa Cruges que não se dirigem para a afamada Lawrence’s, antes para o hotel Nunes. Dois curtos apartes: primeiro, junto ao Palácio da Vila (o imponente Paço que Cruges adora quando vê), é possível observar a antiga instalação do Hotel Vítor, referenciado na obra, no qual os Cohen (família judaica, Jacob e Raquel Cohen – com a qual João da Ega tem um caso amoroso e é descoberto, sentindo-se resignado) ficaram hospedados – agora residência particular; segundo, Eça terminou a redacção do romance no exacto ano em que foi inaugurada a linha de comboio entre Lisboa e Sintra. O break seguiu então em direcção à serra de Sintra, desviando-se para o Nunes, hotel de dois andares, agora Hotel Tivoli (após a sua demolição, em 1973, que pôs fim ao carácter mítico do edifício, que permanece apenas através da imortalização de Eça). No Nunes, encontram Eusebiozinho Silveira, obeso e viúvo, acompanhado por Palma Cavalão e por duas meretrizes espanholas, Lola (mais franzina) e Concha (‘um mulherão’). Palma demonstra um machismo profundo, e Eusébio mostra-se cobarde ao não admitir que trouxera Concha consigo para Sintra; esta sente-se furiosa com a sua atitude e sai da sala do hotel. Eusébio representa uma educação mais conservadora, tradicional, à portuguesa, que falha, tanto no final da obra (quando se diz que a esposa lhe bate), como nesta situação no Nunes (quando se acompanha de duas meretrizes, após a viuvez). A educação de Carlos (marcada pelo positivismo), apesar de contrastante, falha também, nomeadamente devido ao incesto, a certa altura consciente e incoerente, à fuga de Carlos para a Europa, à ociosidade de não exercer a sua profissão, entre outros factores.

Sintra representa, para as classes altas do século XIX (e particularmente para a aristocracia lisboeta), um espaço digno da sua presença, uma elevada ociosidade (numa sociedade burguesa já por si ociosa), um local para fugir ao espírito urbanizado das cidades, para respirar ar puro e visitar edifícios esbeltos. O Nunes, embora não tão preferido como a Lawrence, fazia parte da simbologia burguesa; e apesar de Eusébio não ter querido admitir a companhia das duas espanholas, ao vê-lo, Carlos admirou a sua atitude, demonstrando que a sociedade burguesa talvez não o levasse a mal por as ter levado a Sintra. Carlos fica, de novo, desiludido por não encontrar a mulher misteriosa (que sabemos ser Maria Eduarda, mais tarde divulgada como irmã de Carlos) pela qual empreendeu aquela viagem a Sintra.

Na estrada que vai dar a Colares, o denominado passeio público de Sintra, o break segue para o hotel Lawrence’s, que se localiza antes da serra. Construído em 1780, é um dos hotéis mais antigos de Portugal e da Europa, e apesar de já ter sido remodelado no interior, a fachada é a original. Sempre serviu a grande aristocracia, e caracteriza-se pela sua fachada amarela e as marcas do passar do tempo. Carlos e Cruges passam pela Lawrence sem lhe dar muita atenção, partindo em direcção a Seteais, pois o maestro não conhecia Sintra muito bem e recordava-se apenas da imponência do palácio. Carlos recebe então um indício da aproximação da mulher que procura: ouve uma flauta, que o leva a pensar que Castro Gomes (suposto marido de Maria Eduarda, que toca esse instrumento) está perto. Passam pela cascata dos pisões, coberta de eras e musgos, e numa nuvem de pó (as estradas não eram cimentadas) aparece Tomás de Alencar, o poeta romântico que fora amigo de Pedro da Maia, pai de Carlos, e que acede a regressar a Seteais com eles, recordando os tempos lá passados (‘E os ais que soltei ali / Não foram sete mas mil!’). Na mesma estrada, em direcção ao palácio, pode observar-se a Quinta do Relógio, antiga residência favorita do rei D. Carlos, agora particular e em remodelação; e a recente Quinta da Regaleira, construída em 1900, que transmite a corrente do Revivalismo, conjuga diversas correntes, como os estilos arquitectónicos manuelino, gótico e barroco, entre outros, e é provida de um intenso carácter esotérico e mítico.

Ao chegarem a Seteais (construído no século XVIII), Cruges sente-se desiludido com o que observa, mas Alencar começa a contar histórias e a recitar poemas que logo revitalizam a beleza de Sintra. Diz este: ‘… tudo em Sintra é divino. Não há cantinho que não seja um poema…’. Alencar, cerca de cinquenta anos, é ultra-romântico, ou seja, representa um tipo de romantismo levado ao extremo, exacerbado, radical, cujo oposto na obra é João da Ega, representante do ultra-realismo, uma iniciação ao Naturalismo. Apesar de opostos e contrastantes, Alencar e Ega mantém uma forte amizade. Carlos, Alencar e Cruges são abordados por burriqueiros, homens que levam as pessoas de burro até ao Palácio da Pena, mas decidem partir primeiro para a Lawrence, Carlos decidido a perguntar por aquela mulher e Cruges decidido a conhecer o tão famoso hotel.

Carlos recebe novos indícios da aproximação de Maria Eduarda: ao perguntar aos burriqueiros que estavam junto à Lawrence por uma família com as características pretendidas, recebe indicações de que uma senhora alta, com um sujeito de barba preta e uma cadelinha, se tinham dirigido à Pena. Ao decidir seguir caminho para o palácio, avista a família da qual os burriqueiros lhe tinham falado: ‘Era, com efeito, um sujeito de barba preta (…); e, ao lado dele, uma matrona enorme (…) e o cãozinho felpudo ao colo’. Mas não era ela. Abandonando os amigos, Carlos questiona o criado do hotel, que lhe diz que ‘… o Sr. Salcede e os senhores Castro Gomes tinham partido na véspera para Mafra…’, e de lá para Lisboa. O criado concede-lhe mais informações, como o facto de ter sido Maria Eduarda a apresar a partida, devido à preocupação com a filha, que ficara em Lisboa. Carlos cai num conflito interior, num monólogo que o leva a colocar questões e a arrepender-se de ter viajado para Sintra apenas no intuito de encontrar uma mulher que desconhecia, mas por quem parecia estar apaixonado. Sente-se frustrado, toma consciência da decadência para que está a ser arrastado por aquela paixão misteriosa: só a vira uma vez, não a encontrara em Lisboa, ‘e ele ali ficava, com aquele olhar no coração, perturbado todo o ser, orientando surdamente os seus pensamentos, desejos, curiosidades, toda a sua vida interior, por uma adorável desconhecida…’. Diz ainda: ‘… a brilhante deusa era também uma boa mamã’, o que o faz gostar ainda mais dela, sublimá-la.

Alencar e Cruges encontram Carlos perdido nos seus pensamentos, e decidem jantar na Lawrence antes de partirem todos para Lisboa. O poeta manda preparar o bacalhau à Alencar. Dirigem-se ao Nunes para pagar a conta, e reencontram Eusébio e Palma com as duas espanholas, a jogar à bisca. O jogo era um passatempo tipicamente burguês, como forma de simbolizar a ociosidade e o individualismo da sociedade. Às nove horas, ao luar, Alencar, Carlos e Cruges entram no break e partem em direcção a Lisboa. Carlos sente-se frustrado por não a ter encontrado, por ela ter partido mesmo a tempo de não se encontrarem. Alencar é o único que parece algo contente, recitando poesia; e Cruges lembra-se, repentinamente: ‘Esqueceram-me as queijadas!’.

A nós não, as queijadas de Sintra não escaparam. O percurso percorrido por Carlos e Cruges, desde o palácio da vila até Seteais, é marcado por uma subida inclinada em direcção à serra, com o Palácio da Pena como guia, no centro da vegetação que concede à vila um ar puro reconfortante em relação à cidade. A viagem circular empreendida, desde Lisboa a Sintra, e até ao regresso a Lisboa, simboliza o ciclo vicioso da vida, o eterno retorno, a impossibilidade de percorrer um caminho que não está escrito no destino, como Carlos encontrar Maria Eduarda em Sintra. Com um guia do percurso que parecia literalmente a reencarnação de Eça de Queiroz, sabendo na ponta da língua toda e qualquer frase da obra, a viagem a Sintra foi fundamental para a compreensão do capítulo VIII e um complemento à leitura do romance.

VISITA GUIADA: Dr. José Manuel Gonçalves, C. M. Sintra.

the biggest movie event of the year

2009-02-23T18:11:00.007Z

This is the biggest movie event of the year because this is the biggest movie event of the year. Disse-o Sid Ganis, Presidente da Academia, e é opinião unânime. Um espectáculo sem igual, que junta as maiores estrelas da actualidade e premeia as que mais se destacaram no ano anterior. Desta vez, a 22 de Fevereiro de 2009, a 81ª Cerimónia dos Óscares da Academia contou com o glamour habitual e muito mais: um novo formato de apresentação de vencedores, um novo apresentador que canta e dança, e um filme que arrebatou oito estatuetas numa noite recheada de emoções. Sem dúvida, uma das melhores cerimónias dos últimos anos. Aqui falarei apenas das principais categorias, pois a esta hora o mais provável é toda a gente já ter consigo uma lista completa dos vencedores da noite.

Primeiro a Red Carpet no canal E! (75 da powerbox), e ver a chegada de actores e realizadores ao Kodak Theatre, em Los Angeles, com a passadeira vermelha a receber vestidos de todas as cores e feitios. Depois a cerimónia integral na TVI, não fosse a TV Cabo dar o berro cerca das 4 horas da manhã, e ter perdido meia hora de prémios, mas regressou para me permitir ver os principais galardões da noite. Toda a emissão – das 23 horas às 5 horas da madrugada – foi munida dos habituais petiscos nocturnos (leia-se bolachas, fatias de bolo e iogurtes), e acompanhada com a maior expectativa e curiosidade.

Hugh Jackman, eleito o homem mais sexy do mundo, correspondeu e superou as expectativas como apresentador da cerimónia. Ele canta, ele dança, ele corre, ele sorri, ele diz piadas, ele encanta. Melhor do que qualquer comediante dos últimos anos (leia-se Jon Stewart, Ellen Degeneres, e outros da mesma laia), teve uma interpretação refrescante, inovadora, tal como toda a cerimóia proporcionada pela Academia. De destacar o fantástico número musical coreografado pelo fantástico Baz Luhrman, uma grande homenagem aos musicais de Hollywood, com a voz melodiosa de Jackman e a colaboração de Beyoncé. O primeiro acto musical merece também destaque, com a participação especial de Anne Hathaway e o bom humor de Hugh Jackman. Para repetir, sem dúvida alguma.

A cerimónia abriu (ao contrário do habitual) com o prémio de melhor actriz secundária, para Penélope Cruz, pelo seu desempenho em Vicky Cristina Barcelona. Agradeceu emocionadamente, questionando o público: ‘Alguém já desmaiou aqui? Porque eu posso muito bem ser a primeira’. Disse ainda que ficava acordada para ver os prémios da Academia, quando era pequena, e sempre achou que ‘esta cerimónia era um momento de união para todo o mundo’ (nesse aspecto concordamos). Agradeceu depois em espanhol, emocionada com o facto de ser a segunda espanhola (desde Javier Bardem no ano passado) a receber um Óscar pelo seu desempenho. Destronou Viola Davis pelo seu (quase) monólogo em Dúvida, e Marisa Tomei em The Wrestler, uma concorrência que se pode considerar forte.

O Óscar mais esperado da noite, e ainda assim um dos momentos mais aguardados da cerimónia, foi o prémio de melhor actor secundário. Sem questões, foi atribuído a Heath Ledger pelo seu overwhelming desempenho em O Cavaleiro das Trevas. Já ouvimos todo o tipo de críticas da boca do mundo, e vamos continuar a ouvi-las, seja porque Heath só recebeu o prémio por ter falecido no ano passado, ou porque a Academia deve premiar os actores vivos para os incentivar, e não os mortos para os homenagear por uma carreira curta. Whatever, Heath Ledger recebeu o Óscar póstumo e foi mais do que merecido, pelo seu extraordinário Joker no filme de Christopher Nolan. Os pais e a irmã de Ledger receberam o Òscar em seu nome, e alguns actores (como Adrien Brody, Kate Winslet e o casal Brangelina) não conseguiram esconder as lágrimas – destaco o discurso da sua irmã Kate: ‘Ambos sabíamos que o que tu criaste no Joker era extraordinariamente especial, e até falámos sobre estar aqui neste mesmo dia. Quem nos dera que estivesses aqui’. True. Quem nos dera…

Um dos melhores discursos da noite foi o de Dustin Lance Black, argumentista de Milk, que venceu na categoria de melhor argumento original: ‘Ouvi a história de Harvey Milk, e ela deu-me esperança. Deu-me esperança para viver a minha vida. Deu-me esperança para um dia poder viver a minha vida abertamente como sou e talvez até apaixonar-me e um dia casar-me’. Disse ainda que queria agradecer a Milk, e que se ele não tivesse sido assassinado, quereria que Dustin dissesse a todos os homossexuais que eram criaturas bonitas, de valor, e que prometesse que teriam direitos políticos iguais. Um discurso político, verdadeiramente do coração, que demonstra que, mais do que profissional, este prémio teve uma dimensão pessoal, íntima, que toca no fundo. Só tenho a dizer que nos trouxe um grande argumento baseado numa grande história verídica, um verdadeiro manifesto a favor da igualdade de direitos, e só pelo brilhante discurso que nos trouxe merece o prémio que recebeu.

Finalmente, seis nomeações depois (incluindo Titanic), Kate Winslet, a diva, uma das melhores actrizes nos dias de hoje, viu consagrada a sua já brilhante carreira, ao ganhar o tão merecido Óscar de melhor actriz principal, pelo filme O Leitor. Nomeada com actrizes como Meryl Streep e Angelina Jolie – uma forte concorrência –, conseguiu destacar-se, tal como nos BAFTA e nos Globos de Ouro, levando para casa o galardão que lhe parecia fugir das mãos há muitos anos. Pena que o amigo Leonardo DiCaprio não tenha estado lá para ver – e pena que não tenha vencido pelo filme Revolutionary Road, do marido, que parece ter sido esquecido nesta cerimónia. Mas enfim. Agradeceu, uma vez mais (como nos discursos a que nos já habituou este ano), emocionadamente: ‘Ok, Penélope, aquela ideia de desmaiar… Estaria a mentir se dissesse que não fiz uma versão deste discurso antes; penso que tinha cerca de oito anos, e estava a olhar fixamente para o espelho da casa de banho. E isto (elevando a estatueta no ar) seria uma garrafa de shampoo. Bem, isto não é uma garrafa de shampoo agora!’. Agradeceu também ao marido, Sam Mendes, a Sidney Pollack e a Anthony Minghella, ambos falecidos em 2008; e quis reconhecer as restantes nomeadas, ‘estas Deusas. Acho que nenhuma de nós consegue acreditar que está numa categoria com a Meryl Streep. (…) Meryl, vais ter que engolir essa!’. Finalmente, at last. Totalmente merecido.

Nas categorias principais de interpretação, restava a aguardada consagração de Mickey Rourke, o renascido das cinzas, pelo seu papel em The Wrestler. Mas às vezes o destino prega-nos partidas, e decerto foi isso que Mickey pensou quando ouviu o nome do grande Sean Penn ser aclamado no Kodak Theatre, o que marcou a maior surpresa da noite. Pela sua interpretação em Milk, Sean Penn ganhou o segundo Óscar da sua carreira, contrariando a tendência de vitória de Rourke nos BAFTA e nos Globos. Quem o viu em The Wrestler diz que merecia. Quem viu Penn como Milk diz o mesmo (e eu encontro-me nesse grupo). O seu discurso foi ainda mais político e um grande manifesto a favor da homossexualidade: ‘Eu não esperava isto, mas quero que fique bem claro, sei como torno difícil que me apreciem com mais regularidade… (…) Temos de ter direitos iguais para toda a gente. (…). Mickey Rourke eleva-se de novo e é o meu irmão’. Merecido, for sure.

Mais aguardada não podia ser também a consagração de Slumdog Millionaire como o melhor filme do ano, e de Danny Boyle como o melhor realizador, deixando para trás David Fincher e o seu maravilhoso Benjamin Button, grande perdedor da noite (quando tinha 13 nomeações). Boyle afirmou ‘Que bonito espectáculo fizeram. Não sei o que parece na televisão, pessoal, mas na sala, é totalmente fantástico’. Agradeceu e pediu desculpa ao coreógrafo da dança final do filme, que esqueceu nos créditos, e mostrou-se emocionado com o seu primeiro Óscar. Só espero que o facto de ter ganho oito estatuetas não o faça desaparecer, ser esquecido da história do cinema, pois as vitórias não incluíram interpretações, foram na sua maioria categorias técnicas. E porque é um filme bloody wonderful, damn.

Em lugar da habitual apresentação dos vencedores deste ano por parte dos vencedores do ano passado, a Academia decidiu inovar e partilhar os vitoriosos com o público através do aparecimento de cinco anteriores vencedores, que apresentaram os nomeados e desvendaram os mistérios. Para quem dizia que a cerimónia seria mais curta do que as anteriores, devido à falta de popularidade televisiva, o espectáculo estendeu-se bastante, para além das quatro horas e meia habituais. E nós agradecemos, porque foi a melhor cerimónia de Óscares que já vi. Peculiar, refrescante, emotiva, recheada de tudo e de nada. Abençoado Carnaval e respectivas férias, que nos permitiram aguentar a noite inteira sem pregar olho e recuperar do sono esta manhã. Podia ter sido ainda maior, que nós continuaríamos a ver. E tenho de deixar aqui um agradecimento especial a leitores e redactores da revista Red Carpet que, num chat que durou a madrugada inteira, me acompanharam nesta maratona de Óscares, entre previsões de vencedores e discussões de merecimentos ou não. Para repetir em 2010, sem dúvida. Tudo.

Em nome da LIBERDADE

2009-02-22T20:00:00.001Z

A Revolução de 1820 revelou-se inevitável face à situação política, económica e social do reino no século XIX: as invasões francesas, a dominação inglesa, a permanência do rei no Brasil, a elevação da principal colónia a reino, o tratado de comércio com Inglaterra, a abertura dos portos brasileiros ao comércio internacional, a decadência da indústria e a grave crise financeira que o país atravessava, bem como a organização anacrónica da sociedade, nas vésperas da revolução, favoreceram o desfecho da situação. Todos estes factores levaram ao descontentamento geral e ao consequente movimento liberal.

A Revolução de 1820 e o vintismo instalaram o liberalismo constitucional em Portugal, pela primeira vez, na primeira metade do século XIX. Foi um movimento revolucionário, progressista, e registou uma evolução da mentalidade da época. Apesar de o liberalismo ter enfrentado algumas dificuldades para se afirmar e consolidar no reino, com as tentativas de regresso ao absolutismo e a guerra civil entre absolutistas e liberais, o vintismo exerceu uma influência revolucionária, particularmente a nível político, que prevaleceu sobre o tempo e sobre qualquer tirania.

Encontram-se semelhanças entre a situação política (conjuntura) anterior à revolução de 1820 e à revolução do 25 de Abril de 1974. No século XIX, em Portugal, o governo – na altura liderado por Beresford e pelo exército britânico – exercia sobre a Nação uma autoridade repressiva, num regime ditatorial, tal como António de Oliveira Salazar actuou durante os cerca de quarenta anos que durou o Estado Novo. Outros factores condicionaram a situação do país e favoreceram ambas as revoluções, mas tiveram este facto como ponto de partida para uma revolta política. Ambas, igualmente, tiveram um carácter militar: foram pronunciamentos do exército que, observando o descontentamento geral e a opressão do povo, decidiu actuar pela sua libertação. Em 1820, os liberais vintistas fizeram-no pela primeira vez, acabando com o Antigo Regime e consolidando os princípios iluministas que tinham proliferado pela Europa. Em 1974, o exército voltou a fazê-lo, restituindo as liberdades de expressão, de consciência, e a igualdade a todos os portugueses. Noutro aspecto coincidem: a pacificidade – nenhuma delas pretendeu atingir a liberdade através da força, não havendo derramamento de sangue.

Na sequência da revolução liberal, as Cortes redigiram uma Constituição que garantia as liberdades da Nação e consagrava os princípios fundamentais do liberalismo; e o mesmo aconteceu após o 25 de Abril de 1974 – foi redigida a Constituição da República Portuguesa de 1976. Embora num contexto republicano (e não monárquico), esta Constituição (que está actualmente em vigor em Portugal) recuperou os princípios liberais do vintismo, restaurando a liberdade em Portugal. Como refere o seu próprio preâmbulo, «A Revolução restituiu aos Portugueses os direitos e liberdades fundamentais.». Estes princípios são, hoje em dia, considerados vulgares, indubitáveis, aceites como válidos, e inalienáveis à condição humana (numa perspectiva ainda mais democrática do que na época da Revolução de 1820), algo que, antes do século XVIII, seria totalmente impensável. A revolução liberal foi, então, fundamental para a consolidação do liberalismo em Portugal, e sem dúvida um ponto de viragem na nossa história.

O 'rafeiro' milionário - Slumdog Millionaire

2009-02-08T10:48:00.010Z

Jamal Malik está a uma pergunta de ganhar vinte milhões de rupias. Como conseguiu chegar até ali? A: Sorte; B: Batota; C: Inteligência; ou D: Destino? O apresentador da versão indiana de Quem Quer ser Milionário? acredita na hipótese B:, e Jamal é levado pela polícia por suspeita de fraude. De modo a justificar o facto de saber responder a todas as perguntas que acertou, Jamal começa a contar a história da sua vida: como ficou órfão, sozinho com o irmão; como conheceu Latika e se apaixonou por ela; como foi parar àquele programa e porque ali está. Jamal, dezoito anos, estava a poucas horas de se tornar milionário. E a única coisa que lhe interessava era encontrar a rapariga que amara e perdera.

Jamal não teve uma vida fácil; cresceu nos bairros de lata de Bombaim, e após a morte da mãe, fugiu com Salim, o seu irmão mais velho, para conseguirem sobreviver. Conheceram Latika, uma criança igualmente órfã, e juntos tornaram-se os três mosqueteiros, inspirados no livro de Alexandre Dumas. Foram obrigados a crescer depressa, a aprender a viver mais cedo do que o normal. Por força do destino, Jamal e Salim acabaram por partir e deixar Latika para trás, voltando a reencontrá-la uns anos depois. Dessa vez, foi Jamal quem abandonou a companhia de Salim e Latika, encontrando-se agora, com dezoito anos, a trabalhar como assistente num call centre. É através do sistema informático que reencontra Salim, na esperança de voltar a ver Latika. E inscreve-se no concurso de modo a conseguir ficar com ela, pois sabia que ela estaria a ver. E estava mesmo.

Salim e Jamal eram duas pessoas completamente diferentes. Criados no mesmo meio, sobreviventes das mesmas guerras e situações, tornaram-se seres humanos com características totalmente opostas. Jamal era um rapaz simples, tímido, apaixonado, emotivo, determinado. Nunca pretendeu mais do que sobreviver e encontrar Latika, o amor da sua vida. Salim era ganancioso, altivo, controlador. A necessidade de sobrevivência levou-o ao materialismo e ao desprezo do passado. Mas Jamal, Salim e Latika não deixavam de ser os três ‘rafeiros’ de Bombaim, os três amigos que tinham partilhado experiências de vida dramáticas e inesquecíveis. E isso funcionava como um elo interno, inquebrável, que conduziu ao desfecho do enredo.

O romance entre os protagonistas Jamal e Latika, brilhantemente interpretados por Dev Patel e Freida Pinto, reúne todas as características de um romance juvenil vulgar, como a impossibilidade de ficarem juntos, a amizade em crianças, as coincidências do destino e a luta pela ultrapassagem de todas as barreiras. Mas consegue conter muito mais do que duas pessoas apaixonadas. As personagens viveram algo que as uniu para sempre, momentos das suas vidas que não conseguiriam esquecer, mesmo que tentassem. Para além de toda a vulgaridade aparente, temos duas pessoas que sobreviveram juntas, que precisavam da companhia da outra para poderem ser felizes, que nunca desistiram de se encontrar. E esse é o ponto alto de um amor que nunca se concretizou até ao momento final do filme, mas que é a base de toda a história.

Alternando entre os momentos mais dramáticos e os mais divertidos da vida de Jamal, o filme é especialmente enérgico e bem-disposto em duas situações específicas protagonizadas pelos dois irmãos. No início do filme, as primeiras gargalhadas espalharam-se pela sala de cinema com a ideia de Jamal, fechado numa casa de banho arcaica em Bombaim, de saltar para dentro de uma poça de dejectos humanos de modo a conseguir um autógrafo do seu actor favorito. A segunda chegou com Salim, depois de ambos terem encontrado, por um acaso, o Taj Mahal, que pensaram ser um hotel, e fingirem-se guias turísticos, inventando histórias e enganando os turistas com informações falsas. Estes momentos, para além de equilibrarem o drama retratado, mostram a realidade do ambiente pobre da Índia em contraste com a Índia turística e histórica.

Torturado e interrogado pelas autoridades, Jamal conta tudo isto ao inspector que lhe vai mostrando, simultaneamente, a gravação do programa do dia anterior, que terminara com a dúvida: irá Jamal atingir os vinte milhões de rupias e ser o primeiro concorrente do Quem Quer ser Milionário? a levar para casa o prémio máximo, quando nenhum outro mais instruído e inteligente o conseguiu? Para cada uma das respostas, Jamal tem uma justificação – de forma impressionante, apercebemo-nos de que a vida daquele jovem, a sua experiência, é a única inteligência e o único conhecimento que tem. Numa realização independente e criativa de Danny Boyle, vamos do presente ao passado num fechar de olhos, através de flashbacks incrivelmente bem construídos, e conhecemos a história de Jamal, o ‘rafeiro milionário’.

O final, embora previsível, encerra uma singularidade digna de Slumdog Millionaire, uma emotividade esperada mas necessária para completar o romance. Jamal caminha pela estação vazia, em direcção a Latika, a única razão de todo o seu sofrimento e da sua nova conta bancária. Um jovem pobre, com um passado dramático, foi a um concurso de televisão, pôs em êxtase milhões de indianos, que pararam nas ruas e em frente aos televisores para verem se conseguiria tornar-se milionário, e encontrou o amor da sua vida. Mas o entretanto, todas as histórias e momentos que levaram a esse desfecho, tornam este Slumdog Millionaire um filme maravilhoso e invulgar. E a banda sonora de A.R. Rahman, nomeada e provável vencedora de Óscares, completa a visão oriental que os espectadores devem ter desta grande obra de entretenimento, cujo principal objectivo parece ser obrigar os espectadores a acreditarem no destino. E consegue-o.

Slumdog Millionaire é o oposto dos filmes que estamos habituados a ver e criticar. Não tem nada de convencional ou comercial; pretende apenas entreter e mostrar a realidade da vida nos bairros pobres de uma Índia cada vez mais ocidentalizada. Literalmente, põe ‘tudo a nu’. Conjuga a informalidade e naturalidade de Jamal, um rapaz que sempre lutou para sobreviver, com a modernidade e popularidade de Quem Quer ser Milionário?, um concurso televisivo conhecido por milhões de pessoas, em todas as partes do mundo, e com um impacto invulgar (pelo menos a nível nacional) sempre que um concorrente está numa maré de sorte. Apetece entrar no jogo e estar no lugar de Jamal, na cadeira do programa, prestes a acertar ou errar. Apetece marcar as hipóteses, adivinhar as respostas e ajudar Jamal a encontrar Latika. Apetece, até, rever os programas apresentados por Jorge Gabriel e descobrir se, entre os concorrentes, por detrás de cada rosto, não existe uma história fantástica como a de Jamal para contar ao mundo.

Num ritmo intenso e cativante, Danny Boyle leva-nos através de uma história original e emocionante, que constitui um filme maravilhoso e verdadeiramente arrebatador. Maioritariamente falado em indiano, não deixa de ser um filme ocidental e hollywoodesco, embora seja uma verdadeira pérola de criatividade e magia. E a língua natural dá-lhe um carácter mais real e autêntico. Um elenco desconhecido e um realizador europeu acabaram por criar um dos melhores filmes deste início de ano, incomparável a todos os outros, que se encontra nomeado para dez categorias nos Óscares, e é um provável candidato à vitória. Quem diria?

D: It’s written. É o destino.

As frases:
- When somebody asks me a question, I tell them the answer.
- Maybe it's written.

Desejo de mudança - Revolutionary Road

2009-02-02T14:16:00.005Z

Nos anos 50, April e Frank Wheeler são um casal modelo para a vizinhança, que os considera especiais. Dois filhos, um casamento de revista, um marido que trabalha na cidade e sustenta a família, e uma mulher que fica em casa a tratar das lides domésticas. Mas não são um casal especial, nem feliz. Pelo contrário. Ambos abandonaram os sonhos que tinham para seguirem o que estava correcto, o que todas as outras pessoas faziam: casar, ter filhos e assentar, ainda que isso significasse um emprego que não agradava a Frank e uma cada vez maior incompatibilidade entre eles. Numa rotina que os levava a discussões constantes, April e Frank decidem partir para Paris e começar uma vida nova, na qual April trabalharia para sustentar a família e Frank teria tempo para descobrir o que queria fazer. A proposta irrealista de April é abalada por uma conjuntura desfavorável à realização do plano: um novo filho está a caminho, e Frank é impelido pela sociedade da época a permanecer no conformismo e assumir o papel de trabalhador na família. Contudo, April continua a desejar uma mudança, algo que a faça, de novo, querer viver.

Não há muitos filmes como este. Consome-nos por dentro, faz-nos querer abandonar a sala ao primeiro aviso, à primeira discussão, ao primeiro indício de que será difícil aguentar, uma vez intrometidos no drama. Mas não conseguimos fazê-lo, por mais que tentemos escapar; sentimos necessidade de aguentar até ao fim e torcer por Frank e April, pela consolidação da mudança tão desejada por ambos, pela felicidade daquela família que parece à beira da ruína, porque nos afeiçoamos a eles. É um filme perturbador, sufocante, particularmente nas discussões entre os protagonistas, num ritmo alucinante, durante as quais levamos o nosso olhar a um, depois a outro, e assim sucessivamente, tentando encontrar um equilíbrio entre eles. Essa foi a grande falha naquele casamento: Frank e April não conseguiram encontrar um equilíbrio entre o que ela queria e o que ele queria, entre o que estava correcto e o que estava errado, entre o que era real e o que não o era. Como April refere a certa altura, caíram na mesma ridícula ilusão de que tinham de se conformar naquela vida a partir do momento em que os filhos nasciam. E a rotina deu cabo deles. A rotina e o facto de ambos, em especial April, quererem quebrá-la a todo o custo.

Frank e April amavam-se. Há quem diga que não tinham muito em comum – os seus ideais de vida eram bastante diferentes. Mas amavam-se, e isso devia ser suficiente. Em contrapartida, o casal vizinho e amigo, os Campbell, invejavam a sua felicidade modelo. Shep, marido de Milly, gostava de April desde sempre, mas tanto ele como a esposa se adaptaram à rotina, às regras da sociedade, a uma vida monótona e sem significado. E sobreviveram aos desejos de mudança, de recomeço. Sobreviveram e, provavelmente, conseguiram ser felizes. Os Wheeler não.

A sociedade e a época também não ajudaram. Frank sentia que, como homem de família, tinha de trabalhar para sustentar April e os filhos, e isso implicava cometer o mesmo erro que o pai cometera e acabar por fazer algo que odiava. A proposta de April, a mudança para Paris, deu-lhe algum alento, mas depressa se apercebeu de que seria impossível concretizá-la. Não podia ser sustentado pela mulher e ficar em casa sem fazer nada. Ainda por mais, tinha sido promovido no emprego, e receberia um salário mais confortável. Por seu lado, a ideia de mudar de lugar, fosse para Paris ou qualquer outra cidade, significava para April um recomeço, uma nova oportunidade para seguir os seus sonhos e, especialmente, para Frank seguir os seus, o que a faria ainda mais feliz. Quando as coisas não correram como planeado, a necessidade de mudar manteve-se lá dentro, escondida, e a pressão da rotina era simplesmente demasiada.

Os Wheeler precisavam urgentemente de uma mudança, e procuraram-na fora do casamento. Frank teve um caso amoroso com uma secretária, no emprego, e April deixou-se levar por Shep. É curioso observar o arrependimento de Frank ao chegar a casa, após ter estado com Maureen, e ser surpreendido por April e os filhos a fazerem-lhe uma festa de anos casual e acolhedora. Tudo o que acontecera naquela tarde, aquela tão desejada fuga à rotina, acabou por servir apenas para se sentir mal consigo próprio por ter traído a família, por ter tentado fugir dos problemas em lugar de os tentar resolver ou, neste caso, ignorar, como April fizera. April tentava apenas remediar tudo o que estava a acontecer entre eles; tentava fazer com que sobressaísse o amor existente entre eles, e não os pontos em que discordavam.

Neste contexto aparece uma personagem, John Givings, um homem que está internado num instituto psiquiátrico e se assume como voz do subconsciente, que diz tudo o que há para dizer mas não deve ser dito. É, entre eles, o homem mais são, mais puro, que retira a cortina e descobre a verdade, os problemas do casal e as suas aspirações. Provocou alguns risos na assistência, mas todas as suas palavras foram encaradas por April e Frank de forma pesada e incrédula. Afinal de contas, John parecia conhecê-los melhor do que eles próprios, e isso punha tudo a limpo e assustava-os.

Uma das cenas mais intrigantes do filme é o pequeno-almoço entre April e Frank, após a maior discussão que tiveram durante toda a película. April afirmara que odiava Frank, que precisava de pensar, que não sabia o que fazer. Frank tentara falar com ela, mas preferira deixá-la em paz e esperar. Só no dia seguinte, naquela derradeira manhã, voltam a trocar palavras. E April age como se nada fosse, como se estivesse tudo bem entre eles. Tomaram um pequeno-almoço perfeitamente normal, como uma família feliz; conversaram sobre a nova função de Frank no emprego e April disse-lhe, à saída, que não o odiava, como dissera antes. Conseguimos até ouvir um silencioso «I love you» entre eles. E afinal tudo não passava de uma ilusão. April continuava com um desejo incrível de mudar, e Frank nem sequer se apercebeu disso. Nem nós, espectadores.

É realmente um filme fantástico. Singelo, sem esforços para ser bonito, real, tratado com a naturalidade necessária. Quase terrível. Trágico, quase como nas tragédias clássicas, com alguns momentos mais subtis, incluindo a cena final. Sam Mendes fez um trabalho louvável com uma história que, à partida, não tem muito para dar numa adaptação cinematográfica. Adaptou com precisão o romance de Richard Yates, captando a sensibilidade dramática da história. Criou um filme que tem tanto de belo como de monstruoso, e através de uma reconstrução épica fiel e exacta, realizou um dos melhores filmes do ano, até agora.

Para o conseguir, contou com a colaboração de dois dos melhores actores da actualidade, a sua esposa, Kate Winslet, e Leonardo DiCaprio. Amigos de longa data, com uma relação fantástica na vida real e uma química estrondosa no grande ecrã, deixaram para trás qualquer ligação a Titanic, desta vez num registo ainda mais dramático e sincero. Kate e Leo são ambos perfeitos para os papéis. Eles fazem o filme, sem tirar nem pôr. Conseguem criar um ambiente mundano à volta das personagens, uma atmosfera de tensão e, ao mesmo tempo, de grande afeição entre Frank e April. Toda a história se baseia na relação entre eles, nas suas expressões, nas suas discussões e momentos de esperança. Sem eles, não teríamos o Revolutionary Road que temos. De destacar ainda Michael Shannon no papel de John Givings, que conseguiu uma nomeação para os Óscares. De resto, o filme de Sam Mendes foi esquecido pela Academia, tal como o seu brilhante realizador e os seus grandes protagonistas. É pena, porque merecia muito mais. E Kate Winslet tinha razão ao dizer, no seu discurso de agradecimento pelo Globo de Ouro ganho sobre este filme, que DiCaprio merecia igualmente um prémio pela sua interpretação. São ambos espantosos.

Thomas Newman fez também um excelente trabalho com a banda sonora, harmoniosa e, ao mesmo tempo, provocante. Começando por retratar, de uma forma muito breve, a primeira troca de olhares entre April e Frank, e a sua primeira conversa, Sam Mendes constrói o filme mostrando a sua relação sete anos após o casamento, com alguns flashbacks ao passado, que podiam ter sido prolongados por todo o filme, mas que se ficaram pela primeira parte. É o único pormenor que há a criticar.

Revolutionary Road é um filme sobre as relações humanas, o casamento, o desespero, o amor, homens e mulheres, a vida, a sociedade dos anos 50, a rotina e a necessidade de mudança, de algo novo. April e Frank Wheeler precisavam de uma revolução nas suas vidas, na sua relação, como indicava o nome da estrada onde viviam. Ao longo de duas horas, tentamos ajudá-los e incentivá-los a encontrar essa mudança, a encontrar uma forma de melhorar as coisas e encontrar a felicidade onde ela parecia não existir mais. Um drama intenso com muito mais do que um simples homem e uma simples mulher a tentarem sobreviver a uma relação. Um filme para pensar e repensar; para ponderar e mastigar. Um filme para relembrar, quanto mais não seja porque serve de lição e de exemplo para todas as relações humanas: por um lado, não queremos que algo semelhante nos aconteça, e o filme serve de modelo negativo; por outro lado, é um exemplo de algo que pode acontecer numa relação, e alerta para a rotina criada entre duas pessoas. Um filme para não esquecer.

O melhor: Kate e Leo, Sam Mendes, e a complexidade da história
O pior: o cessar dos flashbacks, a uma certa altura do filme, e a tragédia que sentimos quando abandonamos a sala de cinema

As frases:
- Hopeless emptiness. Now you've said it. Plenty of people are onto the emptiness, but it takes real guts to see the hopelessness.
- We can be happy here. I can make you happy here.
- Look at us. We’re just like everyone else. We got into the same ridiculous delusion, this idea that you have to settle down and resign from life.

O Poder da JUSTIÇA

2009-01-24T14:57:00.003Z

A justiça portuguesa é um tema de grande controvérsia. Processos arquivados precocemente, outros arrastados por muito tempo e sem resolução à vista. Falta de provas e excesso de testemunhas, que muitas vezes não dizem a verdade. Ou seja, demasiadas acusações e pouco tempo para as processar; demasiados julgamentos e poucos meios para fechar os casos. As coisas não funcionam tão rápida e eficazmente como nos filmes e séries, nem correm sempre de forma tão organizada e favorável às partes envolvidas. Em Portugal e no mundo real, os tribunais fazem os possíveis para dar conta de todos os processos judiciais, mas a burocracia e o exagero de processos tendem a complicar a tarefa dos funcionários. O Tribunal de Sintra é um desses locais, onde se procura exercer o mais correctamente possível a autoridade judicial da nação. O lema DOMVS IVSTITIAE ilustra a frente do edifício moderno. Lá dentro, faz-se justiça. Ou, pelo menos, tenta-se.

O Tribunal de Sintra é um edifício imponente no qual se tratam todo o tipo de processos, nomeadamente infracções criminais e cíveis. Os processos judiciais são guardados em papel, embutidos dentro de dossiers e organizados em grandes prateleiras, aos milhares, nos escritórios dos funcionários do tribunal. Alguns deles estão a ser julgados naquele preciso momento, outros tiveram uma sorte diferente e estão arquivados ou já fechados por meio de acordo. Qualquer pessoa pode entrar num tribunal e assistir a um julgamento, desde que este esteja a decorrer à porta aberta, e desde que avise na recepção para que piso e julgamento se dirige. O primeiro piso do Tribunal de Sintra concentra os julgamentos de carácter criminal, como furtos, homicídios ou negligência, mais intensos. É o mais movimentado, onde se reúne uma maior confusão e ruído. No segundo piso, mais calmo, encontram-se os julgamentos do cível, ou seja, de carácter civil, como acções contra empresas, pedido de indemnizações, entre outros.

Assistir a um julgamento – na pele de espectador

Assistir a um julgamento na qualidade de mero espectador é algo que acarreta um certo entusiasmo, não só por se assemelhar, de certa forma, ao que estamos habituados a conhecer através da televisão, mas também porque nos dá uma sensação de presenciamento da justiça nua e crua, mesmo à frente dos nossos olhos. Entramos na sala do tribunal com passos curtos, tentando não produzir um único som que anuncie a nossa presença. Ao entusiasmo junta-se algum nervosismo, quando nos sentamos nas cadeiras de plástico e começamos a observar as pessoas à nossa volta: os dois advogados que vão defender as suas partes, e que já se encontram sentados, um de cada lado, à espera da chegada do juiz que presidirá ao julgamento; e alguns outros indivíduos que entretanto se juntaram na assistência.
Naquele preciso dia, a juíza entrou na sala, e todos os restantes se levantaram num tradicional sinal de respeito. O processo em causa, relativo ao cível, tratava de um pedido de remuneração, por parte de uma empresa de publicidade, a uma mulher já idosa, dona de uma pensão. Segundo se contou, um empregado da empresa dirigiu-se ao estabelecimento, e a indivídua, chamemos-lhe Maria, assinou um contrato de publicidade. A ré afirmou ter percebido que, ao assinar o contrato, estava a rejeitar os serviços daquela empresa, e não o oposto, por isso não pagou o valor devido pelo serviço prestado. A empresa, por conseguinte, processou a dona da pensão, exigindo-lhe cerca de setecentos euros, mais juros e prejuízo. A senhora Maria não aceitou o acordo proposto pela acusação – a primeira tentativa de resolução de um processo é sempre através de um acordo que agrade ambas as partes – e o caso foi então a julgamento.
Antes de começar a ouvir as testemunhas e resolver o processo, a juíza relembrou a ré de que podia sair prejudicada do julgamento, pois não tinha um caso muito consistente e de fácil credibilidade nas testemunhas. Afinal de contas, o contrato continha a sua assinatura, e a sua única defesa aparente – desconhecendo testemunhas e outros factos – era a sua palavra. A juíza, a quem todos se dirigem por ‘Senhora Doutora Meritíssima’, tentou ser imparcial no aviso que deu à ré, que continuou a afirmar não ter o dinheiro necessário para pagar à empresa. Numa última tentativa de chegar a acordo, o advogado de acusação propôs um valor a pagar mais baixo do que o já referido, e abandonou a sala para efectuar um contacto telefónico com o seu constituinte, ausente do tribunal, de modo a discutir o valor proposto.
O advogado de defesa rodava cuidadosamente a aliança que tinha no dedo, nervoso e ansioso quanto ao resultado daquela conversação de última hora, em lugar do julgamento. Quando regressou com a aprovação do seu constituinte e voltou a propor o valor mais razoável à ré, e enquanto esperava uma resposta definitiva da defesa, o advogado de acusação abanava distraidamente o pulso para conseguir destapar o relógio e ver as horas, um pouco impaciente com a indecisão da senhora Maria. A própria juíza queria uma decisão final, para saber se as partes conseguiam ou não chegar a um acordo; para saber se tinham ou não de ir a julgamento, como estava previsto.
A ré acabou com a indecisão e propôs uma ideia à acusação, que aceitou sem demoras. Pagaria os mil duzentos e cinquenta euros, o valor mais baixo proposto pela empresa de publicidade, em cinco prestações mensais de duzentos e cinquenta euros. Chegando assim a um acordo, o julgamento não foi realizado; a juíza abandonou a sala, após redigir o veredicto final – de novo o ritual ‘levantar, sentar’ -; os advogados tiraram as batinas pretas que tinham vestidas; e o auditório dispersou-se pelo tribunal.
Nunca se saberá a verdade. É o que acontece, muitas vezes, quando são feitos acordos: a verdade pode não ser totalmente desvendada. Neste caso específico, a senhora Maria não parecia a pessoa mais inocente do mundo; tinha um ar nervoso, triste, mas também um pouco astuto. Pode ser apenas uma suposição, mas era o que aparentava. Uma vez mais, digo-o: nunca se saberá a verdade. Podia ser inocente ou culpada. A única coisa que sabemos é que aceitou o acordo, e que assim se fechou um dos muitos processos do Tribunal de Sintra.

Julgar um processo – na pele de juiz

Não é fácil ser-se juiz. Primeiro, tem de se ser imparcial, ainda que se tenha uma opinião formada anteriormente, acerca de um processo ou assunto específico. Tem de se ouvir as partes, as testemunhas, os réus, os advogados, os argumentos e os factos, para se poder julgar. É assim em tudo, não só nos tribunais. Depois, um juiz tem cerca de quatro mil processos acumulados para julgar. Só consegue atender dois a três por dia, e por dia entram também vinte a trinta novos processos. Para além de julgamentos, ainda tem outras responsabilidades, e perde algum do seu tempo a ler e reler os processos que tem a tratar. É impossível dar conta de todos. Quem o diz é uma das muitas juízas do Tribunal de Sintra.
Com pouco mais de trinta anos, a Senhora Doutora Meritíssima Joana (chamemos-lhe assim) é já uma juíza importante e respeitada no tribunal. Presidiu o julgamento que assistimos, de carácter cível, simpática com a assistência, imparcial e atenta às conversações das duas partes. Um juiz não pode ter uma grande vida própria – é a doutora que o diz -, pois não trabalha apenas durante o horário laboral. Muitas vezes, tem de levar trabalho para casa, passar horas e horas de volta de processos, e não lhe resta muito tempo para outras coisas. Tem de gostar realmente do que faz, pois ser-se juiz é um compromisso, é uma forma de ter autoridade para julgar pessoas e situações, e um juiz precisa obrigatoriamente, para além da competência necessária, de assumir a responsabilidade que a função acarreta.

O sistema judicial português está ainda atrasado e é constantemente alvo das mais diversas críticas. Em Portugal, diz a senhora juíza, há falta de juízes; os processos pendentes existem em grande número, e são necessários muitos e bons advogados que se preocupem com ‘fazer justiça’. No Tribunal de Sintra, como em todos os outros, tenta-se ao máximo tratar os processos e resolvê-los com o máximo de justeza possível. Afinal de contas, é para isso que servem os tribunais, advogados e juízes: para fazer justiça. E o poder da justiça é exercido da melhor forma que se consegue.

A magia de Benjamin Button

2009-01-18T20:38:00.020Z

What if I told you that instead of gettin' older, I was gettin' younger than everybody else?

David Fincher já nos habituou a um tipo de cinema memorável, com características próprias e pernas para andar durante muitos anos sem perder a consistência e a magia, como Seven (1995) ou Zodiac (2007). Mas nenhum dos seus filmes se pode comparar a esta história fantástica e bizarra de um homem que vê a vida e o tempo passar ao contrário, argumento escrito por Eric Roth. Baseado num conto de F. Scott Fitzgerald, datado de 1921, O Estranho Caso de Benjamin Button segue a vida de um homem, Benjamin, que nasce velho e começa a rejuvenescer à medida que cresce, ao contrário de todas as outras pessoas. Em 1918, abandonado à nascença pelo pai, é encontrado por uma mulher que o recebe de braços abertos no seio de um lar de terceira idade. Benjamin atravessa uma infância difícil para um homem de cerca de oitenta anos: cresce junto a pessoas idosas, aparentemente iguais a si próprio, e apaixona-se por Daisy, a única criança que é capaz de o ver para além da velhice aparente. À medida que vai crescendo, Benjamin conhece pessoas e perde outras, começa a ficar mais novo e a trabalhar no alto-mar. Passa pela Rússia, onde conhece Elizabeth, o seu primeiro amor, e regressa mais tarde a Nova Orleães para reencontrar Daisy, já uma mulher e bailarina profissional. Acabam por se encontrar a meio, quando têm aparentemente a mesma idade, e vivem um romance que poderia durar para sempre, não fossem as leis da natureza e o estranho caso de Benjamin. Acompanhamos esta história a partir de um diário de Benjamin que Caroline, filha de Daisy, lê à mãe já no século XXI, no dia em que o furacão Katrina destrói Nova Orleães; e da narração do próprio personagem ao longo de todo o filme.

Benjamin Button atravessa a Segunda Guerra Mundial, a ascensão dos Beatles, o início da vida cosmopolita de Nova Iorque, cada vez mais novo mas também mais experiente. Conhece a vida ao contrário, começando por experimentar a velhice a acabando a experimentar ser criança. Brad Pitt interpreta este homem diferente que tem de enfrentar uma vida invulgar, surpreendente enquanto idoso, e encantador e inocente enquanto jovem. Partilha o ecrã com Cate Blanchett no papel de Daisy, numa interpretação segura e profunda. Juntos, protagonizam os momentos mais belos do filme, encontrando uma química que não tinha sido conseguida em Babel (2006). Vivem um amor possível durante aqueles escassos anos em que têm a mesma idade, mas impossível a partir do momento em que ela começa a envelhecer muito e ele a rejuvenescer muito. Por isso, queriam recordar-se um do outro como estavam naquele momento exacto, que talvez tenha sido a única coisa que durou para sempre, através da sua filha Caroline.

A melhor sequência do filme é encontrada na narração de Benjamin do acidente de Daisy, que acabou com a sua carreira de bailarina. Fincher foi buscar uma cadeia de acontecimentos que levaram à ocorrência daquele acidente, na qual se um desses factos se tivesse processado de forma diferente, talvez Daisy não tivesse sido atropelada. De forma genial, entramos na dinâmica do filme e somos absorvidos pelas cores quentes que transmitem a antiguidade da história e pelas belas e tranquilas paisagens que caracterizam as épocas retratadas. De realçar ainda a fantástica caracterização, tanto de Pitt como de Blanchett, que lhes permitiu viver as personagens nas diversas fases das suas vidas e interpretá-las com mais credibilidade; a banda sonora composta por Alexandre Desplat, amena e luminosa, que acompanha todo o filme; e alguns momentos mais leves e alegres, que dão equilíbrio ao drama retratado.

Foi a primeira vez que senti lágrimas prestes a caírem dos meus olhos, a ver um filme, no cinema, numa sala cheia de gente petrificada com o que acabara de ver. Não pela beleza da história ou do filme em si; antes pelo peso afectivo que tem sobre Benjamin e nós próprios, espectadores. A dor de ver partir todas as pessoas à sua volta, de sentir que está a tornar-se numa criança saudável à medida que todos os que ama começam a desaparecer. A dor de abandonar Daisy apenas porque não pode dar uma melhor vida à sua filha, porque não pode envelhecer com ela e morrer com ela; porque acabará por morrer como uma criança e ela merece mais do que isso. A dor de, numa primeira fase, nascer e crescer como uma pessoa idosa e amar Daisy como criança; e, numa segunda fase, morrer como um bebé nos braços de uma Daisy já idosa, não se recordando de toda uma vida que passara e deixara para trás, a não ser quando a olha nos olhos uma última vez.

Cada pessoa verá esta história com olhos diferentes, e sentirá de forma diferente o que ela transmite, pois o que verdadeiramente importa é o que se sente durante a visualização do filme. Mas é do senso comum a sua essência mágica, a profundidade que atinge, a emoção que transmite a cada frame, a cada momento. Não pode ser contado; tem de ser visto para ser acreditado. E a verdade é que acreditamos em tudo o que vemos. Encontramos uma nova forma de encarar a vida e a morte, o envelhecimento e o passar do tempo, como se, em vez de andarem para a frente, os ponteiros do relógio seguissem na direcção contrária. Mas parar, não se consegue parar o tempo.

Durante quase três horas, atravessamos cerca de oitenta anos da vida invulgar de Benjamin Button, praticamente sem darmos por isso, sem querermos que a experiência acabe, tentando ao máximo prolongar aquele momento. É um épico fantasista sobre o amor, a vida e a morte, o destino, os milagres, a diferença, a experiência, a dor, mas consegue ser também uma história real que nos toca bem no fundo. As expectativas eram elevadas, mas este O Estranho Caso de Benjamin Button conseguiu superá-las. É uma obra extraordinária – não só pelo argumento único como pela realização inteligente e serena de Fincher – que ficará para a história e se tornará, sem dúvida, num clássico do cinema. É intenso, mágico, brilhante, perfeito, único, em todos os aspectos. Não resta nada para dizer, senão que há coisas que duram para sempre, e este filme é uma delas.

O melhor: A magia e originalidade da história, a perfeição da sequência narrativa e um Brad Pitt versátil.

O pior: Ter apenas três horas de duração... As diferentes etapas da vida de Benjamin foram perfeitamente colocadas na linha temporal do filme, mas se ocupassem mais tempo, a experiência seria mais longa…

As frases:
- We're meant to lose the people we love. How else would we know how important they are to us?
- You never know what's comin' for ya.
- Our lives are defined by opportunities, even the ones we miss.
- I hope you live a life you're proud of. If you find that you're not, I hope you have the strength to start all over again.
- I was thinking how nothing lasts, and what a shame that is.

Globos de Ouro 2009

2009-01-12T14:17:00.016Z

Numa gélida madrugada de lua cheia, 11 de Janeiro de 2009, cerca da uma hora da manhã em Portugal, dirigimo-nos uma vez mais para o aconchegante sofazinho da sala, com o habitual pacote de bolachinhas e o copinho de sumo a acompanhar, e ligámos a televisão para assistir em directo à 66ª Cerimónia dos Globos de Ouro. O sono desvaneceu-se no minuto em que colocámos os olhos na caixinha mágica e começámos a avistar o alinhamento das estrelas no céu de Los Angeles – os nomes sucederam-se na passadeira vermelha, entrando calmamente no Beverly Hilton Hotel, que albergou uma vez mais a cerimónia. E nós entrámos com eles, para não perdermos pitada daquela noite sempre recheada de surpresas e emoções fortes.

Os Globos de Ouro são conhecidos como uma antevisão dos mais altos prémios da indústria de Hollywood, os chamados Óscares da Academia, embora premeiem também as séries ou filmes para televisão, não incluam as categorias técnicas, e nem sempre correspondam às nomeações e vencedores dessa outra Cerimónia. Os galardões são entregues a filmes, séries, realizadores, argumentistas e actores pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood, que os escolhe de entre todas as produções estreadas ou continuadas no decurso do ano anterior, neste caso 2008. Há um ano atrás, a greve de argumentistas que assolou a maioria das produções nos Estados Unidos da América provocou a paragem de inúmeras filmagens, e fez com que a Cerimónia dos Globos de Ouro de 2008 fosse substituída por uma simples conferência de imprensa a anunciar os vencedores. Em 2009, tal situação não se repetiu. Os Globos de Ouro foram transmitidos em cerca de 140 países, vistos por milhões de pessoas por todo o mundo, e voltaram a consagrar produções que ficarão, a partir do momento, para a história do cinema.

A série John Adams, produzida por Tom Hanks, foi a série televisiva vencedora da noite, com quatro Globos de Ouro – Melhor Actor Secundário numa série, mini-série ou filme para televisão (Tom Wilkinson); Melhor mini-série ou filme para televisão; Melhor Actriz Principal numa mini-série ou filme para televisão (Laura Linney); e Melhor Actor Principal numa mini-série ou filme para televisão (Paul Giamatti). Seguiu-se a série 30 Rock, com três Globos de Ouro – Melhores Actores Principais numa série de televisão musical ou comédia (Tina Fey e Alec Baldwin) e Melhor série Musical ou Comédia. O prémio de Melhor Série de Drama foi entregue a Mad Men.

Nas categorias relativas ao cinema puro e duro, a actriz britânica Kate Winslet foi a grande vencedora da noite, com a consagração da sua ainda jovem mais muito prometedora carreira. Venceu os dois Globos de Ouro para os quais estava nomeada, Melhor Actriz Secundária, por The Reader, e Melhor Actriz Principal em Drama, por Revolutionary Road, fazendo história ao arrebatar as duas categorias femininas de interpretação, algo que nunca acontecera antes. Ambos os seus discursos foram emocionantes. Mostrou-se quase chocada por ganhar o primeiro prémio, pois não estava “habituada a ganhar estas coisas”, apenas a ser nomeada e perder, e mostrou o Globo de Ouro aos filhos que estavam em casa, dizendo “Look, I’ve won!”. No segundo agradecimento pediu até desculpa às restantes nomeadas, entre as quais Angelina Jolie e Meryl Streep, e agradeceu ao marido e realizador do filme, Sam Mendes, com quem trabalhou pela primeira vez: “Every second working with you makes me love you even more”, e ao amigo e par romântico na tela, pela segunda vez desde Titanic, Leonardo DiCaprio: “I love you with all my heart, for thirteen years…”. É caso para dizer: Finalmente. Já estava na hora de premiar alguém com um talento tão incrível como Kate Winslet. As lágrimas e toda a emoção sentidas por ela trespassaram pela televisão até às nossas casas. Parabéns, Kate.
Em relação aos restantes prémios de interpretação, Sally Hawkins levou para casa o Globo de Ouro de Melhor Actriz em Musical ou Comédia, pelo filme Happy-Go-Lucky; Colin Farrel recebeu o galardão do mesmo prémio masculino, por Em Bruges; e Mickey Rourke, renascido das cinzas, venceu na categoria de Melhor Actor Principal em Drama, pelo filme The Wrestler. Uma palavra especial para Heath Ledger, que recebeu, a título póstumo, o Globo de Ouro de Melhor Actor Secundário: a especulação e a onda de solidariedade geradas à volta do seu precoce falecimento, em Janeiro de 2008, podem ter contribuído para um olhar mais atento à sua última interpretação e talvez a uma falsa preferência pela sua figura no que respeita à entrega de prémios. Mas a verdade é que a sua interpretação do vilão Joker, no filme O Cavaleiro das Trevas, é para lá de fantástica, genial, doentia – é simplesmente fabulosa, e apaga na totalidade qualquer outro actor que tenha participado no filme ou em versões anteriores da saga Batman. O Globo de Ouro é mais do que merecido, só é pena que ele já não esteja entre nós para ver o resultado do filme, receber o prémio e ver consagrada a sua curta mas excelente carreira. Christopher Nolan, realizador do filme, recebeu o galardão em seu nome, numa “mistura de tristeza e orgulho”, afirmando que se vai sentir “eternamente a sua falta” e que Ledger “nunca será esquecido”. A sua memória foi aplaudida emocionadamente de pé, observando-se alguns rostos entristecidos. Onde quer que estejas, Heath, o Globo de Ouro já o tens na mão; agora aguardamos o tão merecido Óscar.

O Melhor filme de Animação foi Wall-E, e o Melhor filme de Língua Estrangeira foi a produção israelita Valsa com Bashir, que superou o aclamado Gomorra de Itália. Bruce Springsteen venceu Melhor Música Original, com a canção The Wrestler, do filme com o mesmo nome. O mais recente filme do realizador Woody Allen, Vicky Cristina Barcelona, foi premiado com o Globo de Ouro de Melhor filme Musical ou Comédia, superando Destruir depois de ler e o afamado Mamma Mia. Apenas Penélope Cruz esteve lá para o receber, já que o restante elenco se encontrava ausente e Woody Allen, uma vez mais, preferiu não dar mostras da sua existência. Diz-se que é por ser tímido e acreditar que realizar filmes se deve fazer por gosto e não para ganhar prémios. De qualquer forma, parabéns Woody. Decerto foi merecido, com os inúmeros filmes excelentes a que já nos habituou.

O outro grande vencedor da noite, a par da grande Kate, foi Slumdog Millionaire, de Danny Boyle, realizador inglês, um filme que conta com um elenco principal constituído por actores indianos totalmente desconhecidos do grande público. Venceu nas quatro categorias para as quais estava nomeado, quatro das mais importantes da Cerimónia: Melhor Argumento (Simon Beaufoy); Melhor Banda Sonora Original (A. R. Rahman); Melhor Realizador (Danny Boyle) e Melhor filme Drama, a par de grandes nomes como O Estranho Caso de Benjamin Button, Frost/Nixon e Revolutionary Road. Essas grandes produções – que encerram nomes como o fantástico David Fincher, Sam Mendes, Ron Howard, e Sidney Pollack e Anthony Minghella como produtores de The Reader, ambos falecidos em 2008 –, acabaram por ser as grandes derrotadas da noite, em especial o aclamado filme de Brad Pitt e Cate Blanchett, que ficou a zeros, e as duas produções de Clint Eastwood neste ano, A Troca e Gran Torino, que não conseguiram premiar Angelina Jolie pelo seu excelente desempenho e o próprio realizador pela banda sonora que compôs. É pena, mas nem todos podem sair vencedores.

Quem também saiu com um Globo de Ouro na mão foi o prestigiado realizador e produtor Steven Spielberg, que recebeu o prémio Cecil B. DeMille das mãos do seu amigo de há quase quarenta anos, Martin Scorcese. Discursou acerca da inspiração que Scorcese fora e ainda é para si, e sobre a primeira vez que viu um filme, curiosamente do próprio Cecil B. DeMille. Foi aplaudido de pé durante alguns minutos, em homenagem à sua longa carreira recheada de sucessos.

A cerimónia acabou por volta das quatro horas da manhã, hora portuguesa. Faltou um apresentador à maneira, que pusesse o pessoal todo a rir e animar um pouco a cerimónia. E os intervalos de dois em dois prémios dão cabo de qualquer cabeça, especialmente daquelas que renunciaram ao sono de modo a poderem acompanhar os Globos de Ouro em directo, tintim por tintim, até ao último segundo de revelação dos prémios mais importantes da noite. Mas as bolachinhas e o sofá fofinho ajudaram um pouco. E no final fica a sensação de que não poderíamos ter estado noutro local que não em frente à televisão, a papar o que acontecia em Beverly Hills entre as maiores estrelas de Hollywwod.

Há inúmeros bons filmes para ver neste início de 2009, e felizmente uma grande parte estreia em Janeiro e Fevereiro, antes da cerimónia dos Óscares da Academia, o que significa que os poderemos ver antes de serem premiados. Para qualquer cinéfilo, os próximos dias 22 vão ser dias especiais: em Janeiro, poderemos verificar os nomeados definitivos para os Óscares – para não relembrar o já referido falecimento de Heath Ledger, também nesse dia –; e em Fevereiro ocorrerá exactamente a 81ª Cerimónia dos Óscares, para ver durante mais uma madrugada sem pregar olho. Aguardemos e fiquemos, por enquanto, cinéfilos fervorosos, com a recordação desta agradável cerimónia de Globos de Ouro.

Lista completa dos vencedores:

Cinema

* Best Picture, Drama: Slumdog Millionaire

* Best Picture, Comedy Musical: Vicky Cristina Barcelona

* Best Director: Danny Boyle, Slumdog Millionaire

* Best Actor, Drama: Mickey Rourke, The Wrestler

* Best Actress, Drama: Kate Winslet, Revolutionary Road

* Best Supporting Actor: Heath Ledger, The Dark Knight

* Best Supporting Actress: Kate Winslet, The Reader

* Best Screenplay: Simon Beaufoy: Slumdog Millionaire

* Best Foreign Language Film: Waltz With Bashir

* Best Animated Feature: WALL·E

* Best Actor, Musical/Comedy: Colin Farrell

* Best Actress, Musical/Comedy: Sally Hawkins, Happy-Go-Lucky

* Best Original Score: A.R. Rahman, Slumdog Millonaire

* Best Original Song: Bruce Springsteen, The Wrestler

* Cecil B. DeMille Award: Steven Spielberg.

Televisão

* Best Comedy Series: 30 Rock* Best Drama Series: Mad Men
* Best Actor, Drama: Gabriel Byrne, In Treatment
* Best Actress, Drama: Anna Paquin, True Blood
* Best Actor, Comedy: Alec Baldwin, 30 Rock
* Best Actress, Comedy: Tina Fey, 30 Rock
* Best Miniseries: John Adams
* Best Actress, Miniseries: Laura Linney, John Adams
* Best Actor, Miniseries: Paul Giamatti, John Adams
* Best Supporting Actor: Tom Wilkinson, John Adams

* Best Supporting Actress: Laura Dern, Recount.

Há uma primeira vez para tudo...

2008-12-12T15:14:00.021Z

Ontem, dia 11 de Dezembro de 2008, saiu o terceiro número da única revista de cinema em Portugal, de seu nome PREMIERE; um pouco atrasado, mas sempre bem-vindo. Enviei uma crítica por e-mail, para a revista - tentei a minha sorte (talvez fosse parar à página das críticas dos leitores...). Até ao dia de ontem, não mais me lembrei disso, mas quando a revista finalmente chegou às bancas, fui a correr comprá-la ao sítio do costume. «Espero que goste da surpresa...». E gostei mesmo. Imenso. Nunca pensei que o conseguisse, mas a minha crítica acabou por aparecer, realmente, nesta edição de Dezembro. A primeira publicação de algo que escrevi, o meu primeiro trabalho como jornalista...! É maravilhosa, a sensação :)

Aqui fica o texto:

“Busca Implacável"

Título Original: Taken
Realização: Pierre Morel
Intérpretes: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen
Nacionalidade: França, 2008

Taken é uma das palavras mais ouvidas nos tempos que correm. Somos confrontados com notícias de raptos, desaparecimentos de crianças, redes de tráfico humano espalhadas pelo mundo. É um tema real, por isso merece a atenção e a preocupação cada vez maior pela protecção das pessoas que conhecemos, do mundo e da desumanidade que o caracteriza.
Centrado no papel de Liam Neeson, o filme Busca Implacável é um alerta para o perigo que corremos ao andarmos na rua, ao falarmos com estranhos, ao viajarmos para um país estrangeiro. É um filme sólido, emotivo, com o qual nos identificamos, que vale a pena pelo tema, desvendado através do olhar atento de Pierre Morel.
Quando Kim viaja para Paris, Bryan, o seu pai e ex-agente secreto da CIA, assiste em directo, numa chamada telefónica, ao rapto da filha e da amiga por uma rede albanesa de tráfico de mulheres. Uma chamada intensa, já sem o factor surpresa devido à recorrência do trailer a essa mesma situação. Bryan parte para Paris e, reutilizando amargamente as suas capacidades, persegue os raptores e tenta encontrar a filha.
É a esta busca implacável, movida pelo amor, que assistimos ao longo do filme, sem pausas para recuperar o fôlego, com algum humor negro à mistura, e que nos transporta para uma cidade de Paris onde nada é o que parece. Neeson acarreta a difícil tarefa de representar este pai desesperado por recuperar a filha e punir os culpados pelo crime, num registo magnífico de um homem frustrado pela vida que leva.
Ainda que se consiga salvar uma rapariga, de entre um número incontável de mulheres vendidas e maltratadas diariamente, muitas outras continuarão à espera de uma salvação da vida miserável que lhes é forçada. O argumento do filme alerta para a situação geral, partindo da situação particular de Neeson, de modo a prevenir os raptos e apelar à responsabilidade necessária para enfrentar o mundo em que vivemos. E esse alerta é o ponto alto de uma história que, aparentemente vulgar, comporta uma forte mensagem de esperança.

- Para quem desconhece o mundo, ou já não o reconhece
- O melhor: o tratamento narrativo do tema, o alerta e a interpretação de Liam Neeson
- O pior: a impossibilidade de salvar mais mulheres do tráfico de que são alvo

Nota: 4/5 estrelas

Raquel Silva

Blindness

2008-11-29T19:42:00.003Z

Digam o que disserem, pensem o que pensarem acerca da sua forma de escrever – criticada por muitos devido à quase total ausência de pontuação –, gostem ou não das suas crenças políticas e religiosas… Saramago é um génio, e tal facto é inegável. A forma como transmite a sua visão do mundo para o papel, recorrendo a metáforas inteligentes e consistentes, destrona qualquer outro escritor e coloca-o no pedestal mais elevado entre os escritores portugueses de todos os tempos. Ensaio sobre a Cegueira é uma obra complexa, intensa, improvável de ser adaptada ao cinema devido à sua ambiguidade, mas Fernando Meirelles aceitou o desafio, e ainda bem que o fez. Saramago chorou ao ver o resultado final. E é mesmo para chorar.
No filme retrata-se o Homem, aquele ser que, aparentemente altruísta, não passa de um animal irracional disfarçado de ser superior. De repente, numa cidade desconhecida, numa época desconhecida, um homem afirma deixar de ver, ficar cego – mas uma cegueira branca, sem a habitual escuridão. A epidemia espalha-se, e depressa contagia a sua mulher, o médico, e um sem número de pessoas por todo o mundo. Os afectados são colocados numa antiga instituição psiquiátrica, em quarentena – cegos, sem condições de higiene, e abandonados pelo resto da civilização. Entre eles encontra-se uma mulher, esposa do médico, que, incompreensivelmente, não ficou cega, mas acompanhou o marido na ida para a quarentena. Esta mulher, que esconde o facto de conseguir ver, é a única esperança do grupo para sair daquela prisão.
Com uma extraordinária realização de Meirelles, alternando entre os tons brancos e azuis, de ângulos inesperados, o filme mostra a violência, a superficialidade, a ganância, a vingança, a vontade de sobreviver a qualquer custo, desprezando o resto da humanidade. Mesmo a mulher que não cegou, a única que, a nosso ver, não se deixou ficar pelo lado animal e procurou ser racional, procurou ver o que se passava à sua volta – mesmo ela deixa o altruísmo para trás e cansa-se de servir os cegos, de tentar guiá-los para fora do edifício onde estavam fechados. O grupo onde está inserida contrasta com outro grupo, a camarata três, que demonstra o lado mais animal do Homem – o espírito de sobrevivência particular, ignorando as necessidades básicas dos outros.
Uma curiosidade interessante é o facto de as personagens não terem nomes próprios. Temos o doutor, a mulher do doutor, a mulher com óculos escuros, o ladrão… mas nada de nomes concretos. Penso que isso demonstra a generalização – não é um simples ser humano que carrega aquelas características, mas sim toda a humanidade. Outro aspecto curioso é a relação entre as pessoas – a situação degradante em que foram colocados une-as de uma forma intensa, como se fossem uma família, e por vezes até se conseguem distinguir alguns momentos de felicidade no meio de tanta calamidade. Esses momentos dão-nos alguma esperança – não por eles, por saírem do edifício e regressarem à civilização; mas por nós próprios, por queremos acreditar que não somos assim, que não nos regemos apenas pelo instinto animal.
A epidemia espalha-se por todo o mundo, não deixando ninguém imune; apenas a mulher do médico continua a testemunhar o que acontece dentro do edifício, a desumanidade entre os homens. Julianne Moore interpreta esta mulher que carrega o fardo de cuidar das pessoas à sua volta, de os guiar para a saída, de os alimentar, proteger e ajudar a sobreviver, num registo magnífico e realista. Consegue transparecer todos os sentimentos que esconde, a emoção da situação e a essência do filme.
É um filme fantástico, com um argumento brilhante, que nos põe a pensar do início ao fim. Como vai acabar? Como vai um grupo de pessoas cegas sobreviver num mundo que deixou de existir devido ao inexplicável “Mal Branco”? Tentamos compreender a metáfora, mas só no final do filme conseguimos apreciar, verdadeiramente, o trabalho psicológico de Saramago e a transposição da obra para o grande ecrã por parte de Fernando Meirelles. É mesmo para chorar, tanto pelo drama da história como pela percepção da realidade.

Quantum of Solace

2008-11-25T14:11:00.004Z

Cinquenta e cinco anos após o lançamento do primeiro livro, seis actores e vinte e dois filmes depois, a personagem mais afamada de Ian Fleming, James Bond, continua a dar cartas no mundo do cinema. Agora no mandato de Daniel Craig, o loiro de olhos azuis que conseguiu o maior resultado de bilheteiras em 2006, quando se estreou como herói em Casino Royale, Bond regressa às salas de cinema com o filme Quantum of Solace (QOS), a sequela do anterior. É a Bondmania, meus senhores.

Bond afirma não acreditar na vingança. Vesper Lynd, a mulher que amava, traiu a sua confiança e morreu às mãos de uma organização internacional poderosa. Não admitindo a dor pela morte dela, acaba por tornar as suas missões profissionais numa vendetta pessoal, desobedecendo ao próprio MI6. Encontra Camille pelo caminho, uma agente secreta boliviana que também procura vingança. O seu principal alvo é o vilão Dominic Greene, aparente ecologista, cuja organização (formada por membros do governo britânico e outros órgãos importantes) extingue as reservas de água dos países pobres da América do Sul e toma conta do fornecimento exclusivo de água desses países, em troca de parcelas de terreno, nas quais simula procurar petróleo, mantendo na sua alçada a CIA e os EUA.
M é a eterna consciência de Bond, e o cérebro das suas operações, na pessoa da magnífica Judi Dench, mais presente neste filme. É a verdadeira Bond Girl, talvez a única em quem Bond sempre confiou. Camille também não é uma Bond Girl convencional; quer apenas vingar a morte da família, e alia-se a Bond com o intuito de, juntos, desvendarem os crimes praticados por Greene e vingarem as pessoas que perderam à sua custa.
A questão ambiental, tão debatida nos tempos que correm, é o tema central de QOS. Deixam-se a Guerra Fria e a 2ª Guerra Mundial para trás, adaptando-se as aventuras do agente secreto aos temas da actualidade. Do Haiti a Itália, passando pela Áustria e por Londres, o filme é, maioritariamente, rodado fora do estúdio. As perseguições de avião, barco, carro e a pé, mantêm-se neste QOS, tal como o genérico peculiar, acompanhado pela música original de Alicia Keys e Jack White, “Another way to die”. Pela primeira vez, porém, o agente secreto não é tratado por 007 e não profere a célebre frase “Bond, James Bond”, o que não retira, de todo, a essência à personagem.
Quantum of Solace é a procura de consolo, de paz, de justiça, por parte de Bond, relativamente à morte de Vesper Lynd em Casino Royale. Perdeu a mulher que amava, apesar de ter sido traído por ela; e, mesmo não o admitindo, a vingança era a única forma de encontrar a paz de espírito que necessitava, esquecendo a raiva que sentia por ela e interiorizando que ela dera a vida por ele, de modo a libertar-se da confusão que Vesper deixara no seu coração.
É um filme de acção, típico da saga, marcado pela existência de vilões inconcebíveis e uma realização rápida, tal como o habitual ambiente de eventos sociais luxuosos. As expectativas são elevadas, pela grandiosidade da personagem e pelo sucesso evidente que ainda tem pelo mundo fora, quase cinquenta anos depois da primeira adaptação cinematográfica. Mas, tal como no anterior, Daniel Craig conjuga o charme introduzido por Pierce Brosnan, o carisma de Sean Connery, e ainda oferece à personagem o seu lado mais humano e real, que define o verdadeiro James Bond, e um dos mais aproximados do Bond criado por Fleming. Para ver e rever, claro está.

O melhor: Daniel Craig e a actualidade de uma personagem com 55 anos de idade
O pior: falta muito para estrear o próximo?

King of QUEEN

2008-10-24T16:48:00.005+01:00

“Eu odeio fazer a mesma coisa uma e outra vez. Gosto de ver o que está a acontecer na música, no cinema e no teatro, e incorporar todas essas coisas.”
“Se tivesse de fazer tudo de novo? Porque não? Faria tudo um pouco diferente.” Freddie Mercury

Assim era o homem por detrás de uma das maiores bandas musicais de sempre: extrovertido em palco, sentimental como compositor, e um pouco tímido por dentro. Durante cerca de vinte anos, escreveu e interpretou canções que tocaram todas as pessoas, sem excepção, pela sua originalidade e melodia, e consolidou-se como um ícone musical para a eternidade. Considerado detentor da melhor voz alguma vez ouvida, viveu uma vida recheada de sucessos, enquanto vocalista dos Queen. Malogrado na hora da morte, deixou a vida sem dar tudo o que tinha para dar, mas legou músicas e momentos que nunca se esquecerão. Dezassete anos após ter abandonado o mundo, recordamos Freddie Mercury, a lenda do passado e do futuro.

Nasceu Farrokh Bulsara, um rapaz tímido e sossegado, a 5 de Setembro de 1946, num país denominado Zanzibar, e adquiriu a cidadania inglesa quando se mudou para Londres, aos dezassete anos. Cedo se distinguiu pela sua capacidade extraordinária para tocar piano, imitando os sons que ouvia na rádio, e pela sua voz poderosa, mostrando sempre um grande interesse pela música.
No ano de 1970, em Londres, Freddie Mercury juntou-se ao guitarrista Brian May e ao baterista Roger Taylor, fundando a banda Queen. Um ano depois, o baixista John Deacon completou o grupo. O sucesso internacional chegou em 1974, e desde aí os Queen nunca pararam de surpreender. Não se sabe ao certo quantos álbuns da banda foram vendidos por todo o mundo; as estimativas vão de 130 milhões para mais de 300 milhões de álbuns.
Mercury contribuiu fortemente para o sucesso da banda. Compôs uma grande parte das canções, conferindo-lhes uma complexidade invulgar nos anos 70 e 80, particularmente com a música “Bohemian Rapsody”, diversas vezes votada a melhor música de todos os tempos. É uma mistura de vários géneros, de vários tons vocais e de diversas cordas que, combinados, resultaram em algo que nem os próprios membros da banda conseguiram explicar. Entre outros grandes sucessos dos Queen, destacam-se ainda “We are the champions”, “We will rock you”, “A kind of magic”, “Somebody to love”, “Too much love will kill you”, “The show must go on”, “I was born to love you”, “Who wants to live forever”, “These are the days of our lives”, “The great pretender”, “I want it all”, “Radio Ga Ga”, “It’s a hard life”, “Under Pressure”. É impossível não reconhecer pelo menos uma das suas músicas.
As actuações da banda, ao vivo, destacavam-se pela originalidade teatral, e pelo sempre peculiar Mercury, que procurava incessantemente a interacção com o público. Nas palavras de David Bowie, “De entre todos os cantores de rock mais teatrais, Freddie levou as actuações mais longe do que os outros. Ele conseguia sempre virar um cliché para a sua vantagem.”. No decurso da sua carreira, Mercury actuou em mais de 700 concertos espalhados pelo mundo, com os Queen. O público contava-se aos milhares, e a banda esforçava-se sempre por fazer mais e melhor em palco.
Freddie Mercury tentou uma carreira a solo, cerca dos anos 80. Entre essa experiência, destaca-se o dueto com Montserrat Caballé, na música “Barcelona”, uma espécie de ópera, constituída como música oficial dos Jogos Olímpicos de Verão de 1992, em Espanha.
Pouco se sabe sobre a sua vida pessoal, que Mercury tentava manter privada. Mantinha uma amizade forte com Mary Austin, uma ex-namorada, e assumiu a sua homossexualidade, começando uma relação de longo prazo com Jim Hutton. Correram rumores na imprensa britânica de que podia sofrer de SIDA, embora Mercury sempre tivesse negado essas afirmações. A doença foi-lhe diagnosticada em 1987, mas apenas foi dada a conhecer ao público no ano de 1991, pouco antes da sua morte.
Mercury nunca deixou de colaborar com os Queen, apesar do seu fraco estado de saúde. Apercebendo-se de que tinha pouco tempo para viver, tentou fazer o maior número de gravações possível, dando instruções ao resto da banda para completar as canções mais tarde. May, Taylor e Deacon estavam também conscientes do pior: “Nós sabíamos que estávamos totalmente apertados de tempo, porque tinha sido dito ao Freddie que não conseguiria chegar muito mais longe. Penso que o nosso plano era ir até onde o Freddie se sentisse suficientemente bem, só para fazer o máximo uso dele possível. Ele disse-nos: ‘Façam-me cantar qualquer coisa, escrevam-me qualquer coisa, e eu cantá-la-ei e deixar-vos-ei o máximo que puder’,”, contou Brian May. “Foi difícil”, completou Roger Taylor, “mas nós tentámos apoiá-lo durante aquele tempo, e ele foi incrivelmente corajoso.”.
A 23 de Novembro de 1991, o agente dos Queen dirigiu-se ao público e leu uma declaração escrita por Mercury, confirmando que tinha SIDA. Pouco mais de vinte e quatro horas depois, Mercury faleceu devido a uma pneumonia, causada pela SIDA, a 24 de Novembro de 1991, em Londres. Tinha quarenta e cinco anos.
Sobre o seu falecimento pronunciaram-se algumas figuras conhecidas do grande público, que demonstraram a sua mágoa pelo cantor. David Bowie lamentou: “Vamos todos sentir a falta dele. Juntamente com a banda Queen, ele deu um grande contributo à música popular.”. George Michael disse: “Freddie Mercury era uma grande fonte de inspiração para mim, enquanto criança. Eu presenciei religiosamente os concertos do Queen, ano após ano. Este é um dia triste.”. Phil Collins afirmou: “Esta é uma grande tragédia… eu tinha a maior admiração e uma grande afeição por ele.”. Os colegas de banda também se pronunciaram: “Ninguém o conhecia totalmente. Ele era uma pessoa muito privada. Era muito tímido, gentil, amável, dedicado. Tinha uma personalidade muito vincada, e deixou uma marca muito forte em todas as pessoas, especialmente em nós. Éramos muito unidos como grupo, fomos sempre, durante vinte e dois anos; mas é estranho: nós não sabíamos muito sobre ele, porque ele era definitivamente um mistério. Não sei quem criou aquele entertainer em palco, porque ele era muito a sua própria criação.”, disse Roger Taylor. Brian May afirmou: “Ele era uma pessoa muito generosa e preocupada com todas as pessoas que conheceu durante a sua vida. Era muito independente, forte, talentoso, magnífico em todos os aspectos que se pode pensar. O palco era um sítio no qual ele podia ser outra pessoa e orgulhar-se do que fazia.”. Quanto aos últimos anos de vida, disse: “Tomou uma decisão muito cedo na vida: que ia fazer as coisas à sua maneira. Nós podíamos não concordar, mas respeitávamos. E a atitude que ele tomou em relação à doença fazia parte dele. Foi difícil para nós não podermos desabafar sobre isso com amigos. Mas penso que ele foi muito corajoso em desvendar ao público que tinha SIDA. A vida dele mudou, definitivamente, o mundo, e acho que a morte dele é igualmente uma grande mudança no mundo.”.
Apesar de toda a controvérsia que rodeava a sua pessoa – sobre o encobrimento da sua doença, e a sua sexualidade – lançada pela imprensa britânica, a popularidade de Freddie Mercury cresceu desde a sua morte, sendo considerado um dos ‘heróis mais influentes’. Os Queen viram também a sua própria popularidade crescer. Apesar do falecimento do seu líder e vocalista, os três restantes membros mantiveram a banda, lançando novos singles e, mais recentemente, encontraram Paul Rodgers, cuja voz se assemelha à de Mercury. Intitulam-se agora Queen+Paul Rodgers, e o último álbum da banda, o primeiro sem a voz de Mercury, “The Cosmos Rocks”, foi lançado neste ano de 2008.
A escultora Irena Sedlecka ergueu, em Montreux, na Suíça, uma estátua de Mercury, com cerca de três metros de altura. Desde 2003, fãs de todo o mundo juntam-se anualmente, na Suíça, junto à estátua, no primeiro fim-de-semana de Setembro, de modo a pagar tributo a Mercury. Apesar da sua curta vida, Mercury teve uma carreira cheia, deixando ao mundo um enorme legado de letras e músicas impossíveis de esquecer. Dezassete anos depois da sua morte, continua a arrebatar corações e a ser ouvido pelo mundo inteiro. Tornou-se um herói, apesar de todas as controvérsias de que foi alvo. E é um dos maiores símbolos musicais de todos os tempos.
“Eu não vou ser uma estrela de rock”, disse Freddie, uma vez; “Eu vou ser uma lenda”. E foi mesmo. É uma espécie de magia…

Recomendamos:
“Made in Heaven”, Queen.
Lançado em 1995, quatro anos após a morte de Freddie Mercury, “Made in Heaven” é o último álbum entoado pelos quatro membros originais da banda. Roger Taylor, Brian May e John Deacon trabalharam com vocais que Mercury tinha gravado meses e anos antes de falecer, e com novas gravações suas. O álbum contém êxitos como “Let me live”, “I was born to love you”, “Heaven for everyone”, “Too much love will kill you”, e “You don’t fool me”; e outras músicas menos conhecidas do público em geral, mas que confirmam o forte talento musical de Mercury e a excelente edição por parte dos restantes Queen, como “It’s a beautiful day”, “Made in heaven” e “A Winter’s tale”. Na capa do álbum encontra-se uma fotografia da estátua erguida em honra de Mercury, em Montreux, na Suíça. O álbum foi tripla platina em Portugal, e registou cerca de 120 mil vendas. Foi dedicado pelos Queen “ao espírito imortal de Freddie Mercury”.

Cinema de TERROR

2008-10-08T21:39:00.004+01:00

O terror ou horror é um género cinematográfico cujas fontes de atracção são o medo e a surpresa provocados nos espectadores. É um género único, apreciado por todo o mundo, em particular pelo público mais jovem. A história do cinema de terror está marcada por vampiros, lobisomens, bruxas, espíritos, fantasmas, mortos vivos, personagens que, na sua maioria, provêm do imaginário literário, e são transpostas para o cinema. Os filmes de terror provocam fortes sensações, que podem ir da alegria ao choro; os arrepios que percorrem a espinha são apenas uma das suas particularidades. Há quem diga que o medo é um dos sentimentos que fazem as pessoas sentirem-se mais vivas e alegres. Será?

“Até agora eu ignorava o que era o terror: mas já sei. É como se uma mão de gelo agarrasse o coração. É como se o coração palpitasse, até rebentar, num abismo vazio.”. As palavras sábias de Óscar Wilde servem de mote a todos os realizadores que optam fazer do medo um negócio. Mais: cada filme de terror contém uma história interior, um drama, um romance, um motivo; não é simplesmente o medo que atrai espectadores ao cinema. Para além da adrenalina, das almofadas apertadas no peito, dos gritos de horror, do sangue a correr violentamente nas veias… Existe algo mais que nos faz ficar até ao final do filme e ver como tudo acaba. É a história. Um bom argumento, qualquer que seja o género, tem, normalmente, o sucesso garantido. Mas um bom argumento com terror à mistura, é sempre um filme que faz chorar por mais.
O Festival Internacional de cinema de Terror de Lisboa, MOTELx 2008, ocorreu no início do mês de Setembro, no Cinema São Jorge. O Dia das bruxas, também chamado Halloween, aproxima-se a passos largos - é já no dia 31 de Outubro. Com tanto horror na mira, cresce a curiosidade pelos filmes de terror, e vêm à memória clássicos como “O Exorcista” e “Drácula”. Recordamos dez dos melhores filmes de terror de sempre, para partilhar com os amigos na noite de Halloween.

Psico – Psycho
Alfred Hitchcock
1960

Marion Crane (Janet Leigh) encontra-se com o namorado Sam Loomis (John Gavin) em intervalos de almoço, e não podem casar porque os seus empregos não os remuneram suficientemente bem. No trabalho, Marion tem de depositar 40 mil dólares de um cliente, mas em vez disso, vendo uma oportunidade para recomeçar a sua vida, pega no dinheiro e dirige-se para a loja de Sam. Cansada após a longa viagem, apanhada no centro de uma tempestade, Marion abandona a auto-estrada e entra no Motel Bates. O motel é dirigido por Norman Bates (Anthony Perkins), que parece dominado pela mãe, por quem é obcecado.

O Exorcista – The Exorcist
William Friedkin
1973

Uma rapariga de doze anos, Regan MacNeil (Linda Blair), começa a exibir comportamentos estranhos, tanto fisicamente como na forma como actua; entre os quais uma força paranormal e a capacidade de levitação. A sua mãe, Chris MacNeil (Ellen Burstyn), com quem reside em Washington, EUA, apercebe-se desses comportamentos e procura acompanhamento médico. Quando todas as possibilidades médicas estão esgotadas, Chris procura a ajuda do Padre Damian Karras (Jason Miller), a sua última esperança para salvar Regan. Karras acredita que Regan está possuída pelo diabo, e conta com a ajuda do Padre Merrin (Max von Sydow) para tentar libertar da adolescente o demónio que está dentro dela.

Shining – The Shining
Stanley Kubrick
1980

O romancista Jack Torrance (Jack Nicholson) leva a sua esposa, Wendy (Shelley Duvall), e o seu filho, Danny (Danny Loyd) para as montanhas do Colorado, onde vai tomar conta do Hotel Overlook durante o Inverno, depois de aceitar esse emprego. O hotel repousa num local isolado e gélido. Durante a estadia, Danny começa a ter visões estranhas, sobre o passado do hotel, usando um dom telepático conhecido como “The shining”. Jack começa a exibir problemas mentais sérios, causados pelo excessivo isolamento, e torna-se cada vez mais agressivo, revoltando-se contra a própria família, relembrando a lenda que figura no hotel sobre um homem que matou a família e se suicidou de seguida.

Frankenstein de Mary Shelley - Frankenstein
Kenneth Branagh
1994

Viktor Frankenstein (Keneth Branagh) é um jovem médico que, devastado pela morte da mãe durante o parto, vive obcecado com fazer os mortos regressar à vida. As suas experiências levam à criação de um monstro (Robert de Niro), que Frankenstein cria juntando diversos restos mortais. Rejeitada pelo seu criador, a Criatura procura vingança. Viktor e a sua amada, Elisabeth (Helena Bonham Carter), procuram casar e viver uma vida normal, mas o monstro aterroriza as suas vidas.

Drácula de Bram Stoker – Dracula
Francis Ford Coppola
1992

Um jovem advogado, Jonathan Harker (Keanu Reeves), é solicitado numa vila misteriosa no Este da Europa. Quando chega ao seu destino, é capturado e aprisionado pelo imortal vampiro Drácula (Gary Oldman), que vive atormentado desde que, há centenas de anos atrás, a sua amada, Elisabeta, se suicidara, julgando-o morto em combate. Drácula parte para Londres, ao ver uma fotografia da noiva do jovem, Mina Murray (Winona Rider), que é a reencarnação de Elisabeta, e tenta reconquistar o seu amor, semeando o terror por onde passa.

O Aviso – The Ring
Gore Verbinski

2002

A jornalista Rachel Keller (Naomi Watts) começa a investigar uma série de mortes estranhas, entre as quais a da sua própria sobrinha. Os eventos incluem o visionamento de uma cassete, seguido do toque do telefone, e de uma voz misteriosa que avisa que a pessoa vai morrer dentro de sete dias. Parece ser uma lenda urbana, mas depressa Rachel percebe que o terror é real. Quando a jornalista e o próprio filho, Aidan Keller (David Dorfman), vêm o filme e recebem a chamada telefónica, ela é obrigada a correr contra o tempo para tentar salvar-se e acabar com a maldição.

A Profecia - The Omen
Richard Donner

1976

Robert Thorn (Gregory Peck) e a esposa, Katherine Thorn (Lee Remick), querem apenas uma coisa: ter um filho. Quando a criança nasce, um Padre que se encontra no hospital aconselha Robert a trocar o seu filho por uma outra criança, mais saudável, cuja mãe morrera no parto. Sem contar à sua esposa, Robert leva o filho que não é seu, Damien (Harvey Stephens), e as suas vidas regressam ao normal. Mas, passados alguns anos, eventos estranhos começam a suceder-se, levando Robert a acreditar que Damien é a encarnação do diabo.

Carrie
Brian De Palma

1976

Carrie White (Sissy Spacek) é uma rapariga tímida. Todos os colegas de turma a odeiam, e a mãe é uma fanática religiosa. Depois de um acidente embaraçoso nos chuveiros, os colegas gozam ainda mais com Carrie, o que desperta em Sue Snell (Amy Irving) um sentimento de pena. Então, Sue pede ao namorado, Tommy Ross (William Katt) para levar Carrie ao baile de finalistas. Entretanto, outra rapariga que foi banida do baile, planeia uma forma de embaraçar Carrie em frente a toda a escola. O que ninguém imagina é que Carrie tem o poder de mover objectos com a mente, e quando a irritam, ela transforma-se de uma rapariga inocente num monstro governado pela raiva.

Poltergeist
Tobe Hooper
1982

A família Freeling, Steve (Craig T. Nelson) e Diane (Jobeth Williams) vive com os filhos numa agradável aldeia. Certo dia, a filha mais nova, Carol Anne (Heather O’Rourke) começa a comunicar com o mundo sobrenatural através de um canal de televisão. Pouco mais tarde, os seres misteriosos, fantasmas, entram na casa dos Freeling. De princípio, parecem não fazer mal a ninguém, passando bons tempos com a família. Mas eles alteram o seu comportamento bruscamente, aterrorizando os Freeling, e raptando Carol Anne para dentro do seu armário, que parece ser a entrada para o outro lado.

Alien, O 8º Passageiro – Alien
Ridley Scott
1979

Enquanto regressa de uma missão profunda, a tripulação da nave espacial Nostromo recebe um suposto SOS de um planeta que está a passar. Ao descer até à sua superfície, alguns membros da equipa descobrem uma nave espacial, na qual se encontram milhares de ovos de uma criatura alienígena. Um dos tripulantes é atacado por um dos parasitas. Ao regressar à nave espacial Nostromo, a tripulação volta a rumar em direcção ao planeta Terra, mas a parasita, aparentemente morta, forma uma outra que causará muitos problemas aos sete membros da tripulação. Com Tom Skerrit e Sigourney Weaver.

Batman e muito mais

2008-09-10T13:35:00.011+01:00

“O Cavaleiro das Trevas”, mais do que entretenimento, mais do que fantasia, mais do que terror, é um filme moralista, bastante mais do que qualquer outra adaptação cinematográfica de Batman . Nele destacam-se as personagens, as suas características, e as suas mudanças ao longo do tempo, mais do que propriamente a história conhecida por todos nós. Um Batman sem Batman no título, que contém o herói de BD e muito mais.

Bruce Wayne, o homem por detrás de Batman, quer apenas o que é melhor para Gotham, mesmo que isso não seja o melhor para ele próprio e para a imagem pública que a cidade tem dele. É por isso que, no final do filme, acaba por assumir a culpa de crimes que não cometeu, dando a Gotham o herói que precisava, o herói com rosto, Harvey Dent, em vez do Batman que se escondia atrás da máscara. Sacrifica-se em nome do que Gotham merece: alguém em quem acreditar, que não seja um herói fantasma. Mas permanece atento, vigiando o crime em Gotham, protegendo-a de tudo e de todos, na escuridão; é o cavaleiro das trevas. Põe em causa desistir de Batman, mostrar ao mundo quem é; até porque acredita que Rachel o aceitará quando deixar essa vida. Não consegue abdicar dela, por mais que tente. Mas acaba por esconder a sua identidade, porque se apercebe de que a cidade ainda precisa dele.

“I make my own luck.” “Let’s put a smile on that face!”

Joker é uma personagem difícil de descrever. Heath Ledger deu-lhe algo que não tinha antes, nem mesmo com Jack Nicholson a interpretá-lo. É louco, é assustador, é imprevisível, espontâneo... mais do que isso, só me ocorre uma palavra: doentio. Quer provocar o caos a todo o custo; não se importa com mais ninguém a não ser com ele próprio; não lhe interessa se morrem uma ou cem pessoas numa situação causada por si, desde que provoque o caos e a desordem na cidade. Não segue regras, não tem um plano. Acredita que essa é a única forma de viver. É a consequência de um passado sombrio, e de uma vida também ela doentia.

“The night is darkest just before the dawn. And I promise you – the dawn is coming.”

Harvey Dent é o herói que Gotham precisa, que dá o rosto e liberta a cidade do crime organizado. É o cavaleiro da madrugada. Joker consegue atingi-lo no ponto mais fraco: o coração; Rachel Dawes. Dent desce então ao seu nível: deixa de ser quem era e torna-se um criminoso, um vingador. Ele, que era o melhor de todos entre os que queriam o bem público de Gotham, foi destruído por aquela criatura doentia, e transformou-se numa pessoa que queria, a todo o custo, destruir aqueles que tinham participado na morte de Rachel. Mas Batman, apercebendo-se de que Joker tinha ganho, que tinha destruído o verdadeiro herói, não podia permitir que ele passasse a ser visto como um criminoso, apagando a anterior imagem que Gotham tinha dele. É por isso que a sua identidade, Duas-Caras, é escondida para sempre, dando à cidade o herói que precisava, e escondendo aquele que merecia: o próprio Batman.

“You either die a hero, or you live long enough to see yourself become the villain.”

É disto que o filme trata. Das pessoas. No meio de tanta crueldade, de tanto caos, de tanta injustiça, só os verdadeiros heróis valem. A cena dos barcos, dos prisioneiros e das pessoas, que se tentam salvar, dá uma certa esperança à história. Há que haver alguma esperança, entre tanto caos, num mundo que parece determinado pelo crime e pelos criminosos. Todos podiam ter carregado no botão e rebentar com o outro barco. Seria o melhor para eles. Mas nenhum o fez. Joker queria destruí-los, Batman queria salvá-los. Mas o futuro não estava nas mãos deles, e sim nas suas. Houve esperança; valeram as pessoas, os corações.

“The only morality in a cruel world is chance.”

“The Dark Knight” é um filme de cinema. É um filme para tremer de medo no cinema; para saltar de surpresa no cinema; para ver atentamente do princípio ao fim do cinema, para ouvir no cinema. É um filme que precisa da reacção geral, dos rostos assustados, das bocas abertas de estupefacção. No cinema.

Excelente filme. Pode não ser o melhor do ano, mas é excelente do ponto de vista técnico, comercial e inovador. É um Batman; só por isso pode não atrair os mais realistas ao cinema e, pelo contrário, pode atrair os mais fantasistas e apreciadores do mito. Mas é inovador porque, ao contrário de todos os outros já filmados, demonstra o lado moral, o lado emocional, de Batman e de Gotham City. É um filme complexo: fala de uma realidade, do crime organizado, da máfia, de corrupção; de heróis com ou sem rosto, da protecção de uma cidade; de regras, e do seu cumprimento; de homens doentios, agentes do caos; de morte, de amor, de justiça e injustiça; de sorte, cara ou coroa. Tem um pouco de tudo. Para além disso, não podia ser mais obscuro; as trevas dominam praticamente todo o filme. É negro, é misterioso, é interior.

Tem um elenco de louvar. Christian Bale, o sempre favorito do realizador, é o Batman mais real, mais humano; e o Bruce Wayne mais astuto, mais emocional. A sua interpretação é fabulosa, embora ultrapassada pelas personagens dos colegas. Não retira a máscara; esconde-se nela, tal como Batman; mas talvez por isso, ela entra-lhe na perfeição. Aaron Eckhart é Harvey Dent, tanto no início como no final do filme, por isso bastante versátil. Representa o que há de melhor e o que há de pior em Gotham. É o herói do filme, e ele roda basicamente à sua volta. É o único verdadeiro herói, embora Batman viva na sua sombra. Heath Ledger criou um novo Joker; mostrou as suas origens, os seus pensamentos, a sua demência. É a personificação perfeita de um homem que não é um homem, porque de humano parece não ter nada. Malogrado, não viveu tempo suficiente para consolidar a sua carreira como recheada de sucessos, e para ver o resultado deste filme que, dizem, marca a sua melhor interpretação, digna de um Óscar em 2009. A sua interpretação e a de Aaron Eckhart ultrapassam Christian Bale, não por sua culpa, mas porque ambos, cada um à sua maneira, inovaram a história de Batman e deram-lhe um novo carácter, tanto mais terrível, por um lado, como mais imaculado, por outro. Destacam-se ainda os sempre fantásticos, Morgan Freeman e Michael Caine, ainda que em pequenos papéis – ambos se podem considerar parte da consciência de Bruce Wayne –; Gary Oldman, como James Gordon; e Maggie Gyllenhaal, no papel de Rachel, cuja graciosidade permite dar à personagem o carácter firme e susceptível que a caracterizam, em relação a Bruce e a Harvey.

Christopher Nolan, para quem o conhece, é mesmo assim. Obscuro, sempre que possível; moralista, sempre que necessário. Grande realizador, de êxitos como “O Terceiro Passo” e “Memento”, neste novo Batman conseguiu provar que nem sempre um filme cujo tema é demasiado experimentado é, obrigatoriamente, um filme experimentado. Com novas personagens, novos actores, novas caracterizações das personagens, novas concepções, criou um filme que fica na história; criou frases que não se esquecem; imagens que dificilmente serão substituídas. Um Batman com Batman e muito mais.

céu profundo

2008-08-24T12:15:00.008+01:00

“A Astronomia compele a alma a olhar para cima e leva-nos deste mundo para outro.”

Platão

Sob o imenso céu estrelado de Proença-a-Nova, numa fresca mas bela noite de Verão, o Departamento de Física da Universidade de Aveiro proporcionou aos presentes no Centro Ciência Viva da Floresta, da região, uma pequena lição de astronomia e uma encantadora observação do universo. Durante cerca de três horas, absorveram-se os conceitos-base de astrofísica, e puderam observar-se as mais importantes constelações, as mais brilhantes estrelas, e os mais visíveis planetas, a olho nu e com o auxílio de um eficaz telescópio. “Vamos observar o céu?”, perguntava José Matos, astrónomo responsável pela sessão, enquanto se dirigia para a noite escura e fria. As cabeças viraram-se para a escuridão do céu, totalmente limpo, e os olhos observaram. E deleitaram-se.
Através do telescópio enorme, colocado numa posição estratégica, observou-se, à vez, o maior planeta do sistema solar, visível durante o verão de 2008. A total ausência de luz no recinto permitiu uma maior visibilidade dos pontos luminosos no céu, e a mais fácil identificação desse planeta, o mais brilhante a olho nu. Júpiter encontrava-se inserido no centro da constelação de Sagitário, em direcção a sudoeste. “Vejam bem as nuvens em Júpiter”, avisava José Matos, coordenando as observações pelo telescópio. “Conseguem distinguir as duas faixas escuras, no planeta? E três das quatro luas: duas à esquerda e uma à direita? Tem sessenta e três luas, no total, mas só conseguimos observar quatro delas: Europa, Calisto, Io e Ganimedes”. Embora muito ao longe, Júpiter parecia relativamente perto. O planeta precisava constantemente de ser recolocado na mira do telescópio, devido ao movimento de rotação da Terra, que desviava o aparelho do ponto pretendido. Mas a experiência valia o esforço, insistia o astrónomo, porque a noite tinha as condições perfeitas para a observação do céu.
“Vêem a Estrela Polar?”, questionava José Matos, puxando pelo público interessado, enquanto algumas pessoas iam observando Júpiter ao telescópio. “Onde é que ela está? Muitas pessoas pensam que é a estrela mais brilhante do céu, mas não é. É uma estrela de brilho médio. Está no prolongamento da estrela mais à direita da Ursa Maior”. As cabeças viraram-se para o lado contrário do céu, quando o instrutor usou o seu ponteiro luminoso esverdeado, com bastante potência, para apontar a localização da estrela que indica o Norte. “É a última estrela da constelação da Ursa Menor. Enquanto as outras estrelas parecem mudar de lugar, ao longo da noite, devido à rotação da Terra, esta permanece sempre no mesmo sítio. Porquê? Porque o eixo da Terra está naquela direcção, e não exactamente sobre as nossas cabeças. O eixo é inclinado, e aponta para a estrela polar. Por isso, se se perderem, sabem sempre que a estrela polar indica o Norte. E podemos passar a noite toda a observá-la ao telescópio, porque ela não sai do sítio.”, explicou José Matos, mostrando de seguida a constelação da Ursa Maior, bem visível no céu de Verão.
Os nomes das constelações existentes, oitenta e oito no total, visíveis no nosso céu, provêm dos Antigos, que as denominaram de acordo com as suas formas. A união dos pontos lembra deuses gregos, animais, figuras ilustres, de acordo com os seus nomes; mas qualquer leigo pode decorá-las no céu através da visão de outras figuras. A Ursa Maior, por exemplo, pode mostrar também a forma de uma frigideira, um carro de supermercado, ou qualquer outra coisa. Fica ao critério de cada um identificá-las no céu. “É preciso alguma imaginação para identificar nas constelações as figuras que representam os seus nomes.”, admitia José Matos.
As constelações com nomes de signos – Peixes, Capricórnio, Escorpião, Sagitário, entre outras – são os locais onde se encontram, no mapa do céu, os planetas do Sistema Solar e o próprio Sol. “É naquela direcção que os podemos observar”, explicava o instrutor. Agosto é o mês do ano no qual se podem observar mais estrelas cadentes, especialmente cerca de dia doze. Na noite da observação, vinte e dois de Agosto, era mais propício observá-las perto da constelação de Perseu, mas elas viram-se claramente um pouco por todo o céu. “ As estrelas cadentes não são estrelas cadentes.”, esclareceu José Matos. “ Os cometas, que são astros, corpos gelados, que se movem em órbita, também à volta do Sol, deixam um rasto de pó por onde passam. Quando a Terra passa pela sua trajectória, caem na atmosfera alguns pedaços desse pó, brilhantes ao entrarem em contacto com o ar, que provocam a visão de pequenos pontos cadentes, no escuro do céu. Isso são as estrelas cadentes”. A apresentação em computador, mostrada antes da observação nocturna, ajudou a aprofundar conhecimentos acerca desse e de outros assuntos, como os asteróides e as chuvas de estrelas.
Olhando bem para cima das cabeças, lá no alto, era claro um conjunto de três estrelas brilhantes que, unidas, formavam um triângulo. “Denominado Triângulo de Verão, é composto pelas estrelas Deneb, Altair e Veja, e é visível durante a época do Verão. As estrelas pertencem às constelações de Cisne, Águia e Lira, respectivamente.”. José Matos apontava para o triângulo com a luz esverdeada, mostrando as constelações e o resto do universo, como Cassiopeia, Leão ou Aquário. O ponteiro aponta uma luz tão forte que é perceptível aos aviões, podendo até interferir com a sua visibilidade.
A galáxia onde está inserido o Sistema Solar é a Via Láctea, também denominada Caminho de Santiago. Pode ser observada a olho nu: consegue distinguir-se um aglomerado de pontos brilhantes, e uma mistura de cores azuladas e amareladas, que atravessam o céu. Uma galáxia vizinha da nossa, que se distingue devido ao intenso fumo branco que a caracteriza, é a Andrómeda. José Matos avisou: “Quem não gostar desta galáxia, não gosta de mais nenhuma!”, disse com o humor que o caracteriza. Mostrou-a ao telescópio, o fumo branco a cobrir os diversos pontos cintilantes. Mostrou ainda um enxame globular, ou seja, um aglomerado de estrelas, ao telescópio. Com a escuridão da noite sobre Proença-a-Nova, os olhos acabaram por se habituar ao ambiente nocturno e observaram ainda melhor o céu estrelado.
À direita de Júpiter, mais para oeste, os presentes deram conta de um ponto brilhante no céu, diferente dos restantes. A sua luminosidade era avermelhada, alaranjada, e parecia brilhar ainda mais do que as outras. “É Arcturus”, esclareceu José Matos. “É a estrela da constelação de Boieiros, a mais brilhante do hemisfério Norte e uma das mais brilhantes do Universo. É grande e vermelha, mas para além disso está a morrer. Está a crescer muito, e não se sabe se vai explodir e originar uma supernova, ou tornar-se buraco negro.”. O instrutor falou então de outra questão curiosa: a relação entre a distância dos corpos no universo e o tempo. “Por exemplo: Arcturus está a cerca de trinta e seis anos-luz da Terra. Isso significa que, a imagem que nos chega da estrela, hoje, o que vemos ali, é o que estava a acontecer há trinta e seis anos atrás. Daqui a trinta e seis anos, estaremos a observar o que lhe acontecia hoje. Ou seja, a distância a que um corpo está é também o tempo a que está.”. Sendo assim, estará Arcturus já morta? “Hoje em dia, já se pode ter acesso a essas informações sem ser pela observação, por isso sabe-se que ainda está a morrer.”, concluiu José Matos.
Ao princípio do dia vinte e três, eram já menos os observadores, mas ainda havia uns quantos resistentes; resistentes ao frio, às dores de pescoço e de pernas, e ao sono. Cerca da meia-noite, uma claridade esbranquiçada começou a aparecer a Este: era a Lua. Em quarto minguante, o satélite natural da Terra, naquele céu tão escuro e estrelado, fascinou todos os que ainda acompanhavam a sessão de observação nocturna. José Matos tinha já explicado os desenhos na superfície lunar, e as formas curiosas que assumiam. Mas quando apontou o telescópio para a claridade, os presentes estavam certos de que aquele seria o momento alto da noite. A olho nu, a Lua já se via bastante bem; ao telescópio, conseguiriam identificar cada cratera, cada diferença de tom. Assim foi. A Lua ocupou toda a mira do aparelho. O telescópio inverteu a imagem, mostrando a Lua em quarto crescente, como funcionam esses aparelhos; mas viu-se na perfeição. O contraste entre a luminosidade e a metade escura, não iluminada pelo Sol, era bem visível, e distinguiam-se bem os tons claros dos mais escuros. O astrónomo divertiu os resistentes: “Não vêem nenhuma bandeira?”.
Surgiu, na conversação entre José Matos e as pessoas, o tema dos sistemas duplos, ou seja, os sistemas que têm duas estrelas, e também se falou das estrelas que, a olho nu, parecem uma só, mas que o seu brilho alberga mais do que uma estrela. O instrutor apontou o telescópio para a segunda estrela da Ursa Maior, a começar da esquerda. Viam-se três estrelas diferentes: uma mais acima, e duas em baixo, na mesma linha. As duas de baixo parecem uma só, a olho nu; e, olhando com um pouco mais de atenção, consegue distinguir-se, pouco mais acima, a outra estrela que se via ao telescópio. José Matos revelou então que a própria Estrela Polar, na cauda da Ursa Menor, eram, na verdade, duas estrelas, e o brilho visto a olho nu era causado pela soma do brilho de ambas. Para comprovar a sua afirmação, o telescópio foi, uma vez mais, dirigido para Norte, e puderam observar-se as duas estrelas, uma mais brilhante – a verdadeira Estrela Polar – e a outra, mais pequena.
O Universo tem cerca de treze mil e setecentos milhões de anos, e teve origem na explosão denominada Big Bang. O planeta Terra tem quatro mil e quinhentos milhões de anos, desde a sua formação. “Até 1953,”, explicou José Matos, “o Homem pensava que o planeta Terra tinha apenas seis mil anos de idade, porque fora há seis mil anos a criação dos primeiros seres humanos, Adão e Eva, segundo a Bíblia. Mais recentemente, acreditou-se que a Terra seria mais antiga, e os meteoritos que caem na superfície terrestre ajudam a determinar a idade da Terra e a datar outros corpos. Os meteoritos são astros que se formaram aquando da formação do nosso Sistema Solar, e não sofreram alterações, por isso são fundamentais na datação e comparação de datas.”.
José Matos falou do resto do Universo, questionado se haveria vida noutros planetas. “O planeta Terra deve muito à sorte. Está no lugar certo, nasceu à hora certa. Em todos estes anos de vida, nunca sofreu nada, e tem todas as condições para continuar assim por muitos milhares de anos. Para o caso de haver vida noutros planetas,”, disse, “já foram enviadas para o espaço naves espaciais, umas com placas, com imagens, outras com discos, com mensagens em várias línguas…”, continuou, divertido. “Se for verdade, eles saberão que nós estamos aqui. Mas, se um dia desaparecermos, obra de um asteróide, ou por qualquer outro motivo… ninguém vai dar pela nossa falta. Só na Via Láctea, existem cerca de quatrocentos mil milhões de estrelas. Nós somos, diria, do tamanho de um mosquito. Nem tanto… Por isso, ninguém dará pela nossa falta.”, concluiu.
José Matos olhou o céu de Proença-a-Nova uma última vez, naquela fresca noite de Verão, depois de explicar esses factos. A lua aguardava, bem perto, iluminando tudo à sua volta. Arrumou o telescópio no carro, e à sua volta o público atento começou a dispersar. Pode não ter dito nada de novo, para alguns; pode ter falado demais, para outros. Por ele, poderia continuar a falar o resto da noite, desde que fosse sobre estrelas e outros corpos celestes. O astrónomo pode até não ter tido tempo suficiente para dizer tudo o que sabia do Universo, mas o que disse foi mais do que suficiente. Ao abandonar o Centro Ciência Viva e da Floresta, pôde observar as pessoas que tinham assistido à sua sessão nocturna. E pôde sorrir ao vê-las, qual delas a mais entusiasmada, a observar atentamente o céu estrelado, apontando constelações, planetas e estrelas.
Imaginariam Copérnico, Galileu, Newton, que a Astronomia se tornaria uma ciência não só para deslumbrar profissionais, mas também amadores? Sonhariam eles, sequer que, hoje, saberíamos tanto sobre o Universo, um dos conceitos mais vagos que existem? Certo é que o céu fascina, e continuará a fascinar as gerações futuras. Iniciativas como as que o Departamento de Física da Universidade de Aveiro proporciona, funcionam como um meio de divulgação do conhecimento, e de encanto pelo que nos rodeia, fora do que está à vista desarmada. O conhecimento daquela noite ficou ali guardado, na memória de cada um dos presentes em Proença-a-Nova. Vale a pena abrir bem os olhos para o céu, e observar as estrelas. Vale a pena experimentar. Deleitem-se. Não se vão arrepender…

Repórter de Guerra - Luís Castro

2008-06-20T12:32:00.003+01:00

Título Original: Repórter de Guerra
Autor: Luís Castro
Oficina do Livro
2007

«Mandaram-me para um conflito esquecido no imenso Zaire; perdi-me na linha da frente em Angola; aprendi a língua do mato e descobri reféns em Cabinda; fugi das cidades em chamas e vasculhei montanhas em Timor; estive dentro da guerra e das traições na Guiné; fui à capital dos talibãs para sentir o cano de uma Kalashnikov; disfarcei-me nas tempestades do deserto iraquiano para compreender o povo do exército mais fraco. (…) alguém me disse que ‘os tiros que tu ouves não te matam’. Ouvi-os a todos e fui agradecendo a Deus cada vinte e quatro horas de vida que me dava.» (pág. 15)

Luís Castro esteve, por diversas vezes, onde se fez história, e teve a possibilidade de expor os acontecimentos para todo mundo, através da RTP. Foram 17 guerras ou situações de conflito, incluindo Angola (1999), Cabinda (2001); Guiné-Bissau (1998/2003); Timor-Leste (1999/2000); Afeganistão (2001/2003); e Iraque (2003/2006). As histórias relatadas no livro Repórter de Guerra são apenas algumas de entre as mais de mil horas de imagens que consultou, e estão relatadas não só pela sua visão jornalística, mas pela sua visão pessoal e emocional, apesar de ser contada a verdade, sem tirar nem pôr. Cada país, cada episódio vivido, levam-nos numa viagem ao interior de cada cultura, descobrindo homens e mulheres que, mais do que qualquer ocidentalizado, têm, verdadeiramente, problemas – como o refere o autor, ao longo do livro. De modo a focar a nossa atenção em factos que me tocaram especialmente, escolhi salientar dois episódios, que aconteceram em Angola e no Iraque.

Dizia Georg Hegel «O homem não é mais do que a série dos seus actos». Luís Castro, dentro e fora do país, tem amigos que o apoiam e uma família que se preocupa, principalmente quando parte para uma situação de guerra, sem saber se volta ou não. Também ele sofre, cada dia que está longe, desconhecendo se, no dia seguinte, ainda estará cá para contar o que vê. Os perigos que enfrenta, numa guerra, são louvados pelo ser humano mais comum, que admira a sua coragem e a sua ‘maluquice’, como muitos chamam ao seu desejo de sair da redacção e partir para o centro do conflito.

Em Angola (págs. 74-79), os militares das FAA eram peremptórios: «Em África não se fazem prisioneiros». Os inimigos eram mortos porque, vivos, seriam mais um prejuízo para eles. Certo dia, os militares trouxeram um prisioneiro da UNITA, e não permitiram que o matassem – situação estranha ao repórter da RTP, que ainda não tinha visto nenhum prisioneiro vivo. Dizem os das FAA: «- Senhor jornalista, fizemos um prisioneiro só para si. Para que o interrogue e filme o momento em que lhe vamos cortar a cabeça com a catana.» Imaginamos a reacção do autor a esta afirmação. Sim, entrevistou o prisioneiro, mas o seu lado pessoal não permitiu que o matassem. A decisão ficou dependente do cumprimento ou não da promessa dos militares, de que não o iam matar. Como jornalista, teria sido um momento de grande impacto, pois as suas imagens seriam únicas – filmar um soldado a cortar o pescoço a um prisioneiro. Mas Luís Castro não poderia permitir isso, como que sentindo «A morte de cada homem diminui-me, porque eu faço parte da humanidade» (John Donne). Sendo respeitado pelos soldados, sentiu que a única hipótese de salvação daquele homem estava nas suas mãos, e fez a única coisa que poderia, de forma a dormir tranquilo: abdicou dessas imagens em prol da vida do prisioneiro. Influenciou a acção, algo que um jornalista nunca deve fazer; mas, tal como refere no livro, talvez tivesse esse direito, pois a acção só foi desencadeada porque ele ali estava. O que faríamos no seu lugar? Teríamos a coragem de observar, filmar e distribuir por todo o mundo o momento do assassinato de um prisioneiro? Decerto traria uma elevada satisfação profissional, mas a nível pessoal, continuaríamos a viver descansados sabendo que o podíamos ter evitado? Penso que fez a escolha correcta, embora sob pressão e, provavelmente, temendo ele próprio algum tipo de repercussão.

No Iraque, em Março de 2003 (págs. 273-280) o jornalista e o repórter de imagem Vítor Silva embrenharam-se no deserto em direcção à linha da frente do exército americano. O facto de não estarem “embedded”, e de levarem consigo dois jornalistas israelitas, levantou dúvidas por parte dos soldados americanos, que desconfiaram da veracidade das suas identidades. Foram assim considerados inimigos, maltratados e humilhados. Permaneceram sequestrados dentro do jipe cerca de dois dias e meio, incomunicáveis, sobrevivendo ao calor e ao tédio. Tal como Séneca disse, «Devemos ir buscar a coragem ao nosso próprio desespero». Luís Castro ainda tentou conversar com os militares, saindo do jipe, mas estes ameaçaram-no com uma arma e bateram-lhe, deixando-o dorido. No terceiro dia, os americanos assumiram o erro e pediram-lhes desculpa, libertando-os, depois de confirmarem que eram simples jornalistas. Mas a situação marcou intensamente o repórter. O pró-americanismo que sentia esfumou-se quando se apercebeu do que estes lhe tinham feito. Se estivéssemos no seu lugar, decerto sofreríamos do mesmo sentimento de revolta.
Em 2008, Luís Castro partiu para o Iraque, de modo a relatar os cinco anos desde o início da guerra. Cinco anos após a situação descrita no livro, esteve “embedded” com os soldados americanos, no deserto iraquiano; os mesmos que o maltrataram e humilharam em 2003. A situação foi diferente: pôde estar, como tanto gosta, onde se fez história, e transmitiu para o mundo, uma vez mais, imagens inéditas da frente de batalha do exército americano, para além de reportagens menos mediáticas sobre Bagdade e os exércitos mais fracos. A vida tem destas ironias: juntar o jornalista com os americanos, apesar da culpa de uns não ter perdão, e a dor do outro não ter remédio.

Descobri, através do livro Repórter de Guerra, que o homem tem ainda muito a aprender acerca do mundo que o rodeia. Luís Castro conheceu meio mundo, fez amigos por toda a parte, sofreu com o que viu, teve medo, foi obrigado e puxar pela coragem, cobriu guerras que nenhum de nós consegue, sequer, imaginar… E, ainda assim, é lá, no centro da guerra, que se sente bem, que se sente útil e, verdadeiramente, jornalista, que ali está para relatar os acontecimentos e transmiti-los para o mundo. O livro não inclui todos os países em que esteve, muito menos todas as situações que viveu, mas inclui o essencial para percebermos que gosta do que faz e que o faz por gosto. Bassim Shuaip, jornalista iraquiano e amigo do autor, refere «(…) perguntei-lhe porque gosta dos palcos mais perigosos, especialmente do Iraque. Disse-me que só há uma verdade e que tinha de contá-la, nem que isso lhe custasse a vida». É isso que tem feito, ao longo da sua vida de jornalista, e que demonstra através das suas vivências em cenários de perigo.

Euro 2008 - Portugal para vencer

2008-05-13T16:13:00.003+01:00

A fase final do Campeonato Europeu de Futebol de 2008 decorre de 7 a 29 de Junho, na Áustria e na Suíça. Portugal está, pela quarta vez consecutiva, entre os 16 escolhidos para discutir o Campeonato, a segunda ao comando do técnico Luiz Felipe Scolari. «Este autocarro é movido a Vontade de Vencer», estará escrito no autocarro da selecção nacional. O céu é o limite; e o grande objectivo é chegar à final, em Viena, e vencer

Após alguma expectativa e especulação geradas à volta dos jogadores, Scolari acabou por desvendar os 23 convocados, a 12 de Maio, numa conferência de imprensa, em Viseu, local do estágio da selecção em Portugal. Eles são, por posição em campo:
Guarda-redes: Quim (Benfica), Ricardo (Real Betis Balompié), Rui Patrício (Sporting);
Defesas: Bruno Alves (FC Porto), Fernando Meira (VfB Stuttgart), Jorge Ribeiro (Boavista), Bosingwa (FC Porto), Pepe (Real Madrid CF), Miguel (Valencia CF), Paulo Ferreira (Chelsea FC), Ricardo Carvalho (Chelsea FC).
Médios: Deco (FC Barcelona), Petit (Benfica), João Moutinho (Sporting), Miguel Veloso (Sporting), Raul Meireles (FC Porto).
Avançados: Cristiano Ronaldo (Manchester United FC), Hélder Postiga (Panathinaikos FC), Hugo Almeida (Werder Bremen), Nani (Manchester United FC), Nuno Gomes (Benfica), Ricardo Quaresma (FC Porto), Simão Sabrosa (Club Atlético de Madrid).
Ricardo é o jogador com mais internacionalizações da equipa, devido ao “adeus” de jogadores como Rui Costa e Pauleta. Caneira e Maniche são os grandes ausentes da convocatória, tal como Makukula, preteridos em nome de Jorge Ribeiro e Miguel Veloso. Scolari não quis explicar as ausências, mas antes a estima pelos convocados: “As expectativas são as mesmas que tinha em 2004. Espero que estes atletas saibam representar o país dignamente e alcançar o melhor possível, respeitando sempre os adversários e chegar a uma situação na classificação que permita alcançar a segunda fase", disse o seleccionador.
As expectativas são elevadas. Depois da derrota com a selecção da Grécia, na final do Euro 2004 – organizado em Portugal; a melhor prestação da selecção –, e do 4º lugar no Mundial de 2006 – um excelente posicionamento, que podia ter ido mais além –, os resultados da fase de qualificação para o Euro 2008 não satisfizeram os adeptos portugueses, já habituados a um ambiente de vitória e desafogo. Portugal apenas garantiu a presença na fase final da prova no último jogo, ficando em 2º lugar, logo atrás da Polónia. Scolari já afirmou que a equipa tem de melhorar, mas mantém a esperança de corresponder às expectativas, que ele próprio ajudou a criar: "Se dissesse que não tinha confiança na minha equipa, as pessoas, provavelmente, matavam-me".
As 16 equipas que vão estar no Europeu de 2008 estão relativamente equilibradas, mas o objectivo do seleccionador português é fazer melhor do que em 2004. “Cada uma (equipa) tem 6,2 por cento de possibilidades de conquistar a prova", afirmou. "Se passarmos à fase seguinte, as nossas hipóteses crescem para 12,4 por cento, e assim sucessivamente. Mas temos uma equipa muito boa, isso é um facto".
Portugal ruma, assim, com vontade de triunfar, em direcção ao Euro 2008. A selecção está incluída no Grupo A, juntamente com a anfitriã Suíça, a Turquia e a República Checa. O local de estágio escolhido é Beau-Rivage, na Suíça. O primeiro jogo vai realizar-se a 7 de Junho, com a Turquia, em Genebra, às 20h45. Os jogos da primeira fase, todos realizados na Suíça, trarão de volta as recordações dos estádios cheios e das bandeiras nacionais à janela, durante o Euro 2004, devido à grande comunidade portuguesa no país. Também em Portugal se vai fazer o apoio pela selecção. Tanto dentro como fora do campo, Portugal pretende levar para casa o novo troféu de 8 quilos e 60 centímetros. Como diz o slogan da prova: “Expect emotions – Esperam-se emoções”. Força Portugal!

Queres ser meu amigo? Adiciona-me no hi5!

2008-05-01T14:43:00.000+01:00

O hi5 é uma plataforma de registos pessoais a nível mundial, que permite criar um perfil online, gratuitamente, com as informações pessoais de cada pessoa, fazer “amigos” e comunicar indirectamente com outros perfis, entre muitas outras coisas. Foi um dos 25 sites mais visitados em 2007, e já conta cerca de 100 milhões de membros. Quem não conhece o hi5? Quem não tem ainda (pelo menos) um perfil criado? É simples, rápido e divertido. Mas o que significa, verdadeiramente, a amizade, num mundo em que a tecnologia é o novo melhor amigo do homem?

Susana Fevereiro dá pela alcunha de Su. Tem vinte e cinco anos, completados no dia 7 de Abril deste mesmo ano. Nasceu em Lisboa, onde ainda hoje vive. É solteira, e fala três idiomas: espanhol, inglês e português. O seu perfil no hi5 diz-nos ainda que procura fazer amigos, que é simpática e divertida. Logo por baixo da descrição, está o seu endereço de e-mail, para qualquer pessoa poder adicionar no MSN ou enviar e-mails. A sua música preferida é “Falling Slowly”, do filme Once; o seu filme favorito é “O Diabo Veste Prada”; os seus programas televisivos preferidos são o canal MTV e filmes; o seu livro preferido é “Expiação”; e a sua citação preferida é “Be careful what you wish for. It might come true”. Isso é tudo o que sabemos sobre a rapariga aloirada, cuja fotografia do perfil mostra a passear numa praia. Tudo.
No primeiro mês desde o seu registo no hi5, a 1 de Abril de 08, Su angariou já 27 “amigos”, dos quais apenas adicionou 3. Tem também 1 recorte no álbum, 2 mensagens privadas, e 1 comentário ao perfil. Depois de se inscrever em 14 grupos, de acordo com os seus gostos, começaram a surgir as visitas ao perfil, depois os pedidos de “amizade via hi5”, e a correspondente aceitação por parte de Su, sempre pronta a fazer novos amigos. No total, durante o primeiro mês, foram 44 as visitas ao perfil de Su; não demasiadas, mas bastantes para quem não adicionou mais do que 3 “amigos”, e muitas se tivermos em conta as pessoas que, dessas, a convidaram como “amiga”.
Su parece ser uma rapariga simples, simpática, inexperiente no mundo do hi5, talvez um pouco tímida, mas que procura, sempre que possível, “conhecer” novas pessoas e travar amizade com elas. Pelo menos é o que parece segundo os olhos de alguém que não a conhece pessoalmente, e que apenas descobriu o seu perfil no hi5 e adicionou, ou deixou-se adicionar como “amigo”. Mas Su pode ser uma rapariga totalmente diferente. Su pode não ter nascido em Lisboa; pode não gostar do livro “Expiação”; pode não se chamar, sequer, Susana Fevereiro. Pode até nem existir!
A verdade é que qualquer pessoa, onde quer que esteja, seja quando for, pode criar uma conta na grande rede que é o hi5. Para isso, basta criar um endereço de e-mail – o que também pode fazer sem limites, em qualquer site próprio para o efeito – e dirigir-se a www.hi5.com; registar-se no site, criando um perfil, ao qual apenas pode aceder com o username e a password previamente escolhidos, e começar a fazer “amigos”. É tão simples quanto isto. Sem limites. Sem condicionalismos. Sem problemas.
Mais: qualquer pessoa, com uma conta hi5, pode adicionar os “amigos” que quiser, desde que estes aceitem a sua proposta. Mais do que um sítio para colocarmos as nossas descrições pessoais, gostos e desejos, o hi5 tornou-se uma forma de partilha de informação mundial, e uma rede de “amizades” virtuais, muitas vezes com pessoas que nem sequer conhecemos, com perfis que nos despertam a atenção, mas que não conhecemos de lado nenhum, e que podem até ser falsos.
O conceito de “amizade” tem perdido, assim, a sua verdadeira essência. Diz o verbete de dicionário: “amizade s.f. – afeição; amor; boas relações; laço cordial entre duas ou mais entidades; dedicação; benevolência”. Através do hi5, como descobrimos os nossos verdadeiros amigos, se não soubermos quem estamos a adicionar? No caso de Su Fevereiro aconteceu exactamente o mesmo. Todos os que a adicionaram, sem excepção – porque nenhum a conhecia pessoalmente –, fizeram-no por um impulso de curiosidade, de modo a juntarem mais um “amigo” ao seu perfil, e a conhecerem novas pessoas. É isso que acontece quando se adiciona alguém que não se conhece. Foi esse mesmo impulso que levou Su a adicionar 3 “amigos”, também como uma forma de começar no mundo do hi5.
É tão simples quanto isto: Su Fevereiro não existe; a sua fotografia de perfil encontra-se algures nas imagens do Google; as suas informações pessoais e gostos são totalmente inventados; o seu endereço de e-mail foi exclusivamente criado com o propósito de desenvolver um perfil imaginário no hi5, e fazer um estudo estatístico de quantos alegados “amigos” a rapariga bonita de 25 anos conseguiria reunir, tal como obter todas as estatísticas que rodeiam o estudo. É mais simples do que parece, e está mais próximo de nós do que imaginamos: apenas a um clique de distância. A Internet e as novas tecnologias têm destas situações. Podem divertir-nos, ajudar-nos na busca de informação, ser-nos úteis para as mais variadas coisas; mas, pelos vistos, também podem usurpar a verdadeira amizade, em troca de histórias falsas e imaginárias… e de pessoas que nunca puseram os pés na Terra. É bom ficarmos atentos ao que estamos a fazer ao mundo em que vivemos. Porque os próximos iludidos podemos ser nós.

Na linha da morte

2008-04-20T12:23:00.000+01:00

O deserto que os rodeava sugeria uma luta difícil contra a morte. Com o filho de cinco meses nos braços, o jovem casal Stolpa perdeu-se numa interminável tempestade de neve, no Nevada, sendo Jim e Jennifer, juntamente com Clayton, considerados desaparecidos. Já mal podiam andar, mas a vontade de sobreviver e de salvar o filho levou-os a não desistir de tentar encontrar ajuda. Caminhando através da neve, e suportando temperaturas abaixo de zero graus, durante nove dias, os Stolpa sobreviveram para contar o episódio mais delicado das suas vidas

James e Jennifer Stolpa viviam em Castro Valley, na Califórnia, onde James era soldado privado do Exército americano. No final do ano de 1992, receberam a notícia da morte de uma avó, e decidiram viajar até Idaho, para assistir ao funeral, apesar do Inverno bastante rigoroso e das tempestades constantes. Partiram, assim, a 29 de Dezembro de 1992, em direcção a Pocatello: Jim, com vinte e um anos; Jennifer, com vinte; e o filho, Clayton, com cinco meses de idade.
A viagem na pick-up estava a decorrer sem problemas. Porém, no Norte do Nevada, depararam-se com a estrada principal, a Interestadual 80, sobre Donner Pass, encerrada devido à neve. Sem avisarem ninguém, os Stolpa seguiram por uma estrada secundária, tentando chegar a tempo ao funeral, contornando Donner Pass. Acabaram por ser encurralados numa tempestade de neve, que deixou a carrinha presa num monte de neve e totalmente imóvel, a cerca de 64 quilómetros da civilização.
Permaneceram quatro dias no interior da carrinha, um abrigo gelado, quase sem mantimentos, tentando manter Clayton vivo; esperando que alguém os encontrasse. Mas ninguém veio. Os Stolpa perceberam então que dificilmente alguém os ia resgatar. Por isso, no quinto dia, decidiram abandonar o veículo e caminhar, tentando encontrar ajuda. Jim ia à frente, puxando um trenó onde repousava Clayton, dentro de um saco; Jennifer caminhava atrás dele, um pouco cansada, devido ao parto que tinha sofrido há apenas cinco meses. Andaram cerca de 19 quilómetros, quando se aperceberam de que a estrada que procuravam estava também encerrada. Jennifer ficou perturbada, chorando descontroladamente e dizendo que não aguentava mais as dores nas ancas e nos pés. Mas Jim convenceu-a a voltar para trás de modo a tentar encontrar a localidade mais próxima. “Nós não estamos a fazer isto por mim nem por ti. Estamos a fazê-lo pelo bebé”, disse-lhe. Deram assim a volta e seguiram caminho.
Ao não ouvirem o choro de Clayton, por momentos, Jim e Jennifer temeram que a criança não tivesse aguentado o frio e a fome. Mas foi apenas um susto.
Durante vinte e oito horas, irromperam pela neve densa, que tornou a caminhada extremamente complicada. Jennifer estava cada vez mais fraca, impossibilitando-os de continuar a andar, mal aguentando estar em pé, quando Jim descobriu uma pequena gruta, escavada nas rochas. Abrigaram-se aí durante a noite, construindo uma pequena fogueira, que não durou muito. Tiveram de passar mais uma noite ao frio, no deserto. No dia seguinte, Jim decidiu abandonar a gruta e partir sozinho em busca de ajuda, pela estrada que ia dar a Vya, deixando Jennifer e o filho abrigados do frio e do vento. De princípio, Jennifer ficou apreensiva, pois tinham combinado permanecer sempre juntos. “Ela não queria que nos separássemos. Mas no fundo, acho que ela sabia”, disse, mais tarde, James Stolpa, numa entrevista. “Se eu tivesse ficado lá, todos teríamos morrido”. Então, Jim despediu-se de Jennifer, trocando palavras de consolo e promessas, não sabendo se conseguiria regressar. Deixou na gruta a maior parte das provisões e o saco-cama, e pediu à esposa para rezar por ele.
Jim continuou assim o seu caminho, lutando contra o cansaço, o frio e a fraqueza. Dezoito horas depois de ter abandonado a gruta, seguindo as suas pegadas, encontrou a pick-up que os tinha trazido até ali, e pernoitou no seu interior para descansar da longa caminhada. “Tenho de sobreviver. Tenho de sobreviver para eles poderem sobreviver”, continuava a dizer a si próprio.
Na manhã seguinte, caminhou para Oeste, seguindo os vestígios das rodas da carrinha, esperando chegar ao último túnel pelo qual tinham passado, a cerca de 80 quilómetros e meio. Caminhou durante trinta horas, ultrapassando os 64 quilómetros, sem comida nem água. De modo a combater a exaustão, adormecia cerca de cinco minutos, de hora a hora, e continuava a repetir para si que tinha de sobreviver, e que não podia dormir mais do que isso, com medo de não voltar a acordar. Quase sem dar por isso, Jim avistou uma carrinha, ao longe, na estrada, e começou a acenar e a gritar o melhor que conseguia, para o verem e resgatarem. O funcionário da auto-estrada, Dave Peterson, parou a carrinha para ver o que estava a acontecer, quando viu James Stolpa entrar no veículo e dar-lhe um grande aperto de mão. Tinha caminhado entre 80 a 97 quilómetros pelo deserto de neve, em dois dias. O seu rosto estava coberto de gelo, os pés e as mãos congelados. Mas Jim tinha conseguido.
Entretanto, Jennifer continuava à espera do marido, na gruta. Amamentava o filho como podia, embora não tivesse muita água para beber. Passado um tempo, apercebeu-se de que não estava a produzir leite suficiente. Então, começou a derreter neve na boca e a deixar cair a água na boca de Clayton. Para além dessa dificuldade, Jennifer sentia os pés muito frios, e tentou destapá-los de modo a aquecê-los dentro do saco-cama. Os pés tinham adoptado uma cor azul, e ela mal os sentia. Não sabia também que a diferença de temperaturas ainda piorava mais o estado do pé.
Três dias depois de Jim os ter abandonado na gruta, já sem água e com poucos alimentos, Jennifer ouviu um som vindo do deserto. Ao colocar a cabeça de fora da gruta, avistou uma carrinha e dois homens que a vinham salvar.
Depois de ter sido levado por Petersen para a sua casa, James forneceu a informação detalhada aos homens, para poderem resgatar Jennifer e Clayton. Posteriormente, foi levado para o hospital, onde se encontrou com Jennifer e o filho. O olhar que trocaram foi apenas de agradecimento por estarem todos vivos. Devido aos ferimentos graves de exposição ao frio durante um longo período, Jim e Jennifer tiveram de se submeter a cirurgias, nas quais lhes foram amputados todos os dedos dos pés. Mas o contentamento por o filho não ter sofrido lesões graves fê-los superar a tragédia que tinham acabado de viver.
Os media depressa foram atraídos pela miraculosa história dos Stolpa. Foram feitos filmes e documentários sobre a sua sobrevivência, de Dezembro de 1992 a Janeiro de 1993, no deserto do Nevada; e a família, aos poucos, foi recuperando do episódio. Quinze anos depois de terem sido encontrados, a sua história ainda corre por todo o mundo. Hoje, Jim Stolpa, com 37 anos, e Jennifer, com 36, estão divorciados, desde 1999, e partilham a custódia do filho Clayton, de quase 16 anos, e da filha Shelby, nascida em 1995. Jim voltou a casar e trabalha como operador de máquinas, enquanto estuda design mecânico. Quanto a Clayton, Jennifer Repetti – também casada de novo – garante: “Ele era demasiado novo para se lembrar de alguma coisa. As únicas vezes que ele pensa nisso acontecem quando vê algo sobre isso na televisão”. Apesar do divórcio, Jim e Jennifer nunca esquecerão o que viveram juntos, e continuam a ser bons amigos. Guardam uma boa recordação de toda a situação, afirma Jim: “Sempre que olho para os meus filhos, apercebo-me de que eles não estariam aqui – nenhum deles –, se não tivéssemos saído dali”.

Into the wild - Chris McCandless

2008-03-26T15:57:00.010Z

"So many people live within unhappy circumstances and yet will not take the initiative to change their situation because they are conditioned to a life of security, conformity, and conservatism, all of which may appear to give one peace of mind, but in reality nothing is more dangerous to the adventurous spirit within a man than a secure future. The very basic core of a man's living spirit is his passion for adventure. The joy of life comes from our encounters with new experiences, and hence there is no greater joy than to have an endlessly changing horizon, for each day to have a new and different sun."
Chris McCandless

"I now walk into the wild". Foi com esta simples frase que Chris McCandless desapareceu para sempre na floresta selvagem das montanhas do Alasca, a 28 de Abril de 1992. 16 anos depois, a história da sua vida ainda ecoa nas paredes do mundo, dispersando uma sensibilidade invulgar nas almas dos que a contemplam

Logo após acabar o curso na Universidade de Atlanta, em 1990, Christopher McCandless doou os 24 mil dólares que tinha no saldo bancário a instituições de caridade e desapareceu sem avisar a família. Já não era a primeira vez que Chris decidia fazer uma viagem pelos vários estados americanos, sozinho, dependendo da natureza e do que encontrava no caminho. Mas daquela vez foi diferente. A sua raiva quanto à civilização em que vivia, quanto aos pais e às mentalidades e materialismos da época, foi fundamental para a sua tomada de decisão. A partir daquele dia, nunca mais regressou a casa.
Devido a um problema com o seu velho Datsun amarelo, Chris foi impelido a abandonar a viatura junto ao lago Meade, em Detrital Wash, mas isso não o impediu de continuar. Encarou a situação como um sinal do destino e, abandonando junto ao carro grande parte dos seus pertences e queimando todas as notas que trazia consigo – cerca de cento e vinte e três dólares –, Chris McCandless partiu a pé em direcção a Oeste, adoptando um novo estilo de vida, no qual era livre e assumia o nome de Alexander Supertramp, seguindo os ideais de Henry David Thoreau, Leon Tolstói e Jack London, em busca de experiências novas e enriquecedoras.
Foi à boleia que chegou a Fairbanks, no Alasca, fazendo amigos e conhecendo lugares magníficos pelo caminho. Entre as suas aventuras destacam-se uma descida do rio Colorado em canoa, perigosa e cheia de adrenalina. Walt e Billie McCandless, pais de Chris, ainda tentaram encontrá-lo, mas em vão. Apenas a sua irmã Carine recebia uma carta de quando em vez, e mesmo ela não sabia a sua localização. Os anos foram passando, e Chris continuava sozinho, algures na América, passando por Carthage, Bullhead City, Las Vegas, Orick, Salton City, entre outros, até chegar finalmente ao destino pretendido: o Stampede Trail. Conheceu Jan e Bob Burres, Wayne Westerberg, Ronald Franz (nome fictício), que se tornaram seus amigos inseparáveis; permaneceu em alguns sítios durante meses, mas partia de seguida para outras aventuras.
Por onde passou, Chris alterou as vidas das pessoas que o conheceram. A sua personalidade forte, muito inteligente e simpática convenceu Franz a mudar-se para uma roulotte, e deu uma nova vitalidade a Jan e Westerberg. Raramente falava de Annandale e de casa, e por vezes era misterioso e ponderado. Mas o rapaz de vinte e quatro anos, que todos conheceram como Alex, cumpriu o seu destino e partiu de Fairbanks em direcção ao Monte McKinley, dois anos depois de ter iniciado a sua viagem.
Gallien deu boleia a Chris até ao Parque Nacional Denali, através do Stampede Trail, um caminho que levava ao interior do Alasca. Também ele simpatizou com o rapaz, que gentilmente lhe contou os planos de permanecer alguns meses na floresta. A única comida que levava era um saco com cinco quilos de arroz, e o seu equipamento era pouco adequado a quem planeava fazer o que ele se propunha. Ainda assim, o rapaz parecia determinado, e nada o podia dissuadir. Partiu assim para o desconhecido, ignorando a hora e o dia, numa quinta-feira de Abril, sem deixar rasto.
Através de um diário que manteve na contracapa de vários livros, com cento e treze entradas, podemos compreender o que realmente aconteceu a Chris McCandless na sua viagem ao interior do Alasca. Alimentou-se do que trazia e de algumas bagas que colhieu na natureza, tal como de alguns animais que caçou, com sucesso; leu vários livros, rabiscando-os com pensamentos próprios sobre a vida; passeou por diversos bosques, mas o local onde permaneceu mais tempo foi logo abaixo da Cordilheira Externa, onde ainda hoje se encontra um autocarro abandonado. O autocarro 142 do Fairbanks Transit System serviu de residência a Chris, que pernoitou e escrevinhou algumas frases no seu interior, nos meses que se encontrou na floresta como: “(…) SEM JAMAIS TER DE VOLTAR A SER ENVENENADO PELA CIVILIZAÇÃO, FOGE E CAMINHA SOZINHO PELA TERRA PARA SE PERDER NA FLORESTA”. Permaneceu cerca de quatro meses nas montanhas, sobrevivendo à custa do que encontrava, totalmente sozinho, livre. O seu corpo foi encontrado em decomposição em Agosto de 1992, embrulhado num saco-cama no interior do autocarro, já morto há cerca de duas semanas, com um pedido de socorro colado na porta. Mas foi tarde demais.
Uns dizem que morreu à fome, outros pensam que foi envenenado despropositadamente por algumas bagas que ingeriu. Nunca se saberá bem a verdade. Mas Chris McCandless morreu feliz; ele próprio o disse numa entrada no diário, apercebendo-se do seu fraco estado de saúde: “Tive uma vida feliz, e agradeço ao Senhor. Adeus e que Deus vos abençoe a todos”.
Quando foi descoberto no Alasca, sem vida, a tarefa de escrever um artigo sobre o viajante, na altura desconhecido, foi incumbida a Jon Krakauer, jornalista da revista Outside. A história de McCandless tocou-o profundamente, e o facto de a sua própria vida se assemelhar à viagem do rapaz, levou-o a investigar a fundo toda a sua jornada desde Anandale até ao Alasca. Tudo o que descobriu, depois de falar com diversas pessoas, e visitar vários locais por onde o viajante Alex passou, foi agrupado num livro ao qual deu o nome de “Into The Wild – O Lado Selvagem”. O livro, bestseller desde que foi lançado, em 1996, deu agora origem a um filme, com o mesmo nome, realizado por Sean Penn.
Muitos o acusam de egoísmo e superficialidade, considerando a sua atitude de abandonar tudo, sem falar com a família, e partir para o desconhecido, como uma forma de satisfação pessoal e ostentação, e até mesmo de suicídio. Outros, como Krakauer, admiram a sua coragem inabalável de viver melhor, com simplicidade, tirando partido das pequenas coisas da vida, vivendo aventuras e experiências que mais tarde poderia contar aos seus netos; sendo livre e feliz. Os dois anos que viveu servem ainda hoje de exemplo para milhares de jovens que decidem mudar não só o seu futuro, mas o seu presente, tal como outros serviram de inspiração à viagem do próprio Chris McCandless. Uma lição de vida a que vale apena atender.

Noite de Óscares

2008-02-26T15:00:00.002Z

A 24 de Fevereiro, Hollywood voltou a ser palco da 80ª, Cerimónia dos Óscares da Academia. A audiência do Kodak Theatre, em Los Angeles, apresentou-se totalmente lotada, com cerca de 3 mil lugares preenchidos. Os telespectadores, espalhados por todo o mundo, eram muitos mais – dezenas de milhões, em mais de duzentos países… O ambiente foi o de sempre – actores emocionados e muito divertimento. As 24 estatuetas foram distribuídas durante as três horas e meia da Cerimónia, e a noite foi recheada de lágrimas e sorrisos

A passadeira vermelha começou a encher por volta das quatro horas e meia da tarde, hora local (meia-noite e meia em Portugal). Podíamos ver já alguns dos nomeados, e alguns dos apresentadores. Muitos se dispuseram para falar com as câmaras, antes de entrarem no Kodak Theatre para ocuparem os seus lugares. A chuva que se fazia sentir em Los Angeles não deixou ninguém em casa. Para o efeito, até se arranjou uma cobertura para a passadeira vermelha, de modo a abrigar os convidados da chuva. O facto de a greve dos argumentistas ter acabado há poucos dias, depois de três meses e meio de greve, também não surtiu efeito na afluência das estrelas de Hollywood à Cerimónia dos Óscares.
Cerca das cinco horas e meia da tarde, o relógio parou a contagem decrescente, e Jon Stewart entrou em palco para a sua segunda vez a apresentar os Óscares da Academia. Com o humor habitual, foram referidos os excelentes filmes e actores que estavam nomeados este ano. A festa dos Óscares tinha acabado de começar.
As estatuetas foram distribuídas pouco a pouco, desde o prémio para Melhor Guarda-Roupa até ao tão desejado prémio de Melhor Filme de 2007. Os favoritos eram Haverá Sangue (There Will Be Blood) e Este País Não é para Velhos (No Country for Old Men), com oito nomeações cada. Destacavam-se ainda na corrida aos Óscares principais Uma Questão de Consciência (Michael Clayton) e Expiação (Atonement), com sete nomeações. Não houve grandes surpresas, nas principais categorias, mas nem por isso a Cerimónia perdeu o seu glamour de sempre.
O primeiro dos grandes prémios a ser apresentado foi o de Melhor Actor Secundário, conquistado pelo actor Javier Bardem, por Este País Não é para Velhos (No Country for Old Men), no qual desempenha o papel de assassino sociopata, perseguindo um jovem que roubou uma mala de dinheiro da droga. O seu reconhecimento era já esperado, embora houvesse excelentes actores na corrida ao mesmo Óscar, que acabaram por ficar pelo caminho, como Casey Affleck, pelo filme O Assassínio de Jesses James pelo Cobarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford) e Tom Wilkinson por Uma Questão de Consciência (Michael Clayton). No habitual agradecimento, Javier Bardem agradeceu aos irmãos Cohen (realizadores do filme) “por terem sido suficientemente doidos para pensar que eu conseguiria fazer isto e representar com um dos mais horríveis cortes de cabelo da história”. Teve ainda tempo para dedicar o Óscar à mãe, em espanhol, emocionado.
O prémio de Melhor Actriz Secundária foi atribuído a Tilda Swinton, pelo papel em Uma Questão de Consciência (Michael Clayton), no qual desempenha uma advogada que representa uma empresa, e que enfrenta um grave processo. Foi uma surpresa, pois era esperado que Cate Blanchett recebesse o Óscar pelo filme I’m Not There, onde representa o cantor Bob Dylan. Ainda assim, Tilda Swinton foi uma justa vencedora, e também o seu discurso de agradecimento foi comovido. “Oh, no. Happy birthday, man”, começou por dizer, olhando para a estatueta dourada que segurava na mão. Dedicou o Óscar a Sidney Pollack e a George Clooney, com o qual troçou amigavelmente pelo seu papel em Batman e Robin; “You rock, man”, disse ainda. Por fim, agradeceu.
A Actriz Principal premiada foi a francesa Marion Cotillard, pelo papel extraordinário de Edith Piaf no filme francês La Vie en Rose. Deixou para trás a que seria uma aguardada surpresa na noite, Ellen Page, pelo filme Juno, e uma Julie Christie que esperava consolidar a sua carreira. Marion Cotillard, sem admiração, levou para casa a estatueta, na sua primeira vez nos Óscares, e pode dizer-se que foi uma das mais emocionadas da noite. Agradeceu a Olivier Dahan; “… Tu deste a volta à minha vida”; e à Academia, até ficar “speechless”, sem palavras. Finalizou com: “Obrigada vida, obrigada amor, e é verdade, há alguns anjos nesta cidade…”.
O vencedor mais esperado e, no entanto, o grande vencedor da noite, foi Daniel Day-Lewis, que conquistou o Óscar de Melhor Actor Principal, pelo seu papel de petroleiro na Califórnia, destemido e ambicioso, no filme Haverá Sangue (There Will Be Blood). Daniel Day-Lewis concorreu, verdadeiramente, com grandes nomes a seu lado: George Clooney, Johnny Depp, Tommy Lee Jones e Viggo Mortensen. Muitos comentadores pensam que qualquer um dos cinco seria um justo vencedor. Mas Daniel Day-Lewis, com Haverá Sangue (There Will Be Blood), desempenhou o papel da sua carreira, ainda mais importante do que O Meu Pé Esquerdo (My Left Foot), com o qual também já tinha ganho o Óscar, em 1989. Mal ouviu o seu nome, Daniel dirigiu-se a George Clooney, abraçou-o dando-lhe um beijo na cara, e caminhou até ao palco, para agradecer emocionadamente: “Espero que todos aos quais eu devo isto, e me sinto profundamente grato, me perdoam se disser, simplesmente, «Obrigado, Paul (Thomas Anderson, o realizador do flme)»”. Agradeceu, de seguida, ao avô, ao pai e aos três filhos, depois de já ter agradecido à mulher, Rebecca Miller.
Os prémios mais aguardados, de Melhor Realizador e Melhor Filme de 2007, foram as últimas categorias a serem desvendadas, mantendo o habitual suspense, até ao final da Cerimónia. A grande dúvida pairava sobre Haverá Sangue (There Will Be Blood) ou Este País Não é para Velhos (No Country for Old Men), os mais nomeados e favoritos para estas categorias. O filme dos irmãos Joel e Ethan Cohen acabou por levar, não uma, mas as duas estatuetas douradas… Este País Não é para Velhos (No Country for Old Men), tornou-se, assim, o filme de eleição de 2007, e, no caso português, um filme para ver em 2008, pois a sua estreia acontece apenas a 28 de Fevereiro. Dos irmãos Cohen, Joel teve o discurso mais longo: “Ethan e eu criamos histórias com câmaras de vídeo desde que éramos crianças. (…) Sinceramente, o que fazemos agora não parece muito diferente do que fazíamos na altura”. Os risos arrancados à plateia foram muitos. Terminou, agradecendo a todos, e dizendo-se muito entusiasmados por receberem os Óscares.

De destacar ainda outros prémios, também importantes, na Cerimónia. O filme Ratatui (Ratatouille), de Brad Bird, arrecadou o Óscar de Melhor Filme de Animação, já esperado, mas não conseguiu sequer chegar à nomeação para Melhor Filme do ano. O prémio de Melhor Banda Sonora foi para o filme Expiação (Atonement), cujo característico som da máquina de escrever ficou no ouvido de todos os que viram o filme. O prémio de Melhor Documentário foi ganho por Táxi to the Dark Side, embora a escolha não pudesse ser muito divergente, pois todos os nomeados estavam relacionados com o tema do Iraque. O filme de baixo custo Juno venceu o Óscar de Melhor Argumento Original, mas não superou as expectativas, como se pensou que pudesse fazer, talvez ao levar a estatueta de melhor filme ou realizador. Esse facto era aguardado com alguma esperança, depois de ter ultrapassado os 125 milhões de dólares na bilheteira americana. Na categoria de Melhor Música Original, depois das três nomeações (talvez um pouco exageradas) de músicas do filme Uma História de Encantar (Enchanted), o grande vencedor foi o filme independente Once, com a música Fallng Slowly, merecedora do Óscar. O Melhor Guarda-Roupa foi para Elizabeth – A Idade De Ouro, e a Melhor Direcção Artística foi o único Óscar para Sweney Todd – O Terrível Barbeiro de Fleet Street.
No balanço da Cerimónia, Este País Não é para Velhos (No Country for Old Men), dos irmãos Cohen, foi o vencedor da noite, com quatro prémios arrecadados, incluindo ainda Melhor Argumento Adaptado. A grande surpresa foi Ultimato (The Bourne Ultimatum), que venceu nas três categorias para as quais estava nomeado. Embora todas sejam categorias técnicas, de som e imagem, acabou por ser o segundo filme mais premiado da Cerimónia. Seguiu-se Haverá Sangue (There Will Be Blood) – também com Melhor Fotografia – e La Vie en Rose – também com Melhor Caracterização –, com duas estatuetas cada. No geral, não podemos falar de grandes vencedores e grandes vencidos. Os prémios foram bastante distribuídos, por grande parte dos filmes nomeados, e não houve preferência em género ou em número de nomeações.
A Cerimónia contou ainda com vários tributos a actores, realizadores e filmes antigos, especialmente devido a esta ter sido a 80ª Cerimónia dos Óscares da Academia, uma data histórica. O tributo fez-se, maioritariamente, na Cerimónia, quando se recordaram os setenta e nove filmes já premiados com Óscares de Melhores Filmes, não contando com o de 2008. Em 1928, a primeira cerimónia foi um jantar, num hotel, no qual se distribuíram os Óscares, na altura onze, pelos vencedores previamente anunciados.
O Presidente da Academia, Sid Ganis, levou ainda os espectadores a uma viagem virtual pelos segredos dos Óscares: o envelope selado e o sigilo entre júris. Outro momento alto da noite foi a recordação dos actores, realizadores, argumentistas, entre outras pessoas ligadas à indústria do cinema, que faleceram no ano de 2007 e no princípio de 2008. Relembraram-se, entre muitos outros, Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni e Heath Ledger, este último morto acidentalmente em Janeiro, que deixou todo Hollywood de luto. Por fim, o Óscar Honorário foi entregue a Robert Boyle, de 98 anos.
O apresentador americano, Jon Stewart, encarregado da animação e apresentação dos Óscares deste ano, protagonizou os momentos mais hilariantes da Cerimónia. Embora tenha ficado um pouco aquém de Ellen Degeneres, nos Óscares de 2007, Stewart riu e fez rir, divertindo a audiência e os espectadores que acompanhavam a Cerimónia de casa.
Eram quase nove horas da noite, locais (cinco da manhã em Portugal), quando o último prémio foi anunciado, e a Cerimónia dava mostras de estar prestes a acabar. Uma noite recheada de emoções, como sempre, que significou uma «directa» para muitos fãs e críticos de cinema, que não perderiam os Óscares por nada deste mundo. Uma Cerimónia histórica, para se juntar às outras setenta e nove, que constituíram, definitivamente, história, no cinema e no mundo. O único ponto negativo da Cerimónia dos Óscares da Academia é, exactamente, chegar ao fim, e sabermos que só daqui a um ano a poderemos ver outra vez; fazer outra «directa», não dormir, e passar mais uma noite com as estrelas de Hollywood. Tal como Jon Stewart se despediu, também nós temos de dizer adeus aos Óscares. Até à próxima!

conta-me como é

2008-02-10T18:11:00.003Z

Desde meados de 2007 que a série “Conta-me como foi” ocupa as noites de Domingo da RTP. Adaptada da série espanhola “Cuentame como pasó”, pelos realizadores Fernando Ávila e Pedro Miguel, retrata o ambiente social e económico dos finais da época de 60, pela voz de um homem que a viveu enquanto criança, e pelos olhos de uma família tipicamente lisboeta. Considerada uma das melhores séries portuguesas da actualidade, “Conta-me como foi” reúne história, ficção e entretenimento, num passado não assim tão longínquo.

Sem juízos de valor, sem moralismos, sem tomadas de partidos. “Conta-me como foi” demonstra a realidade de uma época conturbada, de um regime ditatorial, de uma sociedade difícil de enfrentar. Pretende apenas entreter, contando, em forma de filme, como foi que nos tornámos o que somos hoje. Mas penso que, essencialmente, faz milhões de pessoas voltar atrás no tempo para recordarem e reviverem momentos já esquecidos, e outros milhões conhecerem a história daquele que é o seu país. Não sei se o título pretende obrigar o narrador a contar aos telespectadores exactamente como foi que aconteceu, ou se pretende apenas ser sugestivo. Talvez suscite várias concepções, e seja esse o seu verdadeiro objectivo: ser subjectivo. A verdade é que o é.
“Conta-me como foi” mostra a evolução da moda, das tecnologias, dos produtos, das publicações, dos veículos, da política, do desporto, da rádio, da televisão, das pessoas… É a imagem de um país fechado em si mesmo, que hoje já não existe, mas continua a assombrar o futuro. Através de uma abordagem realista, com um toque de humor à mistura, o Portugal de 1968 é desvendado e comparado com o Portugal de hoje, onde usar um computador faz parte do dia-a-dia, e não é uma simples visão.
Uma família lisboeta, de classe média-baixa, que se debate diariamente com problemas financeiros, é o centro desta história. É através dela e das suas peripécias que o telespectador acompanha a sociedade portuguesa, e os hábitos da altura. Um casal, uma avó, e três filhos. O mais novo narra a história, não como ela realmente aconteceu, mas como ele a viu: pelos olhos de uma criança de oito anos, que se vê dentro de uma sociedade que não compreende mas aceita. Agora, já adulta, a criança conta a sua infância, e deixa transparecer uma inocência que já não sente.
As peripécias vividas pela família Lopes acompanham também as associações secretas e as manifestações anti-regime, a prisão pela PIDE, os conformismos das classes altas e as desgraças das classes baixas, a rigidez da educação, os hábitos da vida social. Consegue uma coesão narrativa que se adequa perfeitamente ao período retratado – muitas vezes documentado, mas nunca como em “Conta-me como foi” –, através de um enredo fantástico e de um elenco que parece vindo da década de 60 – destacando a excelente interpretação de Miguel Guilherme e Rita Blanco, enquanto pai e mãe de família, respectivamente, e de Luís Ganito, enquanto filho mais novo do casal. Conta todos os tabus, todas as acções corajosas, todas as ambições, todos os problemas… e a grande dificuldade de aceitação das novas mentalidades, que hoje nos parecem não fazer qualquer sentido.
Acompanhada pelo genérico musical de José Cid, “Conta-me como foi” é uma série de renome, aparentemente superficial, mas intensa depois de uma visão mais aprofundada. Sem quaisquer concepções acerca das personagens e do país, a liberdade que lhes é retirada é-nos dada de bandeja, para criarmos nelas o nosso próprio pensamento sobre a época e o mundo de hoje. O título acaba por obrigar, por uma qualquer força maior, o narrador a contar a história como foi, sem pôr nem tirar, e a dá-la a conhecer a todos os telespectadores – principalmente àqueles que não a conhecem –, continuando a ser sugestivo e subjectivo. Cabe a cada um tirar as suas próprias conclusões, mas o facto de ser um programa mais direccionado para as gerações que viveram a década de 60, não quer dizer que não seja importante para as gerações mais novas. Aliás, penso que é essencialmente importante para os jovens de hoje compreenderem o que era o país há 40 anos atrás – para compreenderem a sua evolução e poderem aprender mais sobre o futuro. “Conta-me como foi” é uma forma divertida, realista e pura de acompanhar o passado, e de nos conhecermos melhor a nós próprios. Sem isso, como podemos enfrentar este mundo?

people

2008-01-19T18:03:00.001Z

Olho à minha volta. Os carros passam a uma velocidade estonteante; o sol brilha no infinito do céu; os prédios altos cobrem a vista do mar; os passeios estão desgastados pelo vigor do tempo. Onde estão as pessoas no meio disto tudo…?
Uma criança olha incessantemente para o boneco que deixou cair no chão, enquanto outra o apanha e lho devolve; um homem permanece sentado no passeio, com os joelhos contraídos contra o peito, agarrando com as mãos molhadas o rosto repleto de lágrimas; outro passa a correr à velocidade da luz, não se importando com o que derruba no caminho. Continuo a olhar à volta e vejo mais. Uma mulher agarra com força a mão do homem a seu lado, sorrindo para si mesma; um jovem vagueia pelas ruas abrangido pela música do seu iPod; uma rapariga caminha vagarosamente, lendo em simultâneo o livro que tem aberto nos braços…
Pessoas tão diferentes, tão características… Cada uma com os seus sonhos e vivências, segredos e desabafos, histórias e valores… Basta um olhar para nos apercebermos dessa diversidade. É fantástico o que uma pessoa pode revelar num simples olhar, ou numa simples acção… Transmite-nos uma vida inteira. Vale a pena olhar para uma pessoa e ver o que ela tem a dar. Um simples gesto pode significar tanto… E aí continua a diversidade. O que significa um sorriso? E uma lágrima? Os nossos gestos podem ter tantos motivos…
Observar. Tudo faz parte do grande dom da observação. Poder observar uma pessoa e tentar descobrir o que ela esconde debaixo do rosto amargurado e da roupa amachucada. Olhar à volta e dar conta da diversidade de sentimentos, de expressões, de gestos… E poder imaginar os seus motivos. Porque estão ali? O que estão a pensar? Porque estão a rir às gargalhadas? Há todo um processo de observação/imaginação no que toca a desvendar uma pessoa. Podemos acertar, ou não. Mas o que interessa é que imaginámos, e descobrimos uma pessoa que, mesmo que não corresponda à realidade, existe na nossa imaginação.
Suponho que haja até quem faça disto profissão. Porque não? A Psicologia integra um pouco desta observação/imaginação, também. E não parece interessante descobrir uma pessoa olhando à nossa volta e observando a diversidade? A verdade é que nos ajuda a compreender as nossas acções, e a questionar sobre o que a vida nos oferece. É totalmente reconfortante ver uma pessoa a sorrir, como a mulher que agarrava a mão do homem a seu lado. Mas não dói também observar o homem que chorava agarrado às pernas?
Olho à minha volta, uma vez mais. Será que alguém me está a observar?

Porreiro, pá!

2007-12-22T13:28:00.001Z

Portugal é não mais um país do passado; um país que se guia pelo exemplo dos outros, e pelos seus objectivos. A partir de 2007, Portugal tornou-se num modelo para o resto da Europa, superando até os países mais notáveis. Neste momento, deixa lentamente de ocupar a ponta mais ocidental da Europa, e dirige-se velozmente para o centro da vida política e social do continente europeu. Não era Camões que dizia para se esquecerem todos os feitos dos heróis da antiguidade, “Que eu canto o peito ilustre Lusitano”? Talvez esteja na hora de lhe dar ouvidos…

Tudo começou há cerca de três anos, quando o primeiro-ministro de Portugal, José Manuel Durão Barroso, abandonou o cargo e foi convidado a ocupar a função de Presidente da Comissão da União Europeia. Portugal foi, finalmente, dado a conhecer ao resto da Europa, não só como um país de descobrimentos, de história, de grande cultura, mas também como um exemplo de inovação e de futuro.

Agora em 2007, e devido à rotatividade da Presidência do Conselho da União Europeia, o primeiro-ministro português, José Sócrates, assumiu o cargo de Presidente em funções da União Europeia. Desde logo seguiu as suas prioridades, e criou uma agenda semestral repleta dos assuntos mais importantes a tratar, até ao final do ano. Um desses assuntos foi o Tratado Reformador.

Estavam reunidas todas as condições para se chegar a um acordo sobre o Tratado, aquando da Cimeira Informal Tripartida de Lisboa. José Sócrates estava confiante de que ele se chamaria Tratado de Lisboa, e que tudo ia ficar decidido durante os dias da cimeira, 18 e 19 de Outubro. Não foi preciso ir muito longe na noite do primeiro dia para se encontrarem 27 líderes sorridentes e dispostos a assinar o tão falado Tratado de Lisboa.

Mais do que uma vitória para a Presidência, e para a própria Europa, foi uma vitória para Portugal. Há sempre o risco de o Tratado não ser ratificado pelos 27 países membros, durante o ano de 2008, como está previsto. Mas o facto de terem conseguido chegar a acordo, e assinarem o tratado, numa cerimónia memorável, a 13 de Dezembro, com a proposta do governo português, foi, por si só, um ponto a favor da Presidência e do próprio país.

Até ao fim da Presidência, Portugal vai continuar a deter esse cargo importante na União Europeia. Toda a Europa está de olhos postos em Portugal e, até ao fim do ano, o governo português continuará a ter um papel fundamental nas relações entre os estados-membros e o resto do mundo, nomeadamente o continente africano, na Cimeira UE-África, já realizada nos dias 8 e 9 deste mês; nas restantes cimeiras com a Turquia e a Rússia, realizadas ao longo do semestre; e na Conferência de Bali, sobre o aquecimento global, onde se conseguiu chegar a acordo sobre um novo Protocolo, para substituir o Protocolo de Quioto, que chega agora ao fim; entre muitas outras actividades.

Tal como disse José Sócrates, depois de acordado o Tratado de Lisboa, “o trabalho ainda não acabou. Temos muito pela frente. Quero garantir-vos que a Presidência continuará a trabalhar com o mesmo empenho e com a mesma convicção da primeira hora por uma Europa mais forte ao serviço de um Mundo melhor”. “A Presidência Portuguesa escreveu uma importante página da História da Europa”, afirmou, por seu lado, José Manuel Barroso. O Presidente da Comissão Europeia disse ainda que Portugal se pode orgulhar da sua presidência. Apesar das diferenças políticas entre Barroso e Sócrates, a pátria acabou por juntá-los e torná-los amigos, ficando célebre a expressão abrupta “Porreiro, pá!”, do primeiro-ministro português.

A grande prosperidade externa não atrai particularmente os portugueses. Muitos depreciam os líderes, José Sócrates neste caso, por se preocuparem muito com a tal promoção de Portugal, e com os assuntos externos, deixando o próprio país em espera. A verdade é que Sócrates não o fez; conseguiu interessar-se pela Europa sem se desviar dos assuntos internos. E isso fez também com que alguma da prosperidade externa se alastrase até Portugal.
Para além de um centro político, Portugal foi também um país acolhedor de iniciativas a nível europeu e mundial, como a cerimónia das 7 Maravilhas do Mundo, que promoveu e muito o nosso país e o divulgou pelo resto do mundo. Portugal está a apostar fortemente na sua promoção, atraindo mais turistas e curiosos a visitar Portugal. Durante todo o ano, Portugal foi um país de transição: entre um passado merecedor de louvor, que não deve ser esquecido; e um presente modernizado e fulcral, que levará a um futuro melhor.

A partir dos próximos anos, tudo vai mudar. Portugal deixou de ser o que era ontem, e passou a ser o que será amanhã, não só devido ao seu papel inesperado e surpreendente na União Europeia e no mundo, como pelo seu papel no próprio país, que parece disposto a crescer nas áreas menos desenvolvidas, e a manter o estatuto de modelo para uma Europa com futuro. A tarefa não será fácil; mudar nunca o é. Mas Portugal está preparado para o fazer. Para melhor.

Superstição

2007-10-10T16:29:00.001+01:00

“Find a penny,
pick it up,
and all day long,
you’ll have good luck”

Lá diz o provérbio inglês “Encontra uma moeda, apanha-a, e terás sorte durante o dia inteiro”. Superstição. Só a acredita quem quer, mas todos temos uma. Nem que seja entrar com o pé direito num espaço ou projecto; acreditar que um gato preto pode dar azar ou, simplesmente, que comer muito queijo provoca falta de memória; usar sempre a mesma caneta da sorte para fazer um teste decisivo. A superstição encontra-se entre o que conseguimos controlar, e o que não conseguimos. Talvez seja por isso que nos custa tanto acreditá-la. Mas a verdade é que todos a tememos.
Foi quando a vi, perdida e sozinha no chão, redonda, brilhante, que me apercebi do valor que damos à superstição. Peguei nela, rodando-a, para verificar que não estava a sonhar. Disse para mim mesma: “Find a penny, pick it up, and all day long, you’ll have good luck”. Voltei a olhá-la, e sorri. Na minha mão, uma moeda de um cêntimo. Guardei-a com todo o cuidado no bolso das calças de ganga. Verifiquei que se encontrava lá dentro, e continuei a andar. Sorridente.
Sim, é verdade. No resto do meu dia não tive assim tanta sorte, ou pelo menos que desse por ela. Mas percebi que não é esse o objectivo da superstição. Ao encontrar aquela moeda, e ao guardá-la, fiquei com a sensação de que ia ter um dia mais feliz, e, só por isso, devo tê-lo tido. Não importa se a promessa se cumpre, mas sim a nossa reacção perante a possibilidade da concretização da superstição. Só o facto de termos vivido aquele momento, mesmo não acreditando em superstições, põe-nos mais confiantes durante o resto do dia, o que acaba por ser decisivo nas nossas acções.
As pessoas acreditam na superstição porque são suficientemente coerentes para saber que não têm todas as respostas, e que a vida é demasiado misteriosa para ser totalmente explicada. A superstição é como a religião: uma fé, que seguimos por um qualquer instinto interior… que nos faz acreditar em coisas que não acreditamos… no fundo, que nos obriga a respeitar as regras de um qualquer subconsciente, para conseguirmos viver melhor. Respeitamo-la porque a tememos. E acreditamo-la.
Todos somos um pouco supersticiosos. Não sabemos porquê, mas somos. Afinal de contas, a vida é feita destas pequenas coisas…

Porque aprender compensa

2007-09-28T14:38:00.001+01:00

Portugal é um dos países que revelam mais baixos níveis de qualificação escolar e profissional entre a população adulta, de acordo com o site www.novasoportunidades.gov.pt: mais de 3.500.000 dos activos têm um nível de escolaridade inferior ao Ensino Secundário, dos quais 2.600.000 nunca completaram o Ensino Básico… Entre os mais jovens (18 a 24 anos), cerca de 485.000 trabalham sem terem concluído o 12º ano, e 266.000 sem terem terminado o 9º ano. Menos de metade da população (50%) compreendida entre os 20 e os 24 anos não concluiu o Secundário, enquanto a média da União Europeia é de 25%.
Foi de acordo com estes dados que surgiu a iniciativa Novas Oportunidades, um programa do governo que ambiciona abranger tanto jovens como adultos: Jovens que não pretendam seguir um Curso Tecnológico a nível do Secundário, mas sim um Curso Profissional que os coloque mais fácil e rapidamente no mercado de trabalho; Adultos que não tenham o Ensino Básico ou Secundário e pretendam expandir os seus conhecimentos. O objectivo desta iniciativa, de acordo com o primeiro-ministro José Sócrates, é “dar um forte e decisivo impulso à qualificação dos portugueses”; acelerar o processo de ensino em Portugal e proporcionar a todos os portugueses a oportunidade de aprender, reduzindo o analfabetismo entre a população, de modo a facilitar a política de emprego e a acompanhar a Europa a nível escolar e profissional.
Para os jovens, a iniciativa visa proporcionar um rol de escolhas para facilitar o seu acesso ao mercado de trabalho, assim reduzindo o número elevado de desistências a nível do Ensino Secundário e a nível da escolaridade obrigatória. Para os adultos, o objectivo é menos claro: pretende-se diminuir a taxa de analfabetismo e melhorar os conhecimentos, proporcionando-lhes um tipo de ensino mais acessível e directo. Por exemplo, para concluir o Ensino Básico, um adulto precisa de apenas seis meses, realizando, ao longo do ano, trabalhos sobre matérias aprendidas nas aulas, e outras de desenvolvimento pessoal. Parece injusto completar um nível de ensino com tal facilidade, até impossível; mas as suas vivências são mais importantes para os criadores do projecto do que o conhecimento mais técnico: o que importa é poder progredir social e pessoalmente.
Perante um cenário tão negro que é o ténue desenvolvimento de Portugal, José Sócrates afirma que a única opção é “a aposta na qualificação da população portuguesa”, de maneira a crescermos económica e coesamente. Esse tem de ser um esforço comum a todos os portugueses.